13TH FLOOR ELEVATORS - Rockius Of Levitatum 

(Vinyl Lovers Records 901233, 2011, Originalaufnahmen von 1966 und 1967)

Diese hervorragend zusammengestellte und auch brilliant klingende Sammlung mit legendären Konzertaufnahmen einer der wichtigsten amerikanischen Psychedelik Rock Bands erschien erstmals 2011 ausschliesslich auf Vinyl. Berücksichtigt wurden Stücke von noch existierenden Bändern aus den Jahren 1966 und 1967, die neu aufbereitet werden konnten, weil sie sich noch in einem guten Zustand befanden und die Zeit in einem Archiv gut überdauert hatten. Den Einfluss, den Roky Erickson und seine Band auf die kommende Musiker-Generation in der Blütezeit der Hippies ausübte, war enorm. Viele Bands und Musiker orientierten sich an dem Sound-Gebräu, das mit damals revolutionären Klangverfremdungen und spacigen Arrangements zustande kam. Roky Erickson war vielleicht einer er wichtigsten experimentellen Musiker in den 60er Jahren und es ist gut möglich, dass wir heute Bands wie Pink Floyd oder Jefferson Airplane auch ein bisschen ihm zu verdanken haben.

The 13th Floor Elevators waren eine der beeindruckendsten psychedelischen Rockbands, die im Herbst 1965 in Austin Texas, von Roky Erickson, Tommy Hall, Bennie Thurman, Stacy Sutherland und John Ike Walton gegründet wurde. Der Bandname bezog sich auf den 13. Buchstaben des Alphabets, das M und dieses stand für Marihuana, das einen 'high' machte, also nach oben brachte, wie ein Aufzug (Elevator). Eine andere Interpretation besagte, dass aufgrund von Triskaidekaphobie bei der Geschosszählung vieler amerikanischer Hochhäuser auf die 12 die 14 folgte und der Bandnamen als Paradoxon stand. Die einzige Charts-Positionierung gelang der Single "You’re Gonna Miss Me". Sie erreichte im Jahr 1966 den 55. Platz in den Vereinigten Staaten. Eine erste Aufnahme dieses Songs hatte Roky Erickson bereits 1965 mit seiner alten Band The Spades veröffentlicht, die er kurz darauf verliess. Mit den 13th Floor Elevators kam es Anfang 1966 zu einer neuen Aufnahme des Songs und einer Veröffentlichung unter dem Contact-Label, die zu einem lokalen Erfolg wurde. Die Übernahme der Single durch das Houstoner International Artists Label im gleichen Jahr erreichte dann die Billboard Charts. Bald darauf folgte eine Einladung in Dick Clarks Fernsehsendung American Bandstand.

Noch im selben Jahr veröffentlichte die Band das erste Album "The Psychedelic Sounds Of The 13th Floor Elevators". Die Band war die erste, die sich selbst unter dem Begriff Psychedelic vermarktete. Nur zwei Wochen später griffen Grateful Dead den Begriff ebenfalls auf. Bis 1968 spielten die 13th Floor Elevators noch zwei weitere Studioalben ein. Die Elevators waren bekannt für ihren Konsum von Marihuana und LSD (letzteres war zur Anfangszeit der Band noch kurze Zeit legal), lediglich Schlagzeuger John Ike Walton distanzierte sich frühzeitig davon, nachdem er schlechte Erfahrungen mit seinem zweiten LSD-Trip gemacht hatte. Regelmässige Kontrollen durch die texanische Polizei waren die Folge. Nachdem Erickson, der schon im Vorjahr wegen Schizophrenie behandelt worden war, schliesslich im Jahre 1969 mit einer kleineren Menge Marihuana in Austin aufgegriffen worden war, plädierte er auf Rat seines Anwalts auf nicht zurechnungsfähig, um einer bis zu zehnjährigen Gefängnisstrafe zu entgehen (die Strafen für Marihuanabesitz wurden in Texas erst nach 1970 deutlich abgesenkt). Nachdem er mehrmals aus einer psychiatrischen Klinik in Austin entwichen war, wurde er schliesslich für mehrere Jahre in eine besser gesicherte psychiatrische Anstalt in Rusk überstellt, in der überwiegend schwere Gewalttäter, Vergewaltiger und Mörder einsassen. Die Band löste sich daher 1969 auf. Nach der Auflösung gab es einige Projekte der jeweiligen Mitglieder, jedoch nie eine ernsthafte Wiedervereinigung. Eine Tragödie ereignete sich zudem 1978, als Stacy Sutherland bei einer schweren Auseinandersetzung mit seiner Frau von dieser erschossen wurde.

Die Musik der Band war deutlich vom Rhythm & Blues geprägt und mit dem Stil der Rolling Stones und dem jungen Frank Zappa in den 60er Jahren vergleichbar. Ungewöhnlich jedoch war die energisch kreischende Stimme von Roky Erickson und der mit einem Mikrophon elektrisch verstärkte Jug von Tommy Hall. Der Jug steht in der Tradition des Blues und ersetzte vornehmlich während der 30er Jahre den sperrigen und teuren Kontrabass. Im Grunde handelte es sich dabei um eine grössere, bauchige Flasche, in die hinein geblasen wurde. Solche Bands wurden als Jug Bands bezeichnet. Tommy Hall erzeugte damit hohe, rhythmische Stakkatotöne, deren Frequenz und Tonlage leicht variierte. So entstand ein Klangteppich im Hintergrund der Musik, welcher der Band einen einzigartigen und ungewöhnlichen Charakter verlieh. Zusammen mit den Amazing Charlatans waren sie die erste Band, die unter Einfluss von LSD live spielte. Die 13th Floor Elevators sahen sich selbst allerdings als bessere Live-Band. Ausserdem hatten die 13th Floor Elevators externe Songwriter. Unter anderen waren das Tommy Hall's Frau, Clementin Hall ("Splash 1", "I Had To Tell You") und Powell St. John ("Kingdom Of Heaven", "Monkey Island", "You Don’t Know", "Take That Girl", "Right Track Now") der in den 60er Jahren auch Einfluss auf viele andere Musiker in Austin, Texas, hatte. Die Stücke "You’re Gonna Miss Me" und "Slip Inside This House" sowie das Album "The Psychedelic Sounds Of The 13th Floor Elevators" zählen heute zu den Klassikern des Garagenrock, respektive dem Psychedelic Rock.

Die Zusammenstellung "Rockius Of Levitatum" enthält 15 bisher nicht veröffentlichte Aufnahmen in allerbester Qualität, was einerseits als grosser Glücksfall zu werten ist, andererseits beweist es eindrücklich, dass das Interesse an diesem visionären Musiker auch heute noch, fast 50 Jahre nach der Hippiebewegung, ungebrochen ist. Die Auswahl der Songs ist so gewählt, dass sie möglichst viele verschiedene Facetten des künstlerischen Schaffens der Gruppe berücksichtigt. So gibt es bislang nicht veröffentlichte Titel der Band, einige tolle Coversongs, plus Titel ihres Debutalbums "The Psychedelic Sounds Of The 13th Floor Elevators" und dem Nachfolger "Easter Everywhere", beide damals auf dem kurzlebigen und heute legendären International Artists Recordings Label erschienen. Die Band gab in den beiden Jahren 1966 und 1967 sehr viele Konzerte und war gern gesehener Gast an zahllosen Open Air Festivals, auf welchen sie bisweilen auch als Headliner auftraten, so zum Beispiel mit dem Sir Douglas Quintet, der Band Great Society (aus denen später Jefferson Airplane wurde) oder mit Quicksilver Messenger Service. Die 13th Floor Elevators waren auch die allererste Band, die ihren Musikstil mit 'psychedelisch' bezeichnete, noch bevor dies beispielsweise Syd Barrett über seine Band Pink Floyd sagte, wobei allerdings beide Bands in etwa zeitgleich loslegten, die Elevators in Amerika und Pink Floyd in England. Waren Pink Floyd am Anfang eher von folkloristischen Soundmustern ausgegangen, so war Roky Erickson eher ein Rhythm'n'Blues-Fan, der heute wohl in die Kategorie Garagenrock passen würde, natürlich mit dem nötigen psychedelischen Moment in seiner Musik.

Das ausgesuchte Live-Programm bietet auf dieser Platte zum Beispiel den Track "Roller Coaster" vom Debutalbum, hier in einer Version mit spontan eingebautem Tempowechsel. Der Song wurde später von Spacemen 3 gecovert. Ausserdem sind Bo Diddley's "Before You Accuse Me" sehr hörenswert, da er beispielsweise viel mehr Energie und Kraft in sich hat als die zwei Jahre später veröffentlichte Bluesversion von Creedence Clearwater Revival. Roky Erickson war mit seiner harten Garage-Variante des Themas wesentlich näher am Original von Bo Diddley. Auch die Titel "You Don't Know", "Monkey Island" und "Kingdom Of Heaven", sämtlich aus der Feder eines befreundeten Komponisten und lokalen Hipsters mit dem Namen Powell St. John, der - ein Kuriosum - selber nie Mitglied der Gruppe war, zeichnen sich durch ungezügelten Vorwärtsdrang und kernigen Sound aus. "I've Got Levitation" schliesslich rundet diese sorgfältig ausgewählte Live-Zusammenstellung als einer der LSD-durchtränktesten Songs im Repertoire dieser so wichtigen Band der 60er Jahre ab. This is true Psychedelic Rock.

PAINTED DOLL - Painted Doll (Tee Pee Records TPE-202-2, 2018)

In der Regel stehe ich Rockbands, die aus nur zwei Musikern bestehen, eher skeptisch gegenüber. Warum, kann ich eigentlich nicht schlüssig erklären. Für mich sind zwei Musiker seit jeher mehr ein Duo, und als ein solches erwarte ich vielleicht Musik im Stile von Simon & Garfunkel, oder es tun sich zwei gestandene Musiker zu einem gemeinsamen Projekt zusammen und ziehen eine Armada von Begleitmusikern hinter sich her, die nur Statisten-Rollen einnehmen. Painted Doll ist etwas ganz Anderes. Painted Doll ist eine waschechte Classic Rock Band, die - wir ahnen es - aus nur zwei Musiker besteht. Und hinter den beiden Protagonisten steht auch kein halbes Dutzend angeheuerte Studiomusiker, die brav spielen, wie ihnen befohlen.

Painted Doll, das sind der Sänger, Gitarrist, Bassist und Keyboarder Dave Hill plus der Gitarrist, Bassist und Schlagzeuger Chris Reifert. Unter Rockkennern kommt spätestens jetzt ein aufhorchendes Aha mit Ausrufezeichen. Und das ist durchaus berechtigt. Denn die beiden Musiker könnten erstens einmal unterschiedlicher kaum sein, und zweitens in so einer Konstellation bei so einem Musikprojekt wohl auch kaum vorstellbar. Die beiden kommen aus völlig unterschiedlichen kulturellen Welten und haben doch ein beeindruckendes gemeinsames musikalisches Projekt auf die Beine gestellt, das ich bei aller Zurückhaltung mal einfach als richtig grossen Wurf bezeichnen möchte. Classic Rock ist ein weites Feld, und heutzutags wird leider weiss der Deibel was alles in diesen kreativ längst ausgeleierten Topf geschmissen, doch selten kommt dabei noch etwas wirklich Glücklichmachendes heraus. Stellen wir erst mal die beiden Musiker vor:

Dave Hill ist ein vielbeschäftigter und vielseitig ausgerichteter Künstler: Er ist Komiker, Schriftsteller, Musiker, Schauspieler und Radiomoderator, der ursprünglich aus Cleveland / Ohio, stammt, aber längst in New York City lebt. Er tritt weltweit als Comedian auf und 2007 ernannte ihn das Magazin Variety  zu einem ihrer '10 Comedians To Watch', etwas, worüber Dave Hill heute eher einen Mantel des Schweigens hüllt, warum auch immer. Als Radiomacher moderierte er jahrelang jeden Montagabend von 21 Uhr bis Mitternacht seine eigene Radiosendung 'The Goddamn Dave Hill Show' in Jersey City und arbeitet an zahlreichen Podcasts mit, die sich alle im weitesten Sinne mit Comedy und Musik beschäftigen. Dave Hill ist ausserdem Autor von drei Büchern, "Parking The Moose", "Tasteful Nudes" und "Dave Hill Doesn’t Live Here Anymore". Er hat auch für die New York Times, den New York Observer und weitere Magazine geschrieben. Comedy-Legende Dick Cavett nannte Dave Hill eine grosse Figur unter den amerikanischen Comicautoren der Vergangenheit und Gegenwart.

Aber letztlich ist Dave Hill eben auch ein Musiker, und zwar ein so richtig guter! Er hat manchmal gleich mehrere musikalische Projekte gleichzeitig am laufen, so unter anderem eine Power Pop Band namens Valley Lodge, in welcher er singt und Gitarre spielt und die Psychedelic Garage Rock Band Painted Doll. Er war auch Mitglied der Cleveland-Rockbands Sons Of Elvis und Cobra Verde sowie Diamondsnake, einer Heavy Metal Band mit dem bekannten Musiker Moby. Darüber hinaus hat Dave Hill auch Gitarre den ehemaligen Faith No More-Sänger Chuck Mosley gespielt. Er steuerte auch Musikpartituren zu Filmen wie Dirty Deeds, Shoot First und Pray You Live bei, und neben diesen beiden noch zu einigen anderen.

Der Zweite im Bunde ist Chris Reifert, der vor allem den Fans der härteren Klänge ein Begriff sein dürfte: Reifert spielte Schlagzeug auf dem Death-Debütalbum "Scream Bloody Gore" und ist einer der Pioniere des Death/Doom-Genres. Obwohl seine Musik eher als Death Metal bezeichnet werden kann, ist er einer der ersten Musiker, der die beiden Stile vermischte. Seit er sich 1987 von Chuck Schuldiner trennte, nachdem Schuldiner nach Florida zurückgekehrt war, beschloss Reifert, in der San Francisco Bay Area zu bleiben, und gründete 1987 seine eigene Band Autopsy. In dieser Band spielte er nicht nur Schlagzeug, sondern kümmerte sich auch um den Gesang. Nach mehreren Alben lösten sich Autopsy 1995 auf und Reifert und Bandkollege Danny Coralles begannen Vollzeit im damaligen Nebenprojekt Abscess zu spielen. Chris Reifert ist auch für seine vielen Nebenprojekte bekannt, darunter The Ravenous, Doomed und Eat My Fuk. Er war auch Gastsänger bei Machetazos Sinfonias del Terror Ciego und der von Autopsy inspirierten Murder Squads Ravenous - mit weiteren Gastauftritten bei Immortal Fate und Nuclear Death. Er ist auch für seine Arbeit als Albumcover-Designer bekannt. In seinen Interviews zeigt er immer wieder seine Vorliebe für schrägen Humor.

Painted Doll ist also ein Duo aus einem Comedian und einem Death Metal Musiker. Kann sowas gut gehen ? Und wie! Die beiden arbeiten laut eigener Aussage völlig ohne Vorsätze, was genau sie tun wollen - sie machen es einfach. Als sie sich entschieden hatten, gemeinsam zu arbeiten, begannen sie damit, sich gegenseitig Songideen hin- und herzuschicken, allerdings ohne irgendwelche Bemerkungen, wie das dann am Schluss klingen sollte. Auf gewisse Weise entstand dadurch eine Art unausgesprochene, gemeinsame Wellenlänge, was die beiden zusammen komponieren wollten - was sich unabhängig voneinander in ihren Köpfen an Musik formte. Über die Existenz des allgegenwärtigen und leider schon ziemlich ausgetretenen Retro Rock Pfads haben sie sich dabei nie ausgetauscht. Für die beiden waren ihre so entstandenen Songs sehr frisch und gar nicht retro.

Ob sich Painted Doll wirklich ernsthaft darüber Gedanken gemacht haben, erfolgreich zu sein (was sie ohnehin schon sind mit ihren vielen, unabhängig voneinander verwirklichten Projekten) dürfte nie im Fokus gestanden haben. Man hört es den zehn Songs auf diesem Album an: Hier hat der Spass, die Freude am gemeinsamen Musizieren den Ausschlag zur Zusammenarbeit gegeben. Die gemeinsame Liebe zu einer Musik, die ihre Wurzeln klar in den 60er Jahren hat, und irgendwo zwischen The Kinks und The Clash verortet werden kann, macht tierisch Spass und ist letztlich einfach das, was man heutzutags öfters mal schmerzlich vermisst: Good Old Rock'n'Roll. Für mich bis heute eines der schönsten Alben der letzten Jahre, welchem Painted Doll ein weiteres folgen liessen: 2020 reichten sie "How To Draw Fire" nach, ebenfalls ein ganz tolles Werk. Danach jedoch war erstmal Funkstille. Ich kann nur hoffen, dass da irgendwann mal noch was nachkommt, denn von solchen Klängen kann man eigentlich nie genug kriegen.

JEREMY SPENCER & THE CHILDREN - Jeremy Spencer & The Children

(Columbia Records KC 31990, 1972)

Wer bei den Stichworten "Beatles-Klau", "Wishbone Ash-Kopie", "Fleetwood Mac-Zitate" und "Sekte" schon genügend die Nase rümpft, der sollte hier vielleicht besser gar nicht weiterlesen. Folgt man den damaligen Stimmen der Kritiker, so war diese LP nämlich so unnötig wie ein Kropf. Stellt sich die Frage, warum ein Querdenker wie ich dann darauf kommt, es könne sich bei dieser Scheibe um ein alternatives Meisterwerk handeln ? Dazu muss man einige Eckdaten aus der Biographie von Jeremy Spencer kennen, und man muss auch ein bisschen die Zeit erlebt haben, als diese Platte 1972 erschienen war und alles andere als hohe Wellen schlug. Jeremy Spencer, am 4. Juli 1948 in Hartlepool (England) geboren, ist eines der Gründungsmitglieder der ursprünglichen Blues Band Fleetwood Mac. Entdeckt wurde er von Produzent und Musiker Mike Vernon bei einem Auftritt mit seiner Band, den THE LEVI SET BLUES, in Birmingham. Obschon Vernon keine Zukunft für den Rest der Band sah, war er von Spencers Slidegitarrenspiel äusserst beeindruckt: "Jeremy really blew me away". Jeremy war eher klein, mit schwarzen lockigen Haaren, nicht anders als Peter Green, und spielte Slide mit einer grossen halbakustischen Gitarre. Vernon, der wusste, dass Peter Green einen Gitarristen für seine Band suchte, arrangierte ein Treffen der beiden. Bald danach fingen sie an, zusammen mit dem Schlagzeuger Mick Fleetwood und dem Bassisten Bob Brunning zu proben. Jeremy Spencer war erst 18 Jahre alt, als er bei Fleetwood Mac - wie sich die Band später nannte - einstieg.

Spencers Beitrag zur Band bestand aus Coverversionen von Bluestiteln des legendären Elmore James. Er imitierte Elmore James so perfekt an der Gitarre, dass Mick Fleetwood einmal sagte: "Jeremy ist wie ein Chamäleon, im besten Sinne des Wortes natürlich". Die Fähigkeit Spencers, Rock'n'Roll-Grössen wie Elvis, Little Richard oder Buddy Holly nachzuahmen, brachte die Band dazu, Parodien von bekannten Popsongs aus den fünfziger Jahren zu spielen. Trotz seiner unterhaltenden Parodien war Spencer ein Musiker, dem es nicht unbedingt lag, eigene Songs zu schreiben, was er immer abgelehnt hatte. Im Januar 1970, nach der Veröffentlichung der LP "Then Play On", zu der Spencer lediglich eine kleine Klavier-Passage ("Oh Well Part Two") beisteuerte, veröffentlichte er ein Soloalbum mit Rock'n'Roll-Satire, auf dem er von Rockabilly über Boogie, Elvis Presley bis hin zu Pink Floyd alles parodierte. Das Album wurde zusammen mit den anderen Fleetwood Mac-Mitgliedern eingespielt. Es gab sogar ein Gespräch zwischen Peter Green und Spencer, zusammen eine epische Platte mit religiösen Themen aufzunehmen, aber dazu kam er nie.

Nachdem Peter Green Fleetwood Mac im Mai 1970 verlassen hatte, nahm Jeremy noch eine letzte Platte ("Kiln House") mit der Band auf. Er war mit seiner (und Danny Kirwans) Aufgabe, das Loch zu füllen, das Peter Green hinterlassen hatte, recht unzufrieden. "Alles, was ich spielen kann, ist Rock'n'Roll. Peter war ein entwickelter Musiker. Ich könnte nicht das Material liefern, das die Leute jetzt von uns erwarten." Zwei Wochen später, bei ihrer Tour zur Präsentation des Albums, verschwand Jeremy Spencer in Los Angeles. Er hatte das Hotel um drei Uhr nachmittags verlassen, um eine Buchhandlung auf dem Hollywood Boulevard zu besuchen. Auf dem Weg dorthin wurde er auf der Strasse von einem Mitglied der religiösen Sekte "Kinder Gottes" angesprochen. Da er am Abend des Konzertes nicht auftauchte, wurde die Polizei eingeschaltet. Fünf sorgenerfüllte Tage später liess sich Jeremy's Spur bis zum Hauptquartier der Sekte "Kinder Gottes", einem Lagerhaus im Stadtzentrum von Los Angeles, verfolgen. Um Spencer sehen zu können, musste sein Manager Clifford Davis eine Geschichte über eine ernsthafte Krankheit von Jeremy's Frau Fiona erfinden. Laut der Aussage eines Roadies von Fleetwood Mac, der mit dabei war, ging Spencer benommen herum wie ein Zombie, ganz als hätte man ihn einer Gehirnwäsche unterzogen. "Es tat mir innerlich weh, ihn so zu sehen. Sein Kopf war rasiert und er antwortete jetzt auf den biblischen Namen Jonathan". Davis und Spencer unterhielten sich drei Stunden lang, während Mitglieder des Kultes Jeremy's Arme rieben und wiederholt "Jesus liebt dich" sangen. Ganz wie Peter Green fühlte sich auch Jeremy der ganzen Verehrung unwürdig, die er mit der Band erhalten hatte. Ironischerweise baten die restlichen Bandmitglieder Peter Green, für Jeremy einzuspringen, was dieser auch tat.

Dass Jeremy Spencer sein Seelenheil in der Sekte der "Children Of God" fand, bewies er im Frühjahr 1973, als er zusammen mit Mitgliedern der Sekte, die allesamt sehr gute Musiker waren, eine neue Platte präsentierte, mit der keiner überhaupt gerechnet hatte. Spencer's Fähigkeit, sich musikalisch wie ein Chamäleon jeglicher Situation anzupassen, führte zu einem Werk, das man im weitesten Sinne als Folk Rock bezeichnen kann, das jedoch auch stark geprägt ist von den Soli, die Spencer schon zu Zeiten bei Fleetwood Mac populär machten. Grundsätzlich klingt die LP "Jeremy Spencer & The Children" wie ein Amalgam aus den mehrstimmigen Popsongs der Beatles und dem klassischen sogenannten "Twin Guitar" Sound der Gruppe Wishbone Ash. Das Songwriting war klar auf Jeremy Spencer's Gitarrenkünste ausgelegt, obschon die allermeisten Songs nicht aus seiner Feder stammten, sondern Kompositionen sind, welche hauptsächlich die Mitglieder der Sekte lieferten, inklusive natürlich der relativ stark missionarischen Songtexten. Wer allerdings über diese sektiererische Note hinwegschauen kann, der kriegt ein wundervolles, lockeres Hippiealbum zu hören, das zu der Zeit wohl stark antiquiert wirkte, denn die Blümchen in den Haaren der Hippies waren längst verwelkt, aber entgegen irgendeines nostalgischen Gedankens wirkte die Musik doch sehr zeitgemäss und wäre, wenn die religiösen Texte nicht gewesen wären, durchaus auch als ansprechende Folk Rock Platte durchgegangen.

Schon bei der mit einer unwiderstehlich im Ohr hängen bleibenden Hookline ausgetatteten Eröffnungsnummer "Can You Hear The Song", die auch als Single erschienen war, konnte man die typischen Beatles-Gesangsarrangements heraushören. Der Song selber war extrem hörerfreundlich, ein Pop der allerbesten Sorte. Aber auch die weiteren Stücke wie etwa "Let's Get On The Ball", "The Prophet" oder das unverschämt schöne "The World In Her Heart", das als Single B-Seite ausgesucht worden war, bot diese typisch beatleske Grundstimmung, dem wie bei fast allen Songs dieser typische, an Wishbone Ash erinnernde doppelstimmige Gitarrensound beigefügt wurde. Nicht wenige Songs klingen daher fast wie unveröffentlichte Wishbone Ash Songs aus jener Zeit. Der absolute Ueberflieger auf dem Album ist jedoch der Titel "War Horse", der perfekt auf die "Then Play On" Platte von Fleetwood Mac gepasst hätte. Ein langer, vorwärts treibender Folk Rock mit Betonung auf Rock, der Jeremy Spencer als hervorragenden Bluesgitarristen präsentiert. Im dieses tolle Album beschliessenden "I Believe In Jesus" tat Spencer noch einmal auf eindrückliche Weise seine Ueberzeugung kund, mit dem Beitritt zu den Kindern Gottes den für ihn richtigen Schritt im Leben gegangen zu sein.

1975, als Jeremy nach London zurückkehrte, formierte er eine neue Band mit dem Namen ALBATROSS, wiederum mit anderen Mitgliedern der Kinder Gottes Sekte. Diesmal umfasste ihr Repertoire wieder die bluesigen Tribute an Elmore James, mit einer sauberen Gewissenhaftigkeit gespielt und wagte damit einen Schritt zurück zu seinen eigenen musikalischen Roots, mit denen er weiland bei Fleetwood Mac zu begeistern wusste. Jeremy Spencer ist bis heute ein Teil der "Familie", wie die Kinder Gottes heute genannt werden, und ist noch immer ein begeisterter Musiker. 

 

SIMPLY SAUCER - Cyborgs Revisited (Mole Sound Recordings MOLE-1, 1989)

Die Gruppe Simply Saucer entstand in den 70er Jahren in der kanadischen Industriestadt Hamilton (Ontario) und schuf einen unverwechselbaren, originellen Sound, der eindeutig nicht zum damals aktuellen Musikklima passte. Die Band spielte kantigen Rock & Roll, eine Kombination aus frühen Punk-Vorläufern wie The Velvet Underground, The Stooges oder den Modern Lovers, kombiniert mit Krautrock im Stile von Can, Neu, frühe Kraftwerk, sowie britischem Prog/Psych à la Hawkwind, Pink Fairies oder Syd Barrett, sowohl mit als auch ohne Pink Floyd. Die Ursprünge von Simply Saucer reichen bis ins Jahr 1972 zurück, als sich der Frontmann der Band, der Gitarrist, Sänger und Komponist Edgar Breau, mit fünf anderen avantgardistisch ausgerichtetenen, Schallplatten sammelnden Musikern zusammentat und in einem Lagerhaus in Hamilton, Ontario, mit den Proben begann. Die Originalkompositionen waren lange, improvisierte Jams, die auf leeren Flaschen, Audiogeneratoren, Theremins, Keyboards, Saxophon, Flöte, E-Gitarren und Schlagzeug gespielt wurden.

Neben Edgar Breau wurde der Bassist Kevin Christoff das zweite und einzige dauerhafte Mitglied von Simply Saucer, deren Besetzung in der Folge häufig wechselte. Bald darauf betrat die noch junge und Jam-wütige, aber ebenso naive Band das Kellerstudio der Brüder Bob und Daniel Lanois, um ihre ersten sechs Songs aufzunehmen. Leider steckte die kanadische Musikindustrie damals in strikten Mainstream-Konventionen fest, die zwar für stabile Umsätze sorgten, aber gerade deswegen nur wenige künstlerische Visionen verfolgten. Die bittere Erkenntnis für Simply Saucer war, dass sich keine Plattenfirma fand, die sich auf das Abenteuer einlassen wollte, das Quartett unter Vertrag nehmen zu wollen oder gar ihre Aufnahmen zu veröffentlichen. Die Gruppe arbeitete dennoch unverdrossen an ihrem Sound weiter, spielten hervorragend kritisierte Konzerte, aber in kommerzieller Hinsicht blieben Simply Saucer ein reiner Geheimtipp unter Conoisseurs. Dies änderte sich erst, als sich im Jahre 1976 in London eine aufkeimende Punkszene zu entwickeln begann, deren unüberhörbares Echo bis nach New York und schliesslich auch Toronto nachhallte und in beiden Metropolen die Musikszene entscheidend beeinflusste.

In der Folge reaktivierte Edgar Breau seine Band ein weiteres Mal, nachdem er zwischendurch länger pausierte. Diese wiederbelebte neue Variante von Simply Saucer mit dem ehemaligen Teenage Head-Gitarristen Steve Park schaffte sich wiederum schnell brettharte Fans und begann mit Auftritten. Simply Saucer veröffentlichten dann endlich 1977 ihre erste offizielle Single "She's A Dog" auf Pig Records und erhielten dafür grossartige Kritiken. Der englische New Music Express zeichnete die Single als 'Pick Hit Single of the Week' aus. 1979 begann sich die Clubszene Torontos aufzulösen und die einzelnen Bandmitglieder begannen, neue Wege zu erkunden. Breau verstimmte wie John Fahey seine Gitarre, verkaufte seine gesamte elektrische Ausrüstung und begann eine neue Solokarriere. Es sollten fast dreissig Jahre vergehen, bis er wieder eine elektrische Gitarre besass, um erneut mit seiner Herzensangelegenheit Simply Saucer auf der Bühne zu stehen.

Es dauerte aber noch viele weitere Jahre, bis die breite Öffentlichkeit und Musikjournalisten endlich auch auf die bahnbrechende Lanois-Aufnahmesession aufmerksam wurden. Die sechs Studiosongs, kombiniert mit einem explosiven Live-Set (aufgeführt 1975 auf dem Dach von Hamilton's damals neuem Einkaufszentrum in der Innenstadt), wurden schliesslich 1989 in einer limitierten Vinyl-Ausgabe auf Bruce Mowat's Mole Sound Recordings mit dem Titel "Cyborgs Revisited" veröffentlicht. Eine erweiterte Version dieses Albums wurde 2003 von Sonic Unyon aus Hamilton für den kanadischen Markt auf CD veröffentlicht. Die ungewöhnliche Geschichte der Band und ihr grosser Vorteil, dass sie nicht nur bei ihren Fans, sondern auch bei anderen Musikern ein enorm grosses Ansehen genoss, hielten die Flamme am lodern und schufen eine treue, weltweite Kult-Anhängerschaft, die bis heute von den überragenden Qualitätzen der Band überzeugt sind. Anfragen von Fans, die Band zu reformieren, erreichten Edgar Breau immer wieder, bis er schliesslich im September 2006 zu einer erneuten Wiedervereinigung überredet wurde. Bald darauf spielte die Band mit einer gestärkten Besetzung ausgewählte Auftritte in ganz Nordamerika. Ausserdem nahmen Simply Saucer am Terrastock Festival in Louisville, Kentucky, und am Scion Garage Fest in Portland, Oregon, teil.

Erstaunlicherweise erlangte Simply Saucer für eine Band, die während ihrer gemeinsamen Zeit nie ein vollständiges Album veröffentlichte, ausserordentliche Bedeutung im Buch 'The Top 100 Canadian Albums' des Musikjournalisten Bob Mersereau und belegte in der Umfrage unter Spitzenreitern, Musikern und Kritikern der Musikindustrie einen durchaus respektablen Platz 36 (!). Die erstaunliche Geschichte der "Band, die sich weigerte zu sterben" war kurze Zeit später Gegenstand des Buches von Jesse Locke, dem Herausgeber von 'Weird Canada' über die Gruppe Simply Saucer, sowie eines Dokumentarfilms mit dem Titel 'Low Profile: The Simply Saucer Story' des Torontoer Filmemachers Greg Bennett. Das ultracoole Garage Rock Label In The Red aus Los Angeles veröffentlichte schliesslich eine Deluxe-Edition von Simply Saucer's Klassiker "Cyborgs Revisited". Eine weitere Studio-EP wurde in Detroit aufgenommen und auf Schizophrenic Records veröffentlicht, während ein weiteres Label mit dem Namen Logan Hardware Records aus Chicago eine Doppel-Vinyl-Zusammenstellung von Raritäten veröffentlichte. Das Indie-Label Mammoth Cave wiederum veröffentlichte eine weitere Platte mit dem Publikumsliebling "Bullet Proof Nothing", dem Song, der Inspiration und Titel für das Bestseller-Buch 'Treat Me Like Dirt' (Bongo Beat Books) der Torontoer Autorin Liz Worth lieferte, eine Geschichte der Punk- und Undergroundszene von Ontario.

 

TIM BUCKLEY - Sefronia (DiscReet Records MS 2157, 1973)

Veröffentlicht im November 1973, war "Sefronia" das achte Album in der Karriere von Tim Buckley. Ursprünglich auf dem DiscReet-Label veröffentlicht, einem von Buckleys Manager Herb Cohen und einem weiteren seiner leitenden Angestellten, Frank Zappa, aufgestellten Label, war es ein Album, das bis heute nur wenige Buckley-Fans hat, die bereit sind, dessen Vorzüge herauszuheben. Kaum einer der damaligen Musikkritiker liess an dem Werk ein gutes Haar, die Platte wurde praktisch unisono verrissen. Mit 45 Jahren Distanz und dem Blick auf andere posthume Veröffentlichungen, dürfte es aber heute durchaus möglich sein, "Sefronia" in einem etwas freundlicheren Licht zu sehen.

Auf dem Plattencover trug Buckley bei "Sefronia"einen merkwürdigen, etwas belustigten Gesichtsausdruck, der vielleicht etwas Licht in seine Gemütsverfassung bringen sollte und vielleicht auch einen Schlüssel zum Inhalt des Albums lieferte. Rock-Experten und langjährige Buckley-Fans hatten dieses und auch das nachfolgende Album "Look At The Fool" unter dem Strich als die sterbende Glut einer einstmals grossartigen Künstlerkarriere betrachtet, die über wenig Inspiration, interessante Momente oder gar bereichernde und nachhaltige Songs verfügen würde. Die als absolute Topklasse eingestuften Songtexte und die wundervollen wortlosen Klanglandschaften seiner zuvor veröffentlichten und geliebten Werke wie "Lorca" oder "Starsailor" waren längst vorbei. An ihre Stelle traten nun kürzere, prägnantere Songs und Exkursionen in ein musikalisches Terrain, das man im besten Fall mit moderatem Funky Pop hätte bezeichnen können. 

Sein zuvor im Jahre 1972 veröffentlichtes Album "Greetings From LA" liess Tim Buckley tief in eine zuweilen brutal offene Fleischlichkeit eintauchen, wobei die Romantik von einst den Feierlichkeiten knarrender Bettfedern und 'Cruising Single Bars' Platz machte. Das Werk war jedoch sehr gut, und seine musikalische und lyrische Neuerfindung war ein künstlerischer Erfolg, auch wenn die Verkäufe, offen gesagt, sehr dürftig waren, und sein damaliges Plattenlabel Warner Brothers das Album auch ablehnte und ein weiteres Interesse an ihm nicht mehr bezeugen mochte. Manager Cohen meinte später zum Richtungswechsel des Musikers: "Nun, wir haben es auf Buckley's Weise versucht, jetzt versuchen wir es auf diese Weise", vermutlich vor allem, um kommerziellen Profit aus seiner Musik zu schlagen, sicherlich aber nicht aus Interesse am Künstler selbst. Oder vielleicht war Tim Buckley auch schlicht auf der Suche nach anderen Projekten. Er hatte zu der Zeit beispielsweise mit seinem Lyrikerfreund Larry Beckett eine musikalische Umsetzung des Joseph Conrad Romans "Der Ausgestossene der Inseln" in Erwägung gezogen und erwog sogar Schauspielrollen. Schliesslich war er ja erst mitte Zwanzig, und er hatte bereits etliche qualitativ hervorragende Musikalben veröffentlicht.

Eine nähere Betrachtung der kompositorischen Credits auf "Sefronia" zeigte, dass fünf der elf Tracks des Albums keine Originalkompositionen von Buckley waren. Für überzeugte Buckley-Fans lag hier der Haken. Das Drängen seines Managers Herb Cohen, die Verpflichtung des Produzenten Denny Randell, und die Forderung, ein Album mit brauchbarem Material innert nützlicher Zeit und moderatem Budget einzuspielen, bei dem Cohen die Geldbörse bestimmte, bremste Tim Buckleys kreative Energien nachhaltig. Man weiss auch, dass der Künstler in jenen Tagen immer stärker dem Alkohol und den Drogen zugewandt war, was seine kreative Arbeit zusätzlich belastete. Um Cohen in Schutz zu nehmen, muss man allerdings auch festhalten, dass er Buckley während der als relativ schwierig zu bezeichnenden "Lorca"- und "Starsailor"-Phasen stets unterstützt hatte, indem er mit dem Künstler Musik produzierte, von der manche behaupteten, sie sei leichter zu bewundern als wirklich zu lieben. Diese zurückhaltende Eindringlichkeit, wie ich sie beim Anhören der entsprechenden Buckley-Alben stets verspürte, schien auf "Sefronia" ohne irgendeinen Nachhall verpufft zu sein. Die Produktion verlieh "Sefronia" zumindest einen zusammenhängenden Sound, nicht gerade den fetten Funk des Vorgängers "Greetings From L.A.", aber es bewies durchaus solide Produktionswerte in einer Zeit, in der ein Rock'n'Roll-Publikum mehr Wert auf soundtrechnische Gimmicks als auf traditionelle akustische Eindringlichkeit legte.

"Sefronia" startete mit einem Rückblick auf Buckley's frühe Troubadour-Tage mit einer Coverversion des Titels "Dolphins", das vom ehemaligen Greenwich Village Folkie und dem Unruhestifter Fred Neil stammte. Das war ein Lied, das Buckley schon seit vielen Jahren in seinem Live-Repertoire hatte - es war später auch in dem epochalen, posthum veröffentlichten Live-Album "Dream Letter" enthalten, aufgenommen in der Londoner Queen Elizabeth Hall im Oktober 1968, aber Neil's Einfluss auf Buckley ging weit über diesen einen Song hinaus. Fred Neil fügte seiner 12-saitigen Akustikgitarre seinen Hector-Bariton hinzu, und Buckley hatte das gleiche getan, während er seine Präsenz in der New Yorker Coffee Shop-Szene aufgebaut hatte, obwohl er für die Version auf "Sefronia" seine treue Fender Electric XII bevorzugte. Fred Neil lebte Anfang der 70er Jahre zurückgezogen in Cocoanut Grove in Florida und verbrachte seine Zeit damit, die Delphine zu studieren, über die er einst gesungen hatte.

Betrachtet man Rest des Albums, war "Honey Man" eher ein Titel, der auf den Vorgänger "Greetings From L.A." gepasst hätte. Buckley hob hier sein Stimmspiel noch einmal richtig hoch, wurde dabei unterstützt von einer sehr muskulösen Funk-Begleitung und zeigte ein gutes Gespür für tanzbaren und erdigen Sound - eindeutig eine Nummer, die dem Zeitgeist folgte, die von vielen brettharten Buckley-Fans allerdings als plumpe Anbiederung an den seelenlosen Dancefloor verstanden wurde. Es war einer von vier Tracks, geschrieben von Buckley und seinem sporadischen lyrischen Mitarbeiter Larry Beckett, und hatte etwas mehr von der Poesie in seinem Libretto. "Beating Of You" war ebenfalls in einem Funk-Setting zu hören, und war mit einem weiteren exzellenten Buckley-Gesang gesegnet, der über seine vier Minuten plus Dauer einen ziemlich guten Dynamikaufbau präsentierte. Das Demo von "Because Of You", das in der "The Dream Belongs To Me"-Kompilation veröffentlicht wurde, enthüllte eine noch intensivere Funk-Aufnahme. Spätestes hier hätte selbst der brettharteste Buckley-Fan merken müssen, wie sehr sich der Künstler um eine stilistische Veränderung bemühte, doch für die war dieser Sound nicht mehr Tim Buckley.

Das ambitionierteste Stück auf dem Album war schliesslich der Titeltrack "Sefronia", der in zwei Hälften geteilt war: "Sefronia: After Asklepiades, After Kafka2 und "Sefronia: The King's Chain", und präsentierte über weite Strecken eine teilweise Reprise von Buckleys verträumteren früheren Tagen, die ein wunderschönes Marimba-Spiel beinhalteten, seine eigenen 12-saitigen Akkorde, verträumte Congas und ein bisschen an den Gitarren-Stil erinnerte, den beispielsweise Willie Mitchell auf zeitgenössischen Al Green-Aufnahmen gespielt hatte. Es war eine angenehme Erinnerung an die musikalischeren und lyrischeren Ambitionen seiner "Blue Afternoon" Aera, obwohl sie etwas unvollendet erschien und vielleicht mit ein wenig mehr Arbeit noch etwas substanzieller hätte aufpoliert werden können. So wie es ist, war es aber ein schönes Stück und für mich der Höhepunkt dieses Werks.

"Quicksand" und "Stone In Love", die beiden Tracks, die Buckleys als alleinigen Komponisten auswiesen, waren ebenfalls sehr schön aufgebaut, der erste ein straffes, kantiges Stück Funky Rock mit einigen exzellenten Akkordwechseln und einem energiegeladenen Gesang, der zweite ein wiederum hervorragendes Beispiel für Buckley's noch immer exzellenten Gesang. "Martha" schliesslich war ein Song von Tom Waits aus dessen erstem Album "Closing Time", das ebenfalls 1973 erschienen war, und auch hier zeigte Buckley viel Emotionalität in seiner Variante des Titels. Das Arrangement von Streichern und Holzbläsern war üppig, und auch wenn es vielleicht irgendwie als Kontrapunkt wirkte gegenüber dem ansonsten eher erdigen Charakter des Albums, passte es ausgezeichnet zum Rest der Stücke. "Sefronia" erhielt zwar nicht dieselben schlechten Kritikerstimmen wie sein Vorgänger "Greetings From L.A.", dennoch wurde Buckley von einem Kritiker stimmlich mit Neil Diamond verglichen, wobei man durchaus darüber streiten kann, ob das nun tatsächlich ein negativer oder vielleicht sogar doch positiver Vergleich sein soll. "Sefronia" verkaufte sich allerdings deutlich schlechter als sein Vorgänger und seine Beziehung zu seinem Manager, Herb Cohen, wurde zunehmend angespannt. Buckley trank viel und hatte sich mehr mit Drogenmissbrauch beschäftigt, als dass er nach einem Ausweg aus seiner kreativen Sackgasse gesucht hätte.

Buckley wollte für die britische Veröffentlichung von "Sefronia" mit einem Eröffnungs-Auftritt auf dem ersten Knebworth Festival werben, wo er zusammen mit der Sensational Alex Harvey Band, dem Mahavishnu Orchestra, Van Morrison, den Doobie Brothers und der Allman Brothers Band am 20. Juli 1974 auftrat. Das Publikum pfiff den einst so gefeierten Künstler jedoch gnadenlos aus, ein Umstand, der den weitgehend gebrochenen Künstler noch zusätzlich frustrierte. Seine Band bestand zu jenem Zeitpunkt aus Art Johnson (Gitarre), Jim Fielder (Bass), Mark Tiernan (Keyboards) und Buddy Helm (Schlagzeug), und das Set beinhaltete Songs wie "Nighthawkin", "Dolphins", "Devil Eyes", "Buzzin'Fly", "Sweet Surrender" und "Honeyman", und am Ende des Sets eine vierminütige Improvisation, es kursierten in der Folge auch Bootlegs dieser Show. Aufgrund der Tatsache, dass Buckley im Wesentlichen spielte, während die Zuhörer erst auf dem Festivalgelände ankamen und ihren Platz für den Tag einrichteten, zeigte er eine sehr gute Leistung, aber nur Wenige, die ihm zuhörten, waren beeindruckt von seiner Leistung. 1974 nahm Tim Buckley sein letztes Album "Look At The Fool" auf. Schlechte Verkaufszahlen führten jedoch letztlich zur Trennung von seiner Plattenfirma.

BEN - Ben (Vertigo Records 6360 052, 1971)

Es gibt Platten, die will man einfach mal hören, weil sie legendär und sagenumwoben sind. Meistens sind solche sagenumwobenen Platten irgendwelche Machwerke, hinter denen sich womöglich hinter einem Pseudonym ein bekannter Musiker verbirgt. Oder es handelt sich um Platten, die einfach keiner im Bekanntenkreis in der Sammlung hat, weil sie unbezahlbar sind und im Original zu Mondpreisen gehandelt werden. In diese Kategorie fällt die einzige LP der ansonsten völlig unbekannten Jazz Gruppe Ben, die 1971 ihre einzige Platte auf dem legendären Vertigo Swirl Label veröffentlicht hat. Ben haben auch überhaupt nicht in den musikalischen Katalog des Swirl Labels gepasst, obschon auf dem progressiven Label auch jazzige Acts wie Ian Carr und seine Band Nucleus, die Gruppe Catapilla oder Graham Bond eine Plattform erhielten. Die drei Genannten haben aber auch Sachen eingespielt, die manchmal auch schon nahe am Rock angesiedelt waren. Ben gar nicht, die haben wirklich Jazz gespielt. Vielleicht ist es dem Umstand zu verdanken, dass ich einfach ein brettharter Sammler von Vertigo Swirl Platten bin, dass auch ich diese LP unbedingt haben wollte.

Zu dem legendären Plattenlabel hatte ich bereits einen Blogeintrag gepostet, hier nochmal einige Infos zu diesem insbesondere in Sammlerkreisen hochgschätzten Label: Die Plattenfirma wurde 1969 von der Philips Phonographic Industry gegründet und sollte sich auf Progressive Rock spezialisieren. Bis 1973 erschienen diverse Singles und LPs mit jungen und modernen Künstlern, darunter auch die später berühmt gewordenen Black Sabbath, Gentle Giant, Status Quo, Rod Stewart und Uriah Heep. In späteren Jahren wurde das Programm kommerzieller, unter anderem mit Thin Lizzy, Dire Straits und Metallica. In den 90er Jahren verlor das Label zunehmend seine Selbständigkeit und ging schliesslich in Mercury Records auf. Die Polygram-Gruppe wiederum wurde von Philips an die Universal Music Group verkauft, die ihrerseits in Vivendi Universal aufging. Die Vertigo-Veröffentlichungen der Ära von 1969 bis 1973, die sogenannte 'Swirl-Phase' gelten heute als wegweisend für die Entwicklung der progressiven Rockmusik. Die meisten der klassischen Aufnahmen sind inzwischen wiederholt auf CD erschienen. Zu Beginn des neuen Jahrtausends begann Vivendi Universal mit einer Reaktivierung des alten Labels, wobei die musikalische Ausrichtung sich von den Anfängen erheblich unterschied.

Die historischen Veröffentlichungen werden gelegentlich als 'Vertigo-Swirl' oder 'Spiral Vertigo' bezeichnet. Bei diesen LPs war der Papiereinleger in der Mitte (das Label im eigentlichen Sinne) gemeint. Auf der A-Seite dieser Platten war auf dem Label das Vertigo-Logo gross abgebildet, auf der B-Seite das Logo in klein mit den Angaben zu Interpret, Titel und Songs. 1973 erfolgte die Umstellung auf das von Roger Dean entworfene sogenannte 'Ufo'-Label ('Spaceship Vertigo'). Das Ende der Swirl-Phase leitete die zuvor beschriebene Kommerzialisierung des Labels ein. Zu Beginn des Labels stand der Progressive Rock, der zu dieser Zeit eine Hochphase durchlebte, im Mittelpunkt der Veröffentlichungen. Typisch waren durchkonstruierte, lange Songs, die sich nicht selten über eine komplette Schallplattenseite erstreckten. Dementsprechend konzentrierte sich das Label auf zumeist progressiv ausgerichtete, auch dem damals üblicherweise als Underground Rock bezeichnete Alben, von denen bis 1973 ('Swirl-Phase') insgesamt 89 erschienen. Single-Veröffentlichungen waren in der Minderheit. Im gleichen Zeitraum gab es lediglich 44 Vertigo-Singles in Grossbritannien, die darüber hinaus fast durchwegs die Charts verfehlten, bis auf wenige Ausnahmen wie zum Beispiel Black Sabbath's "Paranoid", Uriah Heep's "Lady In Black" oder Status Quo's "Paper Plane". Neben den Progressive Rock-Veröffentlichungen bot Vertigo auch Jazz-inspirierten Bands wie Colosseum und Nucleus eine Heimat. Graham Bond verband auf Vertigo Jazz und Progressive Rock. Mit Tudor Lodge und Mike Absalom gab es ferner auch Musik aus der Folk-Szene. Durch die Veröffentlichung der Aufnahmen von Black Sabbath, Warhorse und Uriah Heep war Vertigo auch massgeblich an der Entwicklung des Früh-70er Hard Rock und Heavy Metal beteiligt.

Überwiegend waren britische Künstler bei Vertigo unter Vertrag, es wurden aber beispielsweise auch Aufnahmen von Kraftwerk aus Deutschland und Flame Dream aus der Schweiz veröffentlicht. Neben der Musik sorgten die häufig aufwändig gestalteten Schallplattencover für Aufsehen: Ein schönes Beispiel für ein solch ungewöhnlich gestaltetes Cover war etwa die LP "Space Hymns" der Band Ramases, einer Gruppe, von welcher später einige Musiker bei der erfolgreichen Band 10cc landeten. Das Cover zeigte eine Rakete, die ins All startete. Das Cover liess sich sechsfach aufklappen ('6-fach FOC'). Dabei entpuppte sich die Rakete als Kirchturmspitze einer riesigen Holzkirche, die in einem Feuerball ins All abhob. Wie bei diversen anderen Vertigo-Veröffentlichungen der Zeit wurde dieses Cover von Roger Dean entworfen, jenem Künstler, der auch die frühen Alben der Gruppe Yes designed hatte. Häufig übernahm auch der Fotograf Marcus Keef die graphische Gestaltung. Seine Cover zeigten in der Regel normale Bilder (oft Landschaften), denen etwas Obskures oder Nichtnatürliches hinzugefügt war. Beispielhaft wären hier die ersten beiden Black Sabbath-Alben zu nennen. Während einige der Bands aus der 'Swirl'-Phase schnell in Vergessenheit gerieten, sind die Plattencover und ihre Gestalter heute noch bekannt.

Viele der Swirl-LPs zählten aufgrund der geringen Produktions- und Verkaufszahlen bald zu grossen Raritäten. Als seltenste Exemplare gelten heute die Platten von Dr. Z ("Three Parts To My Soul" (Okkult) und Ben (Jazz). Auch die LPs von Tudor Lodge (Folk), Dr. Strangely Strange (Folkrock, mit dem damals noch weitgehend unbekannten Gary Moore als Gastmusiker), Mike Absalom (Singer-Songwriter), beide Alben von Cressida (Progressive Rock) und beide LPs von Catapilla (progressiver Jazzrock) zählen zu den besonders seltenen und gesuchten Platten. Der Wert des originalen Vinylalbums von Ben steht inzwischen selbst für eine in en frühen 90er Jahren nochmals aufgelegte Wiederveröffentlichung jenseits der 1000 Euro-Grenze für ein exzellent erhaltenes Exemplar, bis zu sagenhafte 3000 Euro werden indes für eine Original-LP im Neuzustand fällig. Das macht natürlich neugierig: Welcher Sammler zahlt für eine Jazz LP so einen hohen Preis ? Die LP ist inzwischen bereits mehrmals auch auf CD erschienen, und die empfehlenswerteste Version ist beim italienischen Label Akarma erschienen, in Form eines Mini Books im Hardcover. Diese Version kann man durchaus empfehlen, zumal man hier auch für bezahlbare 30 Euro eine klanglich hervorragend restaurierte CD bekommt.

Aber wie klingt diese Musik nun ?

Also erstmal muss man zu Ben sagen, dass es sich bei der Band um ein Projekt von ehemaligen Musikern der Keith Jarrett Band handelt. Leichtfüssig bis verkopft wie Jarrett also ? Nein, angenehmerweise eher fluffiger, ziemlich leichtfüssiger (nicht seichter) Jazz, dessen hektische Teile durchaus als progressiv bezeichnet werden können, nicht nervend, sondern immer sehr geschmeidig, edel, äusserst angenehm. Das ist irgendwo für mein musikalisches Empfinden überhaupt nicht verkopft, obwohl die Musik sehr anspruchsvoll wirkt. Ein bisschen erinnert der Sound von Ben an das Mammuttprojekt Centipede, an den Flöten-Jazz eines Herbie Mann, allerdings ohne jeden Anflug von funkigen Klängen. Besonders der Schlagzeuger David Sheen, der gerne auch perkussive Instrumente dazunimmt, um den Groove zu optimieren, oder da und dort gezielt Congas einsetzt, macht den Sound irgendwie lässig-locker. Ein Leader in der Band Ben ist nicht auszumachen, die Band spielt wie eine homogene Truppe, in welcher jeder Instrumentalist seinen Freiraum findet, um zu solieren. Peter Davey macht dies mit Alto-, Sopran- und Tenor Sax, Flöte und Klarinette, während Alex MacLeery Keyboards beisteuert, und zwar Electric Piano, Moog Synthesizer und Cembalo. Ausser den beiden Multi-Instrumentalisten spielen bei Ben noch der Gitarrist Gerry Reid an akustischer und elektrischer Gitarre, sowie Len Surtees am Bass.

Ueber die beteiligten Musiker ist nichts näher bekannt, es scheint, als hätten sich die Musiker nur gerade für dieses eine Album zusammengetan, denn auch über Konzerte kann man keine Infos finden im Netz. Allerdings kann man etwas über die beteiligten Musiker im Netz finden, was nur bedingt mit Musikschaffen zu tun hat. So hat beispielsweise der Saxophonist Peter Davey eine Technik herausgefunden, wie er mittles eines Saxophons Wasser zum kochen bringen kann (mit Tönen!). Zu schräg eigentlich, um sowas glauben zu können, scheint aber in der Tat wahr zu sein.

Ueber den Keyboarder Alex MacLeery kann man nichts in Erfahrung bringen, ausser dass er in der Band von Keith Jarrett beschäftigt war. Bassist Len Surtees war mal bei den Nashville Teens mit dabei (!) und trat später Peter Green's Band Kolors bei. Der Schlagzeuger David Sheen schliesslich spielte in der Band von Graham Bond und war später mal in einer der zahlreichen Begleitbands von Kevin Coyne tätig.

Mein persönliches Fazit: Da die ausgefallene Platte eine sagenumwobene Aura umgibt, höre ich sie mir natürlich auch genau mit dieser Haltung an, und deshalb finde ich sie wirklich toll. Es ist eine jener Platten, über die erzählt wird, sie hätte sich zum Zeitpunkt ihres Erscheinens kaum verkauft. Man reicht da Stückzahlen herum, die von 50 bis 100 verkauften Exemplaren erzählen, was aber wohl nicht stimmen kann, denn offiziell wurden von Vertigo Swirl-Alben mit ganz wenigen Ausnahmen immer jeweils 1000 Exemplare gepresst. Es kann aber durchaus sein, dass die Platte damals schneller aus dem Verkehr genommen wurde, weil sie sich besonders schlecht verkaufte und gewisse Rückläufer-Exemplare in der Folge vernichtet wurden. Insofern ist es nicht verwunderlich, dass inzwischen für das Original solch horrende Preise auf dem Sammlermarkt bezahlt werden. Es gibt nämlich inzwischen unzählige brettharte Vertigo Swirl Sammler weltweit, die das seltene und begehrte Original liebend gerne in ihrer Sammlung haben wollen.

Tracklist A-Seite:

1. The Influence (10:07)
2. Gibbon (9:12)

Tracklist B-Seite:

1. Christmas Execution (7:20)
2. Gismo (11:49)

 

BUCKY HALKER AND THE COMPLETE UNKNOWNS - Passion Politics Love 

(Brambus Records 199683-2, 2006)

Bucky Halker ist einer der vielen namenlosen Americana-Musiker aus Amerika, die in regelmässiger Folge Album um Album veröffentlichen - eines besser als das andere, die es nie bis zu unseren Gehörgängen schaffen. In der Regel ist das so - im Falle von Bucky Halker gab es 2006 - über ein Jahrzehnt, nachdem diese Aufnahmen entstanden waren -  immerhin die Chance, eine Platte in der kleinen Schweiz beim feinen Brambus Plattenlabel exklusiv für den europäischen Markt zu veröffentlichen. Wäre diese glückliche Fügung nicht eingetreten, hätte ich bestimmt nie ertwas von diesem wunderbaren Musiker gehört, der sich selbst auf seiner Webseite als Folksänger, Schreiber, Rocker, Lehrer, Gesangsarbeiter ("Labor Songster") und Alt-Country Twanger bezeichnet. 

Nachdem Halker bereits einige Platten auf kleinen Independent Labels veröffentlicht hatte, zum Teil mit nur lokalem Vertrieb, zog es ihn 1993 erst an die kanadische Grenze, wo er innerhalb eines Jahres neue Songs schrieb, die er bei einem erneuten Umzug 1994 nach Chicago mitnahm, und sie dann endlich, im Sommer 1995, in einem kleinen Tonstudio auch einspielen zu können. Es fehlten ihm auch bis dahin schlicht die finanziellen Mittel für eine Studioaufnahme und er konnte den Aufnahmeleiter des Studios, Steve Yates, auch gar nicht bezahlen. Dieser ging das Risiko eines finanziellen Desasters trotzdem ein und stellte nicht nur sein Studio zur Verfügung, sondern halt auch noch bei der Rekrutierung der mitwirkenden Musiker. Am Ende nahm Bucky Halker eine bunte Mixtur an Songs auf, die ein weites musikalisches Feld absteckten, so etwa Countryrock, Blues, Rockabilly, Honky Tonk und verschiedenste Folkrock-Varianten. Mit von der Partie waren unter dem Pseudonym "The Complete Unkowns" folgende Musiker: Gordon Patriarca am Bass, der später Stephen Ellis bei SURVIVOR ablöste, der Ex-FREAKWATER Gitarrist Brian Dunn, Phil Levin von den YELLOWHAMMERS am Schlagzeug  und die SONS OF THE NEVER WRONG-Sängerin Sue Demel für den Background Gesang, sowie in Gastrollen T.C. Furlong an der Pedal Steel und Don Stiernberg an der Mandoline. Der sehr bekannte Jazz Bassist Jim Cox und der gefeierte Tuba-Spieler Dan Anderson schauten ebenfalls für einige Aufnahmen im Studio rein. "Great players and stunning performances" resümierte Bucky Halker damals.

Indes gestaltete sich das Werben für diese Aufnahmen äusserst schwierig. Halker hatte immens Mühe, das ausgezeichnete Songmaterial irgendeiner Platttenfirma verkaufen zu können. Scheinbar sah keines der vielen Labels eine reelle Möglichkeit, mit diesen Songs Geld zu verdienen, weshalb sich Absage an Absage reihte. Halker entschied sich, vorderhand selbst CDs davon zu pressen, wenn er mit den neuen Songs auf Tour ging, nur, um sie vor Ort auch verkaufen zu können. Er verschuldete sich massiv - glaubte aber dennoch an die Songs und tatsächlich wurde seine Hartnäckigkeit letztlich belohnt, wenn auch nicht wirklich nachhaltig, und schon gar nicht finanziell zählbar. Denn das Label ZenMan Records, das die CD übernahm, ging kurz darauf pleite. Halker stand also wieder mit leeren Händen da. Einige Monate später fand sich dann in der Firma Whitehouse Records doch noch eine Plattenfirma, welche das Album offiziell und US-weit veröffentlichtne mochte. Damit aber nicht genug: Dank der Kontakte des Labels zu europäischen Firmen fand sich im Schweizer Unternehmen Brambus Records über eine Dekade später sogar ein Partner, der die Veröffentlichung in Europa übernahm. So war "Passion Politics Love" die erste Platte von Bucky Halker, die nicht nur regional, überregional oder gar amerikaweit erschien, nein, sie wurde sogar weltweit veröffentlicht. Für Bucky Halker ein unglaubliches Ereignis, über das er sich extrem freute und seinen Fans auch treu ergeben war, indem er nach Möglichkeit auf dem ganzen Globus zu tingeln begann, um die in den Plattenläden liegende neue CD auch konzertmässig promoten zu können und viele neue Fans dazuzugewinnen.

Schliesslich wurde die CD in Europa wesentlich stärker beachtet als in Amerika, wo der Markt einfach übersättigt ist mit Musikern wie Bucky Halker: Die Konkurrenz ist schlicht zu gross, als dass er in seinem Heimatland einen Erfolg in einem grösseren Rahmen hätte anstreben können. Hierzulande aber hat Bucky Halker noch heute treue Fans, und sie alle hatten ihre erste Berührung mit diesem fabelhaften Sänger und Musiker mit dem Album von 1996, das es erst 10 Jahre später auch hierzulande zu kaufen gab.

Vor allem textlich sind die 14 Titel der Platte echte Highlights, widerspiegeln sie doch ungefiltert und ungeschönt den realen Alltag, der von allerlei Entbehrungen und Frustrationen geprägt sein kann. Herausragend diesbezüglich etwa "Poverty's Lament" oder "Color Outside The Lines". Auch politische Texte bietet Halker, so in "Don't Let The Bastards", "Democratic Blues" und "Mr. Who's That Guy". Und natürlich ist auch in Bucky Halker's Songtexten die Liebe ein tragender Faktor, nachzuhören im wundervollen Longtrack "Too Far Gone" mit nicht enden wollendem traumhaft schönen Gitarrensolo, oder bei "Heaven In Milwaukee" und "Big Rock Candy Mountain". Musikalisch extrem vielfältig, aber immer eine homogene Einheit bildend, erinnert das Werk in seinem Ganzen ein bisschen an die grossen Singer/Songwriter mit klarem Strassenbezug, wie Mark Germino, John Cougar Mellencamp und Bruce Springsteen.

"Passion, Politics, Love" - Leidenschaft, Politik und Liebe. Die drei zentralen Themen - nicht nur auf dieser einzigartig schönen Americana-Platte, die mir seit vielen Jahren ein ständiger und treuer Begleiter ist.

DZYAN - Electric Silence (Bacillus Records BLPS 19202 Q, 1974)

Die Gruppe Dzyan, Ende 1971 von dem Multi-Instrumentalisten und Komponisten Reinhard Karwatky in Gross-Gerau, nahe Frankfurt gegründet, spielte einen von der Ethnomusik beeinflussten progressiven Jazz Rock. Der Gründungsformation gehörten Jochen Leuschner (Gesang und Perkussion), Reinhard Karwatky (Bass), Gerd 'Bock' Ehrmann (Saxophon), Harry Krämer (Gitarres) und Ludwig Braum (Schlagzeug) an. Die Musiker kannten sich bereits aus verschiedenen Bandprojekten, Jam Sessions, Jazz-Workshops und Studioaufnahmen. Reinhard Karwatky studierte in dieser Zeit klassische Musik an der Hochschule für Musik und darstellende Kunst in Mannheim, Dr. Hoch’s Konservatorium - Musikakademie Frankfurt und an der Akademie für Tonkunst Darmstadt (Kontrabass, Trompete, Klavier, Kontrapunkt, Komposition). Ausserdem spielte er Gitarre, Violoncello, Sarangi, Sitar, Rebec und Synthesizer. Neben seiner Vorliebe für klassische Musik interessierte er sich auch für zeitgenössische und elektronische Musik. Während dieser Zeit fokussierte er zunehmend seine Privatstudien in Ethnomusikologie, Weltreligion und Methaphysik. Intensive Studien brachten ihn zur östlichen Philosophie, alten Weisheitsreligionen und zur Esoterik - der Geheimlehre - 'Das Buch des Dzyan': Madame Blavatsky’s berühmtes Werk beruhend auf Zitaten aus dem Buch 'Dzyan', die ihr angeblich in Briefen und Träumen von tibetanischen Mystikern offenbart wurden, das heilige Buch Zentralasiens, in dem die göttlichen Mysterien des Universums und die Reise der Pilger-Seele durch die 'Zeitalter der Menschheit' beschrieben sind. Dzyan ist die Lautumschrift des Sanskritwortes 'dhyana', das geistige Stabilität, Weisheit und göttliches Wissen bedeutet. 

Jochen Leuschner war ebenso in die Geheimlehre von Blavatsky’s Grand-Livre der esoterischen und okkulten Welt eingetaucht und tief von deren grundlegendem Werk 'Das Buch des Dzyan' beeindruckt. Im November 1971 konnte Karwatky für Dzyan mit dem Plattenlabel Aronda einen exklusiven Schallplattenvertrag abschliessen. Die Aufnahmen und Abmischung für das gleichnamige Debütalbum fanden im Februar und März 1972 statt. Schon im April wurde das Album mit einem eindrucksvollen, zur Musik stimmigen Cover veröffentlicht. Dieses Debütalbum ist auch aus heutiger Sicht ziemlich einzigartig. Auf Jazz Grooves basierende Ausflüge in Space Rock Improvisationen, veredelt mit fremd klingenden elektronisch-akustischen Klängen, geschickt vermischten Elementen verschiedener Stile von zappaesken Jazzeinflüssen aus der Zeit von dessen "Hot Rats" bis zu den frühen King Crimson-Alben prägten das Album ebenso wie Fusion-Rock à la Nucleus, Soft Machine, Magma und sogar Van der Graaf Generator ähnlichem Progressive Rock. Diese sehr vielseitige Underground-Musik reicherten Dzyan noch zusätzlich an mit ethnischen und kosmischen Elementen, eingebettet in fremdartig klingende Songs. Die Kompositionen zeigten eindrucksvoll die technischen Fähigkeiten der Musiker, ausserdem einen grossartigen, einen weiten Tonumfang umfassenden Gesang, der auch mehrstimmig arrangiert war.

"The Bud Awakes" klang dabei betont gesangslastig und war ein schönes Beispiel für das exzellente Harmonieverständnis der Band. Der Ethno Psychedelik-Popsong "The Wisdom" erklang in einem fast gotisch anmutenden und feierlichen Ambiente, mit gregorianischen Melodiestrukturen und modalen orthodoxen Texturen, unterlegt von einer erfindungsreichen, unregelmässigen Jazz Rock-Phrasierung und endete mit einem hypnotischen, mantragleichen Thema. Das anschliessende, recht jazzige "Fohat’s Work" wies Zeuhl-Elemente der frühen Magma auf, besonders beim Gesang. "Hymn" präsentierte eine fast schon avantgardistisch klingende Melodie, interpretiert mit Solo Bass-Violine, bizarren und bisweilen schräg klingenden elektronischen Sounds, und endete in einem echten Wohlfühl-Klang. Der "Dragonsong" führte die Band in einen progressiven Jazz Rock, treibend und hypnotisch, unterlegt mit funkigen Untertönen. "Things We’re Looking For" dagegen war eine ruhige, sehr gefühlvolle Ballade mit einer vertrakten Harmonik, unorthodoxen Melodielinien und sehr emotionalem Gesang, der hier exzellent unterstützt wurde durch E-Piano und einem gestrichenen Kontrabass. Das Album endete mit dem rockenden "Back To Earth", geprägt von einem sehr dominanten Bass Riff und einer überzeugenden Gitarrenarbeit: Das beeindruckende Ende einer höchst abwechslungsreichen und sehr aussergewöhnlichen musikalischen Reise. Als das Debütalbum im April 1972 erschien, hatten der Gitarrist Harry Krämer und der Schlagzeuger Ludwig Braum die Band bereits verlassen.

Krämer studierte klassische Gitarre am Konservatorium der Musikakademie Frankfurt. Er betätigte sich danach als Gitarrenlehrer. Braum schloss sein Studium der klassischen Musik mit dem Staatsexamen als Orchestermusiker und dem Masterdiplom für Schlagzeug und Perkussion an der Akademie für Tonkunst Darmstadt ab. Gleichzeitig wurde er festes Mitglied im Staatsorchester der Rheinischen Philharmonie Koblenz. Karwatky rekrutierte als neuen Gitarristen Eddy Marron, der zuvor beim Jochen Brauer Sextett und der Gruppe Vita Nova mitgewirkt hatte und ein klassisch ausgebildeter Gitarrist mit Studium der Konzertgitarre an der Staatlichen Hochschule für Musik Heidelberg-Mannheim war und den in Darmstadt geborenen und lebenden Schlagzeuger Lothar Scharf, der in Volker Kriegel's Trio und als Solo-Pauker bei den Berliner Symphonikern gespielt hatte. Er studierte klassische Perkussion an der Akademie für Tonkunst Darmstadt und an der Staatlichen Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Berlin. Er kam in die Band Dzyan als Ersatz für Krämer und Braum. Damit war die Gruppe wieder komplett. In der neuen Formation absolvierten Dzyan in den anschliessenden Monaten eine Reihe von Konzerten. Es waren die ersten Live-Auftritte von Dzyan überhaupt. 

Der Südwestfunk lud die Gruppe im Oktober 1972 zu Aufnahmen in das sendereigene Studio U1 in Baden-Baden ein. Im November 1972 verliessen jedoch der Sänger Jochen Leuschner und der Saxophonist Gerd 'Bock' Ehrmann die Band. Gitarrist Marron übernahm nun auch den Gesang und Dzyan spielten als Trio weiter. Auch in dieser Besetzung wurden mehrere Live-Auftritte gespielt. Jochen Leuschner gründete nach seinem Ausstieg, nur wenige Monate später, mit einigen Darmstädter Musikern die Rockformation Hardcake Special. Die Gruppe veröffentlichte 1974 ein gleichnamiges Album auf dem Brain-Label von Metronome Records, produziert von Frank Dostal. Im gleichen Jahr begann Leuschner seine Tätigkeit beim Plattenlabel CBS in Frankfurt. Nach verschiedenen Positionen innerhalb des Unternehmens wurde Leuschner 1984 mit 35 Jahren der damals jüngste Geschäftsführer des weltweiten Musikunternehmens. Er führte die deutsche Filiale erfolgreich insgesamt 17 Jahre lang. Ende 2001 verliess er das Unternehmen auf eigenen Wunsch. Gerd Ehrmann spielte nach seinem Weggang von Dzyan in erster Linie akustischen Jazz, mit Jürgen Wuchner, Wolfgang Wüsteney, Michel Eicken und einigen weiteren Musikern. Ab Mitte der 70er Jahre war er als Sozialarbeiter in Frankfurt tätig. Der Schlagzeuger Lothar Scharf verliess die Band im März 1973 und stieg bei der Formation Virgo ein. Er wurde ersetzt von Peter Giger, der vom legendären Albert Mangelsdorff Quintett kam. Ab Mai 1973 spielte das neue Dzyan Trio in der Besetzung Marron, Karwatky und Giger. Im Frühsommer 1973 machte Karwatky die Bekanntschaft von Peter Hauke, dem berühmt berüchtigten Produzenten und Gründer des Labels Bacillus Records. Nachdem sich beide über einen Schallplattenvertrag geeinigt hatten, unterzeichneten Dzyan im Juni 1973 einen exklusiven Vertrag mit Bellaphon für das legendäre Bacillus-Label. Ende August nahm die Band ihr zweites Album "Time Machine" im legendären Dierks-Studio in Köln/Stommeln auf, produziert von Peter Hauke, aufgenommen und gemischt von Dieter Dierks. Veröffentlicht wurde das Album im November auf Bacillus Records. "Time Machine" mit seinem psychedelischen Cover, das Helmut Wenske für das Album designete, war im Vergleich zum Debütalbum ein völlig neu und anders klingendes Werk. 

Der Sound der Gruppe bewegte sich zwar immer noch im Jazzrock, öffnete sich aber mehr in Richtung experimentellem Fusion und Free Rock. Als Trio entwickelte sich Dzyan vom Progressive Rock mit Gesang des ersten Albums jetzt in ethnische und jazzige Bereiche mit mehr Raum für abgedrehte exotische Improvisationen, zu einer ungewöhnlichen Form des Acid Rock mit heftigen Ausflügen in Richtung von John McLaughlin's Mahavishnu Orchestra. "Time Machine" war sehr virtuos und zeigte die Musiker mit eigener Ästhetik auf höchstem Niveau. Das Album galt später als eines der Meisterwerke des deutschen progressiven Rocks. Im Niemandsland zwischen Jazz und Rock und als Vorläufer des Post-Rocks der 90er Jahre war "Time Machine" seiner Zeit weit voraus. Nach den Aufnahmen zur LP absolvierte die Band eine Reihe von Auftritten in Deutschland und den angrenzenden Nachbarländern. In den USA wurde das Album "Time Machine" im April 1974 auf dem Cosmic Label veröffentlicht. Anschliessend verliess Schlagzeuger Giger für mehrere Monate die Band, um als Sessionmusiker für das Jazzlabel ECM zu arbeiten und eine Tour mit dem Bassisten Eberhard Weber zu absolvieren. Während seiner Abwesenheit wurde er kurzzeitig von Marc Hellmann (ehemals Dave Pike Set) vertreten. Zwischenzeitlich hatten Gitarrist Marron und Bassist Karwatky ihre musikalische Bandbreite und Ausdrucksformen mit der Verwendung verschiedenster Akustikinstrumente und ihrem Interesse für ethnische und experimentelle Musik weiterentwickelt. Im Hinblick auf die Veröffentlichung eines dritten Albums hatten Produzent Hauke und Mastermind Karwatky den legendären Surrealisten der 70er Jahre Helmut Wenske ('Paintings from Innerspace') auserwählt, auch für das kommende dritte Album "Electric Silence" das Cover zu entwerfen, was sich als Glücksgriff erwies.

Die Aufnahmen fanden im Oktober 1974 erneut im Dierks Studio statt. Auch "Electric Silence" wurde auf Bacillus Records veröffentlicht. "Electric Silence" wurde insbesondere bekannt und berühmt für seine von ethnischen Elementen geprägte aussergewöhnliche Musik und sein extrem psychedelisches und surrealistisches Cover. Dzyan perfektionierten ihre Musik noch mehr in Richtung Improvisation, elektronische Soundexperimente, polyrhythmisch treibende Grooves und raffinierte exotische Klänge und katapultierten die Band in einen faszinierenden mystischen Sound-Kosmos. "Electric Silence" hob ab in überirdische Klangwelten von unglaublicher Schönheit und Eigenart, eintauchend in die ursprüngliche Musik Asiens, zu den mythischen Quellen in Sphären des archaischen Ursprungs, wurde zu einem einzigartigen rituellen Trip in sagenumwobene immaterielle Welten. Die Multi-Instrumentalisten Marron und Karwatky experimentierten auf Sitar, Saz, Tambura, Mellotron, Synthesizern, Bass-Violine und einem geheimnisumwitterten Instrument namens Super-String, vermischt in einem extremen Schmelztiegel von Stilen, Ideen und fruchtbaren Phantasien, während Giger, hoch konzentriert und inspiriert, mit seinem virtuosen Schlagzeugspiel für den Zusammenhalt sorgte. Von dem geheimnisvollen "Kahli" über das mehr funkig angehauchte "For Earthly Thinking" bis zum heftigen "The Road Not Taken", lieferten Dzyan eines der besten und einzigartigsten Alben des Krautrocks ab. 

"Electric Silence" stand letztlich für sich selbst: Abenteuerliche Rhythmen und einzigartiger Jazz-Prog im Grenzbereich des experimentellen Rocks, ein weiteres Meisterwerk. Das Album wurde in den USA auf dem zwischenzeitlich eingestellten Label Passport Records veröffentlicht. Ende 1974 entschloss sich Reinhard Karwatky jedoch als letztes verbliebenes Original-Bandmitglied, als der Gründer und Namens-Inhaber von Dzyan, die Gruppe zu verlassen, womit deren offizielles Ende dokumentiert wurde. Mit dem Bassisten Günter Lenz spielten Marron und Giger als Trio Giger-Lenz-Marron weiter. Das Fusion-Trio veröffentlichte zwei Alben auf Gigers Nagara-Label ("Beyond" 1977 und "Where The Hammer Hangs" 1978). Ihre Musik klang wie eine jazzigere Version von Dzyan, allerdings ohne deren Experimentierfreude und elektronischen Sounds. Reinhard Karwatky komponierte die erste deutsche Jazz Rock Symphonie "Resurrection", welche im Jahre 1975 im Staatstheater Darmstadt uraufgeführt wurde. Ausserdem "Ode To Africa", die sogenannte '1st World Music Symphony', uraufgeführt 1976 ebenfalls im Staatstheater Darmstadt mit Peter Giger und Christoph Haberer. Weitere Werke seines Schaffens waren "Liturgical Colours" für symphonische Streicher und Kontrabass solo, die "Homage To Mahatma Gandhi" für Symphonie Orchester und Chor, sowie zahlreiche weitere Symphonik-Projekte. Reinhard Karwatky arbeitete auch als Musikproduzent, Toningenieur, Komponist und Arrangeur.

YES - Progeny: Seven Shows From Seventy-Two

(Rhino Records 081227956417, 2015 / Aufnahmen von 1972)

"Progeny" ist eine Nabelschau der besonderen Art: Es ist die auf insgesamt 14 CDs verewigte komplette Präsentation aller sieben Auftritte der Gruppe Yes im Jahre 1972 in den Vereinigten Staaten, die im Jahr darauf in ihrer komprimierten Weise zur grandiosen Dreifach-LP "Yessongs" führte, jenem legendären Konzertalbum, das bis heute zu den besten Live-Momenten des Progressiven Rock überhaupt zählt. Ich hatte mir schon überlegt, ob ich diese Box überhaupt zu meinen alternativen Plattentipps hinzufügen sollte, aber es ist mir letztlich ein Bedürfnis, allen Yes-Fans und solchen, die es noch immer werden möchten, diese einmalige Kollektion von sieben Auftritten einer der grossartigsten und künstlerisch unbestreitbar herausragendsten aller Rockbands zu empfehlen, denn die nicht ganz billige Investition lohnt sich in jedem Fall, und sei es nur schon wegen der Authentizität, denn hier präsentierte sich die Band an sieben Abenden in allerbester Spiellaune und die jeweils gespielten Titel wirken in sich wesentlich geschlossener, als auf der komprimierten späteren "Yessongs", die aus Titeln aller sieben Auftritte zusammengeschustert worden war.

Für alle Yes-Fans und viele Geniesser von Live-Alben gilt Yessongs" als das progressive Mass aller Dinge: Über eine Million Exemplare des spektakulären Live-Albums, das mit einem der eindrucksvollsten Roger Dean-Artworks aufwartete, wurden innerhalb kurzer Zeit verkauft. Nach ihrem legendären, fünften Studioalbum "Close To The Edge" befand sich die Gruppe in einem kreativen Höhenrausch, der während der 1972er Welttournee wie ein Vulkan zu einem Ausbruch drängte. Fast alle Stationen der Tour waren ausverkauft und die Hallen mit Fans bis zum letzten Platz gefüllt. Erst im Jahre 2014 entdeckte die Band einen längst vergessenen Schatz: Sieben vollständige Konzerte aus den Wochen, die den Gigs der Aufnahmen von "Yessongs" vorangingen. Mit allerneuester Audio-Technologie ging man nun daran, die Original-Bänder mit den Aufnahmen in bester Qualität zu restaurieren und brachte schier unglaubliche Klangdetails zutage, die einen unmittelbaren Sound schufen, der die Zuhörer direkt in die erste Reihe katapultiert. 

"Progeny: Seven Shows From Seventy-Two" eröffnet jeden Ton aller sieben Shows auf insgesamt 14 CDs, also jeweils eine Doppel-CD pro Auftritt. Die Aufnahmen entstanden im Herbst 1972, als die Band von Kanada nach North Carolina und dann nach Georgia und Tennessee reiste, bevor sie am 20. November 1972 in Nassau Coliseum in New York spielte. Die schön aufgemachte Box kommt im Design einer Flip Top Box und enthält ein speziell entworfenes neues Artwork von Roger Dean, der schon damals für die phantastischen Coverdesigns nicht nur für die Gruppe Yes zuständig war. Neu auf dieser Tour war der Schlagzeuger Alan White, der bis heute zum Yes-Line Up gehört und seinerzeit das Gründungsmitglied Bill Bruford ersetzte, der nach den Aufnahmen zu "Close To The Edge" zur Gruppe King Crimson wechselte. Unglaublich aber wahr: White blieben damals ganze drei Tage, um das gesamte Repertoire der Live-Shows zu lernen, bevor er mit Jon Anderson (Gesang), Steve Howe (Gitarre), Chris Squire (Bass) und Rick Wakeman (Keyboards) auf die Bühne ging. Die enorm kraftvollen Aufnahmen zeigen, wie schnell das neue Line-Up musikalisch zusammenfand und eine Einheit formte; hervorragend herauszuhören etwa auf Titeln wie "Roundabout" oder komplexen Suiten wie "And You And I". 

Progeny: Sieben Shows von 72 bietet wie der Name schon sagt, sieben Yes-Shows aus der äusserst kreativen Zeit von 1972. Die Box der Konzerte der Nordamerika-Tour sind eine ideale Ergänzung zu den bisherigen offiziellen Veröffentlichungen "Yessongs" und "Yesshows". Der Unterschied zu den bisherigen Live-Platten aus jener Aera: Der Sound ist wesentlich besser und stellt die bisherigen Platten klangtechnisch weit in den Schatten. Wer Yes mag, der sollte sich dieser Box unbedingt annehmen. Das Jahr 1972 bedeutete für Yes Kreativität pur und absolute Spielfreude und nicht wie die spätere Yes-Phase Popmusik auf hohem Niveau. Der Zuhörer von "Progeny" kann eindrucksvoll miterleben, wie die Musiker an ihren Stücken von Show zu Show wuchsen und welche Schwerpunkte sie jedes Mal legten. Mal durfte der Gitarrist Steve Howe den Ton angeben, ein andermal der Keyboarder Rick Wakeman. Die Gruppe lebte, sie variierte ihr Material, wechselte aus und probierte neu. Da die Konzerte als Folge veröffentlicht sind, kann der Zuhörer miterleben, wie sich die Band veränderte und das Publikum immer wieder aufs Neue mitreissen konnte.

Auch schön ist die Entwicklung des Covers von Roger Dean. Über die einzelnen CDs hinweg entwickelte er sein Grafik-Konzept. Über Roger Dean muss man nicht mehr viele Worte verlieren; sein Grafikstil hat so manche Platten seit den 70er Jahren entscheidend mitgeprägt. Zu den Aufnahmen, die man zufällig in einem Karton entdeckt hat: Dieser Schatz wurde gehoben und den Fans zur Verfügung gestellt. Dazu wurde analoges Equipement verwendet, nicht heutige PC-Technik. Der Klang von "Progeny: Seven Shows from Seventy-Two" wirkt äusserst warm, rein und eben wie damals. Schön zu lesen ist auch das 40-seitige Booklet mit einem Essay von Brian Kehew  Sieben Shows von einer Tour. Wird das nicht öde ? Mitnichten! Alleine der Titel "Yours Is No Disgrace" war jeden Abend völlig anders. Neben dem gejammten Intro spielte Steve Howe sein endlos langes, aber spannendes Solo jeden Abend deutlich anders. Das ist noch heute bei jeder Yes-Show etwas Besonderes. Rick Wakeman variierte die "Excerpts From Six Wives Of Henry VIII" jede Nacht gründlich. Die Ansagen und Kommentare der Band waren von Auftritt zu Auftritt sehr individuell. Selbst das Akustik-Set von Steve Howe geriet, obwohl er die gleichen Titel jeden Abend spielte, sehr spontan umarrangiert und oft durch andere Teile verfeinert. Auch bei den verbliebenen Stücken war irgendwie jeden Abend ein kleines Teil anders gespielt.

"Yessongs" ist seit meiner Jugend mein absolutes Lieblings Live-Album. Ich bin froh, nun diese alternativen Mitschnitte aus dieser Zeit hören und entdecken zu können, auch, um hautnah miterleben zu können, wieviel Energie in diesen frühen Tagen in dieser unglaublichen Band steckte. Der Sound der Aufnahmen ist tatsächlich rauher, aber eben auch besser und klarer als bei "Yessongs". Die Geschichte dieser Aufnahmen setzte sich erst 2005 fort. In der Zwischenzeit galten die Bänder dieser sieben Konzerte offiziell als verschollen. Für die Live-Compilation "The Word Is Live" wurden damals, im Jahre 2005, verschiedene Archive durchstöbert, darunter vor allem Steve Howe's Privatarchiv. Für eine genaue Durchsicht der Warner Brothers Archive in New York war das "The Word Is Live"-Budget nicht gross genug, aber man entdeckte immerhin einige Schachteln mit der Aufschrift 'Yes'. Als dann Jahre später Steven Wilson begann, die Originalalben von Yes zu remixen, ging man auf die Suche nach Bonusmaterial. Dabei fand man in den Schachteln in den Archiven die Multitrack-Bänder von acht Konzerten der USA-Tour aus dem Herbst 1972. Von diesen Konzerten war eines wegen starken Feedbacks unbrauchbar, das vom 25. September in Hartford, Connecticut.

Und so gelangten die folgenden sieben Konzerte in der "Progeny"-Box ans Licht der Öffentlichkeit:

31. Oktober 1972: Maple Leaf Gardens, Toronto, Ontario, Canada

1. November 1972: Ottawa Civic Centre, Ottawa, Ontario, Canada

11. November 1972: Duke University, Durham, North Carolina, USA

12. November 1972: Greensboro Coliseum, Greensboro, North Carolina, USA

14. November 1972: University Of Georgia, Athens, Georgia, USA

15. November 1972: Knoxville Civic Coliseum, Knoxville, Tennessee, USA

20. November 1972: Nassau Veterans Memorial Coliseum, Uniondale, New York, USA

Bei der Arbeit an der "Progeny"-Box stiess man jedoch bald auf Probleme: Schon beim Originalmix von "Yessongs" hatte Eddy Offord mit der Aufzeichnungsqualität zu kämpfen gehabt. Diese hatte erheblich darunter gelitten, dass jemand die Einstellungen des Dolby-Rauschunterdrückungsystems falsch gesetzt hatte. Obwohl Offord aus den Aufnahmen herausgeholt hatte, was menschenmöglich war, litt "Yessongs" unter dem mässigen, sehr mittigen Klang. Beim Abmischen der Konzertaufnahmen für die "Progeny"-Box stand der Produzent Brian Kehew nun vor dem gleichen Problem wie damals Offord. Zudem hatte er mit uraltem Material zu tun, das jederzeit auseinanderfallen konnte. So wurden die Bänder zunächst einmal in mühevoller Kleinarbeit restauriert. Bei der Korrektur der falschen Rauschunterdrückungseinstellungen und der Abmischung orientierte er sich dann an der Philosophie Steven Wilsons: keine Korrekturen, keine Neuinterpretation, und schon gar keine Overdubs. Man hört das, was damals aufgenommen wurde. So wurde die Konzerterfahrung vom Herbst 1972 originalgetreu in die Gegenwart transportiert. Im Vergleich zu "Yessongs" nahm Kehew zum Beispiel die Instrumente hörbar weit auseinander, um dem damaligen Konzerterlebnis gerecht zu werden: Links aussen steht Steve Howe, rechts Rick Wakeman. Alan White und Jon Anderson hört man in der Mitte, und Chris Squire zwischen Wakeman und White.

Yes lieferten zwar jeden Abend das gleiche Set ab, und als ausgewiesene Perfektionisten spielten sie es so nah an der Studioaufnahme wie möglich, dennoch variierte die Band ihre Stücke von Abend zu Abend leicht. Vor allem Wakeman und Howe spielten sehr frei. Wakemans "Excerpts" waren mal länger, mal kürzer, als man es von "Yessongs" her kannte, immer wieder änderte er Dauer und Abfolge der einzelnen Ausschnitte. Howe ist ein Derwisch an den Saiten, und solierte wie ein Irrer, mal mit mehr, mal mit weniger Erfolg. Die Authentizität dieser Aufnahmen bringt es mit sich, dass auch der eine oder andere Fehler zu hören ist. So verhaut sich Howe bei "Close To The Edge" in Greensboro, in Durham sind es beim gleichen Stück Wakeman und Squire. Dennoch sind vor allem die freieren Passagen besonders interessant. So ist "Yours Is No Disgrace" jeden Abend das Vehikel für lange Soli. Daneben gibt es, oft direkt davor, kleine Band-Jams. A propos: Wer sich für Fehler interessiert, der sollte sich die Durham-Show unbedingt genau anhören. Immer wieder ist zu lesen, wie unzuverlässig das Mellotron damals war. Ständig verstimmte sich das sensible Instrument. Wer mal hören will, wie ein verstimmtes Mellotron klingt, der kann das auf der ersten Durham-CD fast durchgängig geniessen. Und in Toronto empfing Rick Wakemans Set sogar das lokale Radioprogramm.

Das Besondere an diesen Konzerten ist vor allem die krasse Power, die die Band damals herüberbrachte. Um nur ein Beispiel zu nennen: "Close To The Edge" hat, um Minute 15 herum, extrem dissonante Passagen, die auf der Studioaufnahme nicht annähernd so intensiv wirken. Auch das Stereobild der "Progeny"-Konzerte macht die Box zu einer lohnenden Anschaffung: Durch die originalgetreu breite Anordnung der Musiker wirken die Aufnahmen äusserst authentisch. Aufgrund der grossen Transparenz werden viele Details hörbar. Dem einen oder anderen mag Chris Squire zu leise sein, Fans von Rick Wakeman und Steve Howe dagegen dürften sich darüber freuen, jede einzelne Note ihrer Helden klar und deutlich zu hören. Vor allem Wakeman tritt stärker in den Vordergrund als gewohnt. Der mehrstimmige Gesang ist klar und deutlich, man kann sogar die einzelnen Stimmen auseinanderhalten. Und Alan White ist eine Offenbarung: Der Mann glänzt durch Frische und Energie.

Nun noch zu der Frage nach dem Verhältnis von "Progeny" zu "Yessongs". Gesichert ist, dass die folgenden vier Aufnahmen sowohl auch "Progeny" als auch auf "Yessongs" zu finden sind:

"Roundabout" (1. November, Ottawa)
"Heart Of The Sunrise" (12. November, Greensboro)
"Siberian Khatru" und "Yours Is No Disgrace" (14. November, Athens)

Wer genau hinhört, und Spass an so etwas hat, kann auch versuchen, die anderen Aufnahmen zu identifizieren. So kann man etwa ausmachen, dass Rick Wakeman's Solo-Beitrag auf "Yessongs" vom Konzert in Athens stammt. Den allenthalben gezogenen Vergleich zwischen "Progeny" und "Yessongs" finde ich dennoch vollkommen unsinnig. Ersteres ist eine ungeschminkte Dokumentation von sieben Konzerten einer einzigen Tournee, während letzteres eine Compilation von Aufnahmen ist, die an verschiedenen Abenden zweier verschiedener Tourneen entstanden sind, und die zudem hinterher nachbearbeitet wurden. So nahm Offord einige Overdubs vor: Howe, Squire und Wakeman korrigierten einige Stellen nachträglich im Studio: zum Beispiel ist Steve Howe's Solo in "Yours Is No Disgrace" eine Studioaufnahme und es wurden Ansagen und Publikumsgeräusche gelöscht. "Perpetual Change" und "Long Distance Runaround" / "The Fish" stammen von der vorausgehenden "Fragile"-Tour, das ist auch der Grund dafür, dass Bill Bruford auf "Yessongs" zu hören ist. Die "Close To The Edge"-Stücke hat er nie live gespielt.

Gleichermassen unsinnig ist die Frage, ob man sieben Konzerte mit der gleichen Setliste braucht. Nun, simpler kann eine Antwort nicht sein: "Progeny" enthält sieben Konzerte mit der gleichen Setliste, und wer sieben Konzerte mit der gleichen Setliste haben möchte, der soll sich die Box zulegen. Wer nicht, der nicht. Wer sieben Yes-Konzerte mit der gleichen Setliste interessant findet, aber Angst hat, dass sie bei ihm im Schrank zum Staubfänger werden könnten, der soll sie sich halt bei einem Freund, der sie hat, mal anhören. Und wer sieben Yes-Konzerte mit der gleichen Setliste haben möchte, der soll sich die Box zulegen. Sie ist die Anschaffung allemal wert, nicht zuletzt auch durch das ausführliche Booklet und das durchgängig neue Artwork von Roger Dean, das die Geschichte des zerfallenden Planeten, die auf den Covers von "Fragile", "Close To The Edge" und "Yessongs" erzählt wurde, noch weiter ausdifferenziert. Ich jedenfalls bin begeistert von "Progeny" und hoffe, dass noch weitere Veröffentlichungen dieser Art folgen. Die brettharten Yes-Fans dürsten vor allem nach der "Tales From Topographic Oceans"-Tour, der "Solo-Album"-Tour, der "Relayer"-Tour und der "Drama"-Tour. Es gibt also für Brian Kehew noch einiges zu tun. Yes, das ist - zumindest für mich - so etwas wie eine lebenslange Liebesbeziehung. Da kann ich alles sein, nur nicht objektiv.