Oct 18, 2019


SCREAMIN' JAY HAWKINS - What That Is! (Philips Records PHS 600-319, 1969)

Jalacy Hawkins, besser bekannt unter dem Namen Screamin' Jay Hawkins, war ein amerikanischer Blues-Sänger, der für seine ausgefallenen Auftritte und Songs wie "I Put A Spell On You" und "Constipation Blues" bekannt war. Hawkins wollte ursprünglich Opernsänger werden und gab daher Paul Robeson und Enrico Caruso als frühe Einflüsse an. Allerdings waren seine Bemühungen in diese Richtung nicht von Erfolg gekrönt, und er begann seine Karriere als Bluessänger und Pianist. Während des Zweiten Weltkriegs diente er in der US Army im Pazifischen Ozean. Hauptsächlich als Entertainer, obwohl er behauptete, Kriegsgefangener gewesen zu sein. Hawkins war ein ausgezeichneter Boxer. Im Jahre 1949 hielt er den Mittelgewichtstitel von Alaska.

1951 tat er sich für eine Weile mit dem Gitarristen Tiny Grimes zusammen und nahm einige Songs mit ihm für Atlantic Records auf. Als er begann, als Solokünstler aufzutreten, legte er sich eine ausgefallene Garderobe zu, welche etwa Leopardenfelle, rotes Leder und breitkrempige Hüte umfasste. Legendär wurden jene Auftritte, bei denen er sich in einem brennenden Sarg auf die Bühne tragen liess. Ebenso legendär waren seine übrigen Requisiten und Bühneneffekte geworden, die mit der Symbolik des Voodoo spielten und als Vorlage für mehrere Generationen von späteren Schock-Rockern dienten, wie zum Beispiel ein Gehstock, (Plastik-)Schlangen, aber auch 'Henry', ein rauchender und sprechender Totenschädel, sowie zahlreiche wegweisende Pyro-Effekte.

Seine erfolgreichste Veröffentlichung war der Titel "I Put A Spell On You". Der Song wurde in die Rock And Roll Hall of Fame’s "500 Songs that Shaped Rock and Roll" aufgenommen. Hawkins spielte das von ihm selbst geschriebene Stück mehrfach ein. Die erste Aufnahme entstand Ende 1955 für Grand Records, sie verkaufte sich allerdings nur mässig. Im Laufe des Jahres 1956 wechselte Hawkins zur Plattenfirma OKeh Records, einem Tochterunternehmen von Columbia Records. In seiner ersten OKeh-Session am 12. September 1956, entstand eine weitere Version des Songs, die schliesslich weltbekannt wurde. Hawkins berichtete später, er und seine Musiker seien bei der Aufnahme vollständig betrunken gewesen. Durch das Schreien, Rufen und Grunzen (Hawkins) der Betrunkenen sei die Aufnahme letztlich erst etwas Besonderes geworden. Der Song wurde von zahlreichen namhaften Künstlern gecovert, darunter The Animals, Creedence Clearwater Revival, Nina Simone, Them, The Who, Joe Cocker, Marilyn Manson, Katie Melua, Annie Lennox sowie von Shane MacGowan and Friends (unter anderem Nick Cave, Bobby Gillespie, Mick Jones, Johnny Depp, Glen Matlock und Chrissie Hynde) als Benefiz-Download-Single im März 2010 für die Opfer des Erdbebens in Haiti. Eine Neuaufnahme wurde 1991 auf dem Sampler "Back To Blues II" veröffentlicht.

Später distanzierte sich Hawkins von diesem Song. Er habe ein Monster geschaffen, dessen Leben er nun führen müsse. Seine Versuche, weniger exzentrische Stücke zu produzieren, waren wenig erfolgreich. Das Publikum und auch die Veranstalter bestanden üblicherweise darauf, dass Hawkins seinen inzwischen typischen Stil auf die Bühne brachte. Hawkins hatte etliche weitere Hits wie etwa den komplett verrückten "Constipation Blues", der lautstarke Verdauungsprobleme zum Thema hatte, "Orange Colored Sky" und "Feast of the Mau Mau", welches von den Geschichten über den Kannibalismus der kenianischen Mau-Mau-Rebellen profitierte. Allerdings wurde keines dieser Stücke so erfolgreich wie "I Put A Spell On You".

Ende der 50er und 60er Jahre hielt sich Hawkins für längere Zeit im selbstgewählten Exil auf Hawaii auf. Während der 60er und 70er Jahre nahm er zwar auch weiterhin Platten auf, tourte aber vorwiegend durch Europa, wo er sehr populär war. In den USA blieb der Erfolg aus, bis der Regisseur Jim Jarmusch "I Put A Spell On You" in Soundtrack und Handlung des Filmes 'Stranger Than Paradise' (1983) unterbrachte und Hawkins später eine Rolle in seinem Film 'Mystery Train' gab, wo dieser einen in einen auffallend roten Anzug gewandeten lakonischen Nachtportier in einem schäbigen Motel in Memphis spielte, der ironischerweise dem Portiersjungen riet, sich neu einzukleiden: "You look like a damned chimpanzee. The clothes make the man!" Diese Rolle führte zu einigen weiteren Filmauftritten, wie etwa in Álex de la Iglesias' Film 'Perdita Durango', wo er Adolfo, den Gehilfen des Santero-Priesters Dolorosa spielte und worin dessen Stück "I'm Lonely" die Schlussszene des Streifens untermalte. Einen weiteren Auftritt bekam er in Bill Dukes' Adaption von Chester Himes' 'A Rage In Harlem'.

Seine 1957 veröffentlichte Single "Frenzy" war im Jahre 1996 auf dem Sampler "Songs In The Key Of X: Music From And Inspired By The X-Files" enthalten. Dieses Stück unterlegte die Folge 'Humbug' aus der 2. Staffel von Akte X. Im Jahre 1991 kam das Album "Black Music For White People" heraus. Es enthielt ein Cover des von Tom Waits geschriebenen Songs "Heart Attack And Vine". Hawkins’ Version wurde im Laufe des Jahres in einer europäischen Levi's-Werbung benutzt, doch Waits hatte niemals eine Erlaubnis zur Nutzung erteilt und es kam zu einem Rechtsstreit. Das Stück "Ice Cream Man", welches der Blues-Gitarrist John Brim komponiert hatte, wurde ausserdem zuvor schon von Tom Waits (1973) und Van Halen (1978) gecovert. Während dieser Zeit tourte Hawkins auch mit The Clash und Nick Cave und wurde nicht nur bei Blues-Festivals zu einer festen Grösse, sondern trat auch des Öfteren bei Filmfestivals auf.

Am 12. Februar 2000 starb Hawkins und hinterliess eine Vielzahl von Kindern, die von vielen verschiedenen Frauen stammten. Etwa 55 Kinder sind bekannt; einige Quellen berichten von bis zu 75 Kindern. Zu seinen Freundinnen gehörten unter anderem Bea Arthur und Claire Roca.







Oct 17, 2019


SPOCK'S BEARD - Snow Live (Radiant Records 3984-15536-1, 2017)

2002 brachte die Progressive Rockband Spock’s Beard ein Album heraus, das vielen als Meisterwerk der US-amerikanischen Musiker galt: "Snow", ein musikalisch ausladendes, fast zweistündiges Konzeptalbum über einen Albino-Jungen mit übersinnlichen Kräften, der eine komplizierte Metamorphose vom Aussenseiter zum charismatischen Wunderheiler und Messias und wieder zurück zum Paria durchläuft. Nicht zu Unrecht wird das Opus, wenn es um die Würdigung von Konzeptalben geht, im gleichen Atemzug mit "Tommy" der britischen Rockband The Who und "The Lamb Lies Down on Broadway" von Genesis genannt. Mit "Snow" erreichten Spock’s Beard jedenfalls den Höhepunkt ihrer Karriere und feierten Erfolge, von denen sie zuvor nur geträumt hatten.

Dann verliess Neal Morse nach einem religiösen Erweckungserlebnis die Band, um eine Solokarriere mit christlichen Texten zu verfolgen. Morse war Hauptkomponist, Leadsänger, Keyboarder, Gitarrist und Gründungsmitglied der Band. Fans und Freunde von Morse waren schockiert, wie aus heiterem Himmel getroffen zeigte sich die Band. Es würde keine Tournee mehr geben, um das neue Album zu promoten, und auch keine offizielle Verabschiedung von den Fans. Ein Ausstieg, der viele an den unvermittelten Fortgang des Genesis-Sängers Peter Gabriel Jahre zuvor erinnerte.

Spock’s Beard haben indessen ohne ihren Frontmann mit grossem Erfolg weitergemacht, und auch Morse hat es nach seinem Ausstieg auf etliche Soloalben gebracht, zudem ist er einer der umtriebigsten Progressive Rock Musiker geworden, agiert mit den Flying Colors, mit Transatlantic und natürlich auch mit der Band unter eigenem Banner, genannt The Neal Morse Band. Dennoch hatten die Musikfans immer auf eine Wiedervereinigung von Spock’s Beard gehofft und auch auf die Gelegenheit gewartet, das Album "Snow" in einer Live-Aufführung mit der kompletten Originalband zu erleben, so wie sie das Album damals eingespielt hatte. Dieser Traum ging 2016 auf dem Morsefest in Nashville in Erfüllung, wo Spock’s Beard in der originalen Besetzung gemeinsam mit den aktuellen Bandmitgliedern das Konzeptalbum "Snow" in voller Länge spielte. Der Mitschnitt dieses absoluten Ausnahmekonzertes wurde am 10. November 2017 unter dem Titel "Snow Live" in verschiedenen Audio- und Bildformaten und Editionen veröffentlicht.

"Snow Live" zeigte eine Band, die in Höchstform spielte und von der man nicht glauben mochte, dass sie anderthalb Jahrzehnte lang nicht zusammengespielt hatte. Alle Musiker agierten mit grosser Geschlossenheit und Souveränität. Die Musik zeigte Progressive Rock von seiner schönsten Seite: üppige Solos auf Keyboards und Hammondorgel, schönen, mehrstimmigen Gesang, eindringliche, intensive Songs, die unter die Haut gingen, filigranes Gitarrenparts, kraftvolle rockige Passagen, entrückte Backing Vocals, wuchtiges Schlagzeugspiel der beiden Drummer und fetzige Bläsersätze. Auch am Klang gab es nichts zu meckern. "Snow Live" überzeugte ohne Abstriche mit einem klar durchgezeichneten, druckvollen Sound, der den Hörer bei Stücken wie "Ouverture" förmlich aus den Lautsprechern ansprang und für wohlige Gänsehaut sorgte.

Egal, ob es um die Abmischung der einzelnen Instrumente oder die vielfältigen Stereo-Effekte ging, hier stimmte eigentlich alles. Noch dazu war das Konzert, welches sehr emotional mit "Made Alive" und bereits genannter "Overture" begann, selber schlicht grossartig, natürlich inklusive des berühmt-berüchtigten Ryo Okomoto Keyboard-Solos an seiner Key-Gitarre sowie sein Vocoder-Gesang auf "Long Time Suffering", und präsentierte eine endlich sich wieder zusammengefundene Band, von der man den Eindruck hatte, sie würde bereits seit Ewigkeiten zusammenspielen und nicht fast 15 Jahre getrennte Wege gegangen sein. Ein ganz besonderes Highlight war aber auch der faszinierende Gesang von Nick D‘Virgilio, der Neal Morse, ebenfalls hervorragend singend, mit seiner hohen, kristallklaren Kopfstimme fast die Show stahl. Alles in allem ein denkwürdiges Konzert, bei dem man zu jeder Minute spürte, wie die Chemie zwischen allen sieben Musikern plus den zwei Bläsern, die eine zusätzliche Konzert-Bereicherung bedeuteten, stimmte. Hier bekam man alles geboten, was das Progressive Rock Live-Herz begehrt.



Oct 16, 2019


ELVIS PRESLEY, CARL PERKINS, JERRY LEE LEWIS, JOHNNY CASH -
Million Dollar Quartet
(State Of The Art Records 81212, 2017 - Originalaufnahmen von 1956)

"Million Dollar Quartet" ist ein Album mit Aufnahmen, die am 4. Dezember 1956 in den Sun Studios gemacht wurden, als der ehemalige Sun-Künstler Elvis Presley mit den Sun-Musikern Carl Perkins, Jerry Lee Lewis und Johnny Cash eine Jamsession veranstaltete. Dass es dazu kam, ist vor allem einigen glücklichen Zufällen und Sam Phillips zu verdanken. Am Anfang der Geschichte stand eine reguläre Aufnahme mit einer ungewöhnlichen Zutat. Denn Sam Phillips, der Mann mit dem Riecher für grosse Talente, hatte eben ein neues entdeckt, mit dessen Hilfe er frischen Wind in den bereits ziemlich erfolgreichen Sun Studio Sound bringen wollte. Jerry Lee Lewis war zu dieser Zeit ein weitgehend unbekannter Klavierspieler, der gerade erst seine erste Single "Crazy Arms" eingespielt hatte. Aber Phillips war überzeugt, dass der junge Musiker vom Land eine grosse Zukunft vor sich hatte. Ausserdem spielte Lewis Klavier, genau das Richtige, um für Abwechslung im typischen Rockabilly Gitarren-Sound zu sorgen.

Also engagierte Phillips Jerry Lee Lewis für die neuesten Aufnahmen von Carl Perkins, "Matchbox Blues" und "Your True Love" im Sun Studio. Angeblich war Lewis, der schon damals ein ziemlicher Dickschädel war, zunächst mässig begeistert von einer solchen Session, aber immerhin war es nicht irgendjemand, sondern Carl Perkins, der seine Dienste suchte. Also begab sich der junge Pianist am 4. Dezember ins Studio, gemeinsam mit Perkins, dessen Brüdern Jay und Clayton und dem Schlagzeuger W.S. 'Fluke' Holland. Am frühen Nachmittag des 4. Dezember 1956 erschien der ehemalige Sun-Künstler Elvis Presley, der bei RCA Records unter Vertrag stand, mit seiner Freundin Marilyn Evans, um seinen alten Kollegen einen Besuch abzustatten. Presley hatte sich mit fünf Nummer 1 Singles und zwei Nummer 1 Alben innerhalb der letzten zwölf Monate zum gefragtesten Rock'n'Roll-Star hochgearbeitet und war vier Monate vorher in der Ed Sullivan Show aufgetreten, die einen Marktanteil von 83 Prozent mit etwa 55 Millionen Zuschauern erreichte.

Während eines Gesprächs mit Sam Phillips hörte Presley im Hintergrund Perkins’ Aufnahmen, die ihm gefielen, und entschied sich spontan, ein wenig mitzuspielen. Philips liess die Aufnahme weiterlaufen und hielt so die Jamsession fest. Kurz darauf gesellte sich Johnny Cash, der bereits einige Hits in den Country-Charts hatte, zu den restlichen Musikern. Laut Cashs Autobiografie soll er sogar als erster der Musiker an diesem Tag im Studio gewesen sein. Sam Phillips nutzte die Gelegenheit und benachrichtigte die regionale Tageszeitung Memphis Press-Scimitar, die unter anderem den renommierten Journalisten Bob Johnson schickte. Am folgenden Tag erschien Johnsons Artikel mit dem Titel "Million Dollar Quartet" und dem Foto, das später die Veröffentlichungen der Aufnahmen zierte.

Auf den meisten Aufnahmen kann man Presley als Leadsänger und Pianisten hören, während die anderen ihn lediglich begleiten. Carl Perkins begnügte sich mit der Leadstimme bei "Keeper of the Key", spielte grösstenteils die Gitarre und sang oft als Hintergrundstimme mit. Clayton Perkins, Jay Perkins und W.S. Holland sind hauptsächlich bei den ersten Songs zu hören, ebenso wie Charles Underwood als Rhythmusgitarrist. Bei einigen Gesangsparts ist zudem Cliff Gleaves zu hören, der mit Presley ins Studio gekommen war. Jerry Lee Lewis singt häufig mit Presley im Duett und übernimmt gegen Ende das Klavierspielen. Johnny Cash ist nicht eindeutig herauszuhören. Laut Bob Johnson soll Cash bei "Blueberry Hill" und "Isle Of Golden Dreams" zu hören sein, was 1972 von Carl Perkins bestätigt wurde, der sagte, man habe mit Cash "Blueberry Hill", "Island Of Golden Dreams", "I Won't Have To Cross The Jordan Alone", "The Old Rugged Cross", "Peace in the Valley", "Tutti Frutti" und "Big Boss Man" gesungen. Von diesen Liedern wurde jedoch nur "Peace in the Valley" auf dem Originalalbum veröffentlicht. In Cash's Autobiografie heisst es zudem, er habe weit vom Mikrophon entfernt gestanden und zudem höher gesungen als sonst, um Presley besser begleiten zu können.

Die Songauswahl der Stars mag ein wenig überraschen. Denn bis auf gelegentliche kurze Ausflüge in Rock’n’Roll-Gefilde, vor allem Chuck Berry Songs, beschränkten sich die Musiker in erster Linie auf Gospel und Country, ihre Wurzeln gewissermassen. So umfasste die Playlist unter anderem auch "Jesus Walked That Lonesome Valley" und "I Shall Not Be Moved", genauso wie "Jingle Bells" und "Don’t Be Cruel". Die meiste Zeit übernahm Elvis die Leadstimme. Am Klavier löste ihn irgendwann Jerry Lee Lewis ab, der mit seiner typischen Offenheit auf Elvis' Kommentar "The wrong man’s been sitting here on this piano" antwortete: "Well, I been wanting to tell you that all along". Wessen Stimme jeweils noch im Hintergrund zu hören ist, darüber streiten sich Musikhistoriker, Journalisten und Zeitgenossen bis heute. So gibt es Aussagen, dass Johnny Cash nur eine Stunde anwesend war und dann fuhr, um Weihnachtseinkäufe zu erledigen, ohne jemals mit auf's Band zu kommen. Andere behaupten, der Countrystar habe bei mindestens 8 Stücken mitgesungen, aber weit vom Mikrofon gestanden. Jerry Lee Lewis dagegen meint, Cash konnte als Baptist die Texte der Gospelsongs nicht - Perkins auch nicht, aber der habe trotzdem einen guten Job gemacht, für einen Baptisten.

Wie auch immer, dass diese Session am 4. Dezember 1956 etwas Besonderes war, war auch den vielen Zeitgenossen klar, die spontan im Sun Studio vorbeikamen, manche davon brachten ihr Instrument mit, andere ihre Kinder. Bob Johnson, der nicht mitbekommen hatte, dass Phillips ein Band mitlaufen liess, schrieb am nächsten Tag: "If Sam Phillips had been on his toes he’d have turned the recorder on when that very unrehearsed but talented bunch got to cutting up. That quartet could sell a million". Damit war der Ausdruck "Million Dollar Quartet" geboren. Veröffentlicht wurden die Aufnahmen übrigens erst in den 80er Jahren das erste Mal. Das Musical "Million Dollar Quartet" erzählt die Geschichte der berühmten Session seit 2007 auf der Bühne nach, mit einigen künstlerischen Freiheiten.

Shelby Singleton, mittlerweile Inhaber der Plattenfirma Sun Records, die viele Sun-Aufnahmen in den 80er Jahren wiederveröffentlichte, war der erste, der Aufnahmen der Jamsession herausbrachte. Das 17 Songs umfassende "Million Dollar Quartet" erschien 1981 in Europa und beinhaltete lediglich Gospel-Aufnahmen. Mit der Entdeckung neuer Aufnahmen stieg das öffentliche Interesse an einer möglichst kompletten Veröffentlichung. So erschien 1987 "The Complete Million Dollar Session", die 1990 von RCA Records in den Vereinigten Staaten als "Elvis Presley - The Million Dollar Quartet" veröffentlicht wurde. 2006 erschien die bislang kompletteste Version zum 50. Jubiläum der Aufnahmen, die zudem die Aufnahmen chronologisch ordnet. Diese enthält sechs zusätzliche Stücke, beziehungsweise zwölf Minuten bisher unveröffentlichtes Material.





THE TEMPTATIONS - Psychedelic Shack (Gordy Records GS947, 1970)

The Temptations sind eine 1960 in Detroit gegründete, mehrfach mit dem Grammy ausgezeichnete afroamerikanische Gesangsband, deren Mitglieder zu den erfolgreichsten und stilbildendsten Soul-Künstlern aller Zeiten gehört. Sie prägten die Erfolgsgeschichte des legendären Plattenlabels Motown Records und waren deren erste Künstler, die einen Grammy gewinnen konnten. Mit den Songs "My Girl" (1965), "I Can’t Get Next to You" (1969), "Just My Imagination (Running Away with Me)" (1971) und insbesondere "Papa Was A Rollin' Stone" (1972) gelangen ihnen vier Nummer 1 Hits in den USA. Zahllose Male wurden die Temptations ausgezeichnet und geehrt, so 1989 mit der Aufnahme in die Rock and Roll Hall of Fame und 2013 für das Lebenswerk bei den Grammys. Auch fast 60 Jahre nach ihrer Gründung ist die Gruppe mit einem Originalmitglied, Otis Williams, noch aktiv.

Gegründet wurden die Temptations 1960 in Detroit (Michigan) als Vokalquintett. Ende 1963 wurde das Gründungsmitglied Elbridge Bryant aus der Gruppe geworfen und durch David Ruffin ersetzt. Mit Hilfe des Produzenten und Songschreibers Smokey Robinson, selbst ein Motown-Star, gelang den Temptations eine Serie von Hits wie "The Way You Do the Things You Do" (1964), "My Girl" (1964/65), "Ain’t Too Proud to Beg", "Beauty Is Only Skin Deep", "(I Know) I’m Losing You" (1966), "You’re My Everything" (1967) und "I Wish It Would Rain" (1968). Zwischen 1965 und 1969 standen die Temptations mit zehn Alben in Folge auf Platz eins der US-amerikanischen Rhythm'n'Blues Charts. Insgesamt erreichten sie dort 17 Mal die Spitze. Bis weit in die 90er Jahre wurden die Temptations als erfolgreichste Rhythm'n'Blues Künstler aller Zeiten geführt.

Berry Gordy, der Gründer von Motown Records, liess einige seiner grössßten Stars ihre Hits in verschiedenen Sprachen für den europäischen Markt aufnehmen. So gibt es Songs auf deutsch, spanisch, französisch und italienisch. Von den Temptations kam 1965 die Single "Mein Girl" (My Girl) mit der Rückseite "Blue Bird" auf deutsch heraus, auf italienisch hiess My Girl "Solamente Lei". Ende er 60er bis Anfang der 70er Jahre machte die Band, deren Stil an den der Gruppe The Drifters erinnerte, einige personelle wie auch stilistische Änderungen durch. 1968 kam für Ruffin Dennis Edwards, und der Produzent Norman Whitfield veränderte zeitgemäss den Sound vom eingängigen Soul Pop zur Mischung aus psychedelischen Funkelementen, Soul Rock und sozialkritisch inspirierten Texten. Mit "I Can’t Get Next To You" (1970), "Just My Imagination (Running Away with Me)" (1971) und "Papa Was A Rollin' Stone" (1972) landeten die Temptations weitere grosse Hits und erreichten den Gipfel ihrer Popularität.

1971 verliessen mit Paul Williams, der sich 1973 das Leben nahm, und Eddie Kendricks zwei der wichtigsten und bekanntesten Mitglieder die Temptations. Während Williams' Solo-Pläne sich vor seinem Tod nicht mehr konkretisierten, gelangen Kendricks einige Erfolge. Die Temptations wiederum setzen ihren Weg bis 1975 und ihrem letzten Nummer 1 Album "A Song For You" konsequent fort. Danach riss die Erfolgsserie ab und im Zuge von neuen populären Stilen wie dem Philly Soul oder der Disco-Welle konnten die Temptations sich nur noch mit mittleren bis kleineren Hits auf Kurs halten. Nach 1975 gelang den Tempations nie wieder der Sprung unter die Top 40 der US-Charts, dafür hatten sie weiter Erfolg in den Rhythm'n'Blues Charts. Mit "Power" (1980), "Treat Her Like A Lady" (1984) und "Lady Soul" (1986) gelangen hier auch in späteren Jahren noch Hits.

Das Gründungsmitglied Otis Williams hat zusammen mit Patricia Romanowski im Jahre 1988 die Geschichte der Temptations verfasst und als Buch herausgegeben. Dieses Buch war auch zehn Jahre später auch die Basis für einen zweiteiligen Film im US-amerikanischen Fernsehen. Im September 2017 feierte ausserdem das Musical 'Aint Too Proud: The Life and Times of The Temptations', basierend auf den Memoiren von Otis Williams, im kalifornischen Berkeley Repertory Theater Premiere. 1999 wurden die Temptations in die Vocal Group Hall of Fame aufgenommen. Der Rolling Stone listete die Temptations auf Rang 68 der 100 grössten Musiker aller Zeiten. Die Gruppe blieb weiterhin live aktiv: Unter der Leitung von Otis Williams, mit Ron Tyson, Terry Weeks, Walter 'Joe' Herndon und Bruce Williamson, gaben die Temptations noch Ende 2007 im Rahmen einer Europatournee sechs Konzerte in Deutschland, bei denen sie gemeinsam mit den Four Tops auftraten.




HASIL ADKINS - Out To Hunch (Norton Records ED-201, 1986)

Eigentlich war Hasil Adkins so, wie man sich sich einen leicht verrückten amerikanischen Hinterwäldler vorstellt. Sein ganzes Leben lang wohnte der Musiker in einer Hütte in Boone County, West Virginia, zu seinen grössten Leidenschaften gehörte neben Gitarren, Autos und Frauen vor allem das Essen von Hühnerfleisch und seine Beziehung zum Gesetz war nicht immer ganz unkompliziert. Allerdings war Adkins doch nocht etwas mehr, denn als One Man Rockabilly Band und Psychobilly-Pionier geniesst er heute bei manchen Musikfans einen legendären Status.

Hasil Adkins kam 1937, mitten der Zeit der Great Depression, als jüngstes von 10 Geschwistern zur Welt. Geld gab es in seiner Umgebung zunächst kaum und die Schulzeit des späteren Musikers beschränkte sich einigen Berichte zufolge auf wenige Tage. Damit blieb Adkins Zeit seines Lebens ein Mann mit wenig Bildung aber einer sehr reichen und etwas sonderbaren Phantasie. In seiner Kindheit kam Adkins auch das erste Mal mit Musik in Kontakt, vor allem mit Countrysängern wie Hank Williams und Jimmy Rodgers. Irgendwie nahm der Heranwachsende ganz selbstverständlich an, dass diese alle Instrumente gleichzeitig spielten. Diese Idee sollte er bald selbst umsetzen, denn beim Radiohören beliess es Adkins nicht lange.

Schon als Kind begann er damit, auf Blechdosen zu trommeln. Später ging er dann zur Gitarre über und begleitete sich zunehmend mit diversen Perkussions-Instrumenten beziehungsweise dem Schlagzeug, das er mit dem Fuss spielte. Nach eigener Aussage konnte Hasil Adkins auch noch Klavier und Orgel mit dem Ellbogen bedienen, falls er dies als notwendig betrachtete. In den 50er Jahren begann er damit, die Öffentlichkeit mit seinem Können bekanntzumachen, und musste bald feststellen, dass die grosse Masse noch nicht bereit war für diesen rohen Sound aus einer Hütte in Virginia. Woran es genau lag, dass Hasil Adkins mit seiner Suche nach Plattenverträgen Anfang der 60er Jahre keinen Erfolg hatte, lässt sich schlecht rekonstruieren. Höchstwahrscheinlich war die Zeit einfach noch nicht reif für die punkige Mischung aus Rockabilly und Country, die der passionierte Fleischesser und Frauenheld den Plattenproduzenten in Kaliforninen entgegenschleuderte.

Das galt wohl nicht nur für die Musik von Hasil Adkins, sondern auch für seine Songtexte. Denn der Multi-Instrumentalist sang selten von der Liebe, und wenn dann oft auf seine ganz  eigene Art. So handelten Adkins' Songs beisielsweise davon, auf dem Mond Erdnussbutter zu essen, die eigene Freundin zu enthaupten oder den von Adkins selbst entworfenen "Chicken Walk" zu tanzen. In den 60er Jahren trat Hasil Adkins deshalb hauptsächlich in kleinen Clubs in seiner Heimatregion auf. Platten nahm er in Eigenregie in seinen eigenen vier Wänden auf, diese interessierten allerdings bis in die 80er Jahre hinein nur wenige Hörer. Das galt wohl auch für den jeweils amtierenden Präsidenten der USA, dem Hasil grundsätzlich eine Aufnahme von sich zuschickte. Von Richard Nixon kam immerhin eine Antwort, die lautete: "I am very pleased by your thoughtfulness in bringing these particular selections to my attention".

Dass Hasil Adkins heute zumindest einigen Musikenthusiasten als früher Wegbereiter des Psychobilly bekannt ist, ist vor allem den Cramps zu verdanken. Denn nachdem die amerikanische Punk Rockabilly Band eine von Adkins' Kompositionen, "She Said", zu unverhofftem Ruhm verholfen hatte, entdeckte ein New Yorker Plattenlabel den unermüdlich spielenden Adkins und holte ihn aus seiner Hütte auf eine Tournee durch Amerika. Von da an sollte Atkins eine späte musikalische Hochzeit erleben. Nicht nur wurde sein erstes professionelles Album 1987 in der New York Times zum "Rock Album of the Week" gekürt. Auch ein neuer Vertrag mit dem Blues-Label Fat Possum Records erwies sich als erfolgreich. Sogar eine kleine Karriere als Schauspieler schlug Hasil Adkins auf seine alten Tage noch ein, unter anderem, ganz in Psychobilly-Manier, mit einem kleinen Auftritt in der Zombie-Komödie "Die You Zombie Bastards".

Mittlerweile gehört die Geschichte von Adkins zu einer von Journalisten und Musikkritikern gerne erzählten. Einer von ihnen sorgte für einen Wutanfall bei Sting, als er dem Ex-Police-Bassisten Hasil Adkins als positives Beispiel eines integren Musikers vorhielt. Der Clinch interessierte Adkins selbst wohl kaum. Er schien in seinen letzten Jahren recht glücklich mit der positiven Resonanz, den seine Songs plötzlich erfuhren, auch wenn ihn ein Teil des Publikums mehr als Freak denn als Künstler betrachtete. Leicht war das Leben als One Man Band wohl nicht. Nach diversen Aussagen litt Adkins immer wieder an Depressionen und Schlaflosigkeit. Dass er die Frauen liebte, aber nie die eine fürs Leben fand, führte für den Musiker unter anderem zu einem Gefängnisaufenthalt, nachdem er sich eine Schiesserei mit einem eifersüchtigen Ehemann geliefert hatte. Und auch das Ende des bis auf seine Hahnenkämpfe stets freundlichen Sängers war ein tragisches. Er wurde auf seinem eigenen Grundstück von einem Jugendlichen auf einem Quad überfahren. Bleibt zu hoffen, dass sich einige Musikhörer von den Worten des Kritikers und Journalisten Nick Tosches inspirieren lassen, der meinte: "Like the Bible and toilet paper, the music of Hasil Adkins belongs in every household".


Oct 12, 2019


YES - The Studio Albums 1969 - 1987 (Rhino Records 8122796496, 2013)

Eine der erfolgreichsten und einflussreichsten Progressive-Rockbands der Welt, zelebrierte im Jahre 2013 ihre langjährige Verbindung zu Atlantic Records mit einem umfassenden Box-Set, das sämtliche 12 Alben enthielt, die sie für das Label aufgenommen hatten. Das Box-Set enthielt die bis dato aktuellsten zur Verfügung stehenden Remaster-Versionen von 2003 und 2004, das 1987er Album "Big Generator" sogar in der Expanded-Version, die nur in Japan veröffentlicht wurde. Die 13 CD starke Kollektion umfasste fast 20 Jahre einer erstaunlichen Karriere und enthielt sämtliche Schlüsselalben, die Yes zu einer Kultband gemacht hatten. Mehr als 30 Millionen Alben der britischen Band gingen im Laufe der Zeit an die Fans, und immer noch sind auch die Klassiker beim Publikum sehr gefragt. Das Artwork der in einer Clamshell-Box befindlichen Sleeves stammte (natürlich) von Grafiker Roger Dean, der für die eindrucksvollen frühen Cover verantwortlich zeichnete und damit für einen hohen Wiedererkennungswert dieser Box garantierte.

Die Band wurde im Jahre 1968 von Bassist Chris Squire, Sänger Jon Anderson und Drummer Bill Bruford gegründet. Schon im darauffolgenden Jahr erschien das Debütalbum, schlicht "Yes" betitelt, das den Aufbruch in den Progressive Rock markierte und neben Eigenkompositionen auch tiefgreifende Überarbeitungen von Songs der Beatles, der Byrds und anderen enthielt. Je ambitionierter die Band an ihrer Musik arbeitete, die schnell zu einer eigenen Kunstform werden sollte, desto mehr verfeinerte sich auch ihr Sound mit einer sinfonisch aufgebauten Klangwelt sowie der Aufnahme von epischen Themen in den Texten. In den 70er Jahren entstanden so die kommerziell und bei der Kritik enorm erfolgreichen Alben "The Yes Album" (1971), "Fragile" (1971), "Close To The Edge" (1972 ), das Doppelalbum "Tales From Topographic Oceans" (1973), "Relayer" (1974) und "Going For The One" (1977). In diesen Jahren bildeten Squire, Anderson, Bruford, Gitarrenvirtuose Steve Howe und Schlagzeuger Alan White den Kern der Band. Zu den wechselnden Keyboardern gehörten Tony Kaye, Rick Wakeman und Patrick Moraz.

Doch auch in den 80er Jahren blieben Yes nicht stehen und erkundeten mit neuen Line-Ups und Sounds die Möglichkeiten ihrer Musik. So präsentierte das Album "Drama" (1980) die Band in einem neuen Sound mit dem neuen Sänger Trevor Horn, der später zu einem der einflussreichsten Produzenten der Musikszene wurde, und Keyboarder Geoff Downes, beide vorher bei den Buggles ("Video Killed The Radio Star"). Sie ersetzten Anderson und Wakeman, die beide ihre Solokarrieren verfolgten. Jon Anderson und Tony Kaye kehrten 1983 zur Band zurück und spielten ihren kommerziell grössten Erfolg "90125" ein, auf dem auch Gitarrist Trevor Rabin zu hören ist. Das Album enthielt die weltweite Nummer 1 "Owner Of A Lonely Heart" und weitere Radiohits wie "It Can Happen", "Changes" und "Leave It". Das Instrumental "Cinema" wurde 1985 mit einem Grammy in der Kategorie Best Rock Instrumental Performance ausgezeichnet.

"Big Generator" war das letzte Album, das die Gruppe Yes für das Label Atlantic Records aufnahm. Die remasterte und erweitere Edition war bisher nur in Japan erhältlich und wurde bald ein Sammlerstück. Unter den Bonustracks befinden sich zwei Versionen des Radiohits "Love Will Find A Way" und drei verschiedene Mixe von "Rhythm Of Love", das ebenfalls zu einem Radiohit wurde. Angesichts des sehr moderaten Preises für dieses Box-Set eine echte Empfehlung, zumal sämtliche Alben im sogenannten Mini LP CD Format den originalen Vinyl-Ausgaben nachempfunden sind.



BAD COMPANY - Straight Shooter (Island Records ILPS 9304, 1974)

Bad Company wurden 1973 in Westminster, London von dem Sänger Paul Rodgers und dem Gitarristen Mick Ralphs gegründet. Später kamen der Schlagzeuger Simon Kirke und der Bassist Boz Burrell hinzu. Bad Company waren in den 70er Jahren sehr erfolgreich. Ihre ersten drei Alben "Bad Company" (1974), "Straight Shooter" (1975) und "Run With The Pack" (1976) erreichten die Top 5 der Album-Charts in Grossbritannien und den USA. Viele ihrer Singles wie "Bad Company", "Can't Get Enough", "Good Lovin Gone Bad", "Feel Like Makin'Love", "Ready For Love" und "Shooting Star" alleine von den erstgen beiden Alben, sowie später "Rock'n'Roll Fantasy" sind nachwievor ein fester Bestandteil des klassischen Rockradios. Die Band wurde von Paul Rodgers und Simon Kirke nach der Auflösung von Free und Mick Ralphs von Mott The Hoople gegründet. Hinzu kam noch Boz Burrell, der einige Jahre bei King Crimson gespielt hatte. Sie benannten sich angeblich nach dem in der Originalversion gleichnamigen Western 'In schlechter Gesellschaft' von Robert Benton. Sänger Paul Rodgers erklärte jedoch, der Name sei von einem Bild in einer viktorianischen Moralfibel inspiriert worden, das er als Kind sah; es zeigt ein Kind, welches auf eine schäbige, zwielichtig herumhängende Gestalt schaut, wobei die Bildunterschrift lautet: 'beware of bad company'. Bis zur offiziellen Auflösung der Band 1983 erschienen mehrere erfolgreiche LPs. Danach gründete Paul Rodgers mit Jimmy Page die Band The Firm.

"Straight Shooter" war das zweite Studioalbum der Band. Es wurde am 2. April 1975 veröffentlicht, einen Monat nach der Veröffentlichung der Single "Good Lovin' Gone Bad" und vier Monate vor der zweiten Single des Albums "Feel Like Makin' Love". Das Album erreichte Platz 3 in den britischen Albums-Charts und in den US Billboard 200. Es brachte der Gruppe eine goldene Schallplatte ein für 500000 verkaufte Platten, verliehen von der Recording Industry Association of America, nur knapp einen Monat nach Veröffentlichung.
Mick Ralphs und Simon Kirke gaben an, dass der Track "Shooting Star" lyrisch von den Todesfällen durch Drogen und Alkohol von Jimi Hendrix , Janis Joplin und Jim Morrison, inspiriert wurde. Die ebenso markante wie geschmackvolle Plattenhülle für das Album "Streight Shooter" wurde von Hipgnosis entworfen, die auch für das schlichte Design des Debütalbums verantwortlich zeichneten. Die erste Single des Albums, "Good Lovin' Gone Bad", erschien im März 1975 und erreichte Platz 36 der Billboard Hot 100. Die nächste Single des Albums "Feel like Makin' Love" erschien im August und erreichte Platz 10 der Billboard Hot 100. "Straight Shooter" erntete mehrheitlich gute Kritiken. Der Musikkritiker Robert Christgau beispielsweise war der Meinung, dass "Straight Shooter" zwar besser als sein Vorgänger war, aber nicht als Hardrock bezeichnet werden sollte, da Paul Rodgers keine starke Stimme hatte, die für einen Rocksänger erforderlich sei. Ein weiterer Kritiker, Ed Nahas, urteilte im Magazin Rolling Stone, dass Bad Company mit ihrem zweiten Album beweisen würden, dass sie nicht wie Mott The Hoople, Free oder King Crimson enden würden - Bands, zu denen die Mitglieder von Bad Company früher gehörten. Naha fand auch, dass Simon Kirkes Kompositionen "Anna" und "Weep No More" zeigten, dass auch er als Schlagzeuger sich als Autor weiterentwickeln konnte, während Boz Burrell auch am Bass Fortschritte machte.

Es folgten mit "Run With the Pack" (1976) und "Burnin' Sky" (1977) zwei weitere überaus erfolgreiche Alben. Interessanterweise fiel diesen relativ grossen Erfolgen der ersten vier Alben das fünfte Werk, das 1979 veröffentlichte "Desolation Angels" aus eigentlich unerfindlichen Gründen etwas ab, obwohl auch dieses Werk fabelhafte Songs präsentierte. Erstmals setzten Bad Company dann bei diesem Werk auch Streicher- und Synthesizerklänge ein. Das Dalbum warf zwei Chartsingles ab: "Rock'n'Roll Fantasy", das es bis auf Platz 13 schaffte, sowie "Gone Gone Gone", das allerdings nur noch auf Platz 56 der Singles-Charts kletterte. Gegen Ende der 70er Jahre war die Band jedoch zunehmend enttäuscht, weil keine grossen Erfolge mehr in Aussicht standen, und auch ihr Interesse an Auftritten in grossen Stadien schwindete. Darüber hinaus verlor ihr langjähriger Produzent und eigentlicher Mentor Peter Grant das Interesse an der Gruppe und der Geschäftsführung im Allgemeinen, nachdem der Led Zeppelin Schlagzeuger John Bonham am 25. September 1980 verstorben war. Peter Grant war auch der Wegbereiter und Manager von Led Zeppelin gewesen. Simon Kirke sagte in einem Interview: "Peter war definitiv der Klebstoff, der uns alle zusammengehalten hat, und mit seinem Abgang fielen wir schrittweise auseinander".

Eine dreijährige Pause endete mit der Veröffentlichung von "Rough Diamonds" im Jahre 1982. Dies war die sechste und letzte LP in der ursprünglichen Inkarnation der Gruppe. 1986 entschieden sich Simon Kirke und Mick Ralphs, gemeinsam eine neue Band zu gründen, um wieder gemeinsam Musik zu machen. Sie gewannen Brian Howe als Sänger, der zuvor mit Ted Nugent das Album "Penetration" aufgenommen hatte. Weitere Mitglieder der noch unbenannten Band waren Gregg Dechert (Keyboard) und Steve Price (Bass). Nachdem die neu gegründete Formation das erste gemeinsame Album aufgenommen hatte, bot ihnen Atlantic Records-Chef Ahmet Ertegun 800000 Dollar für den Fall an, dass sie das Album unter dem Namen Bad Company veröffentlichen würden. Die Band stimmte zu und veröffentlichte "Fame And Fortune" im Oktober 1986. Das Album, das von Keith Olsen und Mick Jones produziert wurde, floppte, und erreichte nicht einmal die Top 100 der Billboard-Charts.

Der Keyboarder Gregg Dechert wurde in der Folge entlassen, die Band hatte sich entschieden, zukünftig weitestgehend auf Keyboards zu verzichten. 1988 veröffentlichte die Band das Album "Dangerous Age", das immerhin einen respektablen Platz 58 der US-Charts erreichte und musikalisch um einige Ecken härter ausfiel als der erfolglose Vorgänger. Zu Beginn des Jahres 1990 hatte der Sänger Brian Howe den Plan gefasst, ein Soloalbum zu veröffentlichen, weil er die mittlerweile aufgetretenen Spannungen innerhalb der Band so deutete, dass er möglicherweise gefeuert werden würde. Dies wurde ihm jedoch von Derek Shulman ausgeredet, der ihm riet, die dafür geschriebenen Songs für das nächste Bad Company Album einzubringen. Im Juni 1990 erschien somit das nächste Album "Holy Water", das die Top 30 der Billboard-Charts erreichen konnte und der Band neuerlichen Auftrieg gab. Nach einem weiteren Album, das 1992 den Titel "Here Comes Trouble" erhielt, wurde noch das Livealbum "What You Hear Is What You Get" aufgenommen und 1994 veröffentlicht, anschliessend schied Brian Howe dennoch aus der Band aus. Bad Company verpflichteten in der Folge Robert Hart, mit dem sie die Alben "Company Of Stranges" (1995) und "Stories Told And Untold" (1996) aufnahmen. 1998 kehrte Paul Rodgers für eine Jubiläumstournee zurück. Seit 2002 ist die Band wieder aktiv. Paul Rodgers, Mick Ralphs and Simon Kirke traten im August 2008 im Florida’s Hard Rock in Hollywood auf. Im Februar 2010 wurde der Konzertmitschnitt als Album "Hard Rock Live" veröffentlicht. In dieser Formation gab es 2010 auch weitere Konzerte. Ein Mitschnitt des Konzerts vom 11. April 2010 in London wurde 2011 unter dem Titel "Live At Wembley" veröffentlicht.




Oct 6, 2019


FLYING COLORS - Third Degree (Music Theories Recordings MTR 7596 2, 2019)

Die Flying Colors sind eine Progressive Rock-Supergroup, die aus Casey McPherson (Alpha Rev), Steve Morse (Dixie Dregs, Deep Purple, Kansas), Neal Morse (Spock’s Beard, Transatlantic), Dave LaRue (Dixie Dregs, Planet X) und Mike Portnoy (Ex-Dream Theater, Transatlantic, Liquid Tension Experiment, OSI, Adrenaline Mob, The Winery Dogs) besteht. Im Jahre 2008 stellte der Produzent Bill Evans eine Liste der Personen zusammen, mit denen er seine Idee der Flying Colors verwirklichen wollte: Mike Portnoy, Steve Morse, Dave LaRue, Neal Morse und Produzent Peter Collins, der bereits mit Rush, Bon Jovi, Elton John und Jewel Kilcher zusammengearbeitet hatte. Nachdem die vier Musiker und Peter Collins zugesagt hatten, machten sich die beiden Produzenten auf die Suche nach einem Sänger, der die unterschiedlichen Musikstile der Band vereinen konnte. Evans und Collins waren bereits eine Liste von über hundert verschiedenen Sängern durchgegangen, als Schlagzeuger Mike Portnoy Casey McPherson vorschlug.

Nach fast einem Jahr Planung, wurde das erste, mit dem Bandnamen betitelte Album innerhalb von neun Tagen im Januar 2011 fertiggestellt. Im November 2011 wurde das Album von Michael Brauer, der bereits mit den Rolling Stones, Bob Dylan und Coldplay zusammengearbeitet hatte, abgemischt. "Flying Colors" wurde am 26. März 2012 veröffentlicht. Der Bandname stammte von Peter Collins. Er sagte zu den Musikern: "Gentlemen, you passed with flying colors". ("Leute, ihr habt mit Bravour bestanden"). Am 16. März 2013 kündigte die Band an, mit den Arbeiten an ihrem zweiten Studioalbum begonnen zu haben. Ausserdem wurde eine Live-DVD / Blu-ray angekündigt, die im Oktober 2013 erschien. Die weiteren Arbeiten umfassten schliesslich das zweite Studiowerk "Second Nature" (2014), sowie die zwei Live-Veröffentlichungen mit den Titeln "Live In Europe" (2013) und "Second Flight - Live At The Z7" (2015).

Es gibt mindestens fünf gute Gründe, sich auch das dritte Album der Flying Colors "Third Degree" zu kaufen: Steve Morse, Casey McPherson, Mike Portnoy, Neal Morse und Dave LaRue. Nach dem selbstbetitelten Debüt aus dem Jahre 2012 und "Second Nature" (2014) wird auch hier wieder Progressive Rock mit leicht zugängigen Melodien und hymnischer Stimmung geboten. Man muss mitunter an die Anfangsjahre der Gruppe Toto denken, wenn man sich die Flying Colors anhört. Nicht etwa, weil sich die Musik so ähnelte, sondern weil sich damals wie heute ein paar Weltklasse-Musiker, so etwas wie die Crème de la Crème, zusammengetan hatten, um mit ihrem wunderbaren Talent Musik zu machen, die zugleich Spass macht, sich aber auch als überaus intelligent und virtuos präsentiert.

Flying Colors steigen auch in ihr drittes Album gleich mit ihrer inzwischen ebenso bekannten wie geschätzten Signatur ein. "The Loss Inside" startet mit dem Gitarrentreiben, mit fetten Orgelklängen, bevor die Melodien einsetzen, sehr rockig, vorwärtstreibend und aufmerksamkeitsstark. "More", zu dem es auch ein ziemlich bunt beleuchtetes Schwarzlicht-Video gibt, wird zwar ebenfalls von schweren Gitarren und donnerndem Schlagzeug angetrieben, hier stand aber sicherlich die Band Muse Pate. Irgendwie sehr new proggig. In der Mitte streckt sich der Song mit einer süchtig machenden, keyboardlastigen Instrumentalbewegung aus, bevor ein leiser, stimmbeherrschender Abschnitt zu hören ist. Es schliesst sich natürlich der Kreis und der treibende Rock wird vor dem Ende zurückgebracht, mit der Zeit für eines von Neal's typischen, opulenen Keyboard-Solos und der Vokalharmonisierung, für welche die Band so bekannt ist.

Der Gitarrist Steve Morse (Deep Purple, Dixie Dregs, Ex-Kansas), Schlagzeuger Mike Portnoy (Winery Dogs, Ex-Dream Theatre, Transatlantic), Keyboarder Neal Morse (Transatlantic, Ex-Spock’s Beard), Bassist Dave LaRue (Dixie Dregs, Ex-Joe Satriani) und Sänger und Songwriter Casey McPherson (Alpha Rev, The Sea Within) sind ein unglaubliches Team. "Cadence" ist eine hinreissende Komposition, die entfernt auch an ganz frühe Kompositionen von King Crimson erinnert, Progressive Rock mit Folk-Einkerbungen. Und was ist das für eine Basseinlage auf "Guardian" ? Ab diesem Stück bewegt sich das Album insgesamt ein bisschen mehr in Richtung Straight Progrock. Eines der Highlights des Albums ist das zehnminütige "Last Train Home", gesungen zunächst von McPherson, dann von Neal Morse und sicherlich auch von ihm musikalisch stark beeinflusst. Das Stück hat alles, was diese Band so grossartig macht, und es präsentert eine ganz starke Progrock-Gewichtung.

Inhaltlich geht es wohl um die Reise von Körper und Seele ins Jenseits (was thematisch natürlich erneut zum mit grossem christlichen Hintergrund versehenen Neal Morse passt) und beginnt langsam und melodisch. Dann werden die Dinge jedoch immer ausgefeilter, die Trommeln nehmen an Geschwindigkeit zu, die Tasten werden lauter und die Gitarre schwerer, bevor sie sich in ein vollwertiges Progressive Rock-Epos verwandelen, wie man dies beispielsweise auch von Genesis und Yes kennt. Passenderweise übernimmt dann Neal als Leadsänger eine Strophe. Seine Stimme verleiht dem Song eine neue emotionale Note, bevor ein Akustikgitarren Lead Jam mit Scat-Gesang in den nächsten Abschnitt des Songs übergeht. Casey übernimmt wieder den Gesang und singt: "Standing back you leave alone, don’t be sad you’re going home". Die Musik hebt den Gesang, und die das Stück abschliessenden Minuten sind immens kraftvoll und effektiv.

Die Ballade "You Are Not Alone" beginnt sehr sparsam instrumentiert, ein meditativerer Song über die vielen Prüfungen des Lebens. Steves Gitarre klingt leicht akustisch und zerbrechlich bis er mit einer segelnden E-Gitarre einsteigt. Die Keyboards übernehmen eine Streicher-Aufgabe. Sicherlich sehr effektiv, insgesamt vieleicht etwas zu bedächtig, weil es ziemlich an ähnliche Musik aus dem sogenannten Christian Rock Bereich erinnert. "Love Letter" schliesslich ist so etwas wie eine Beatles-Referenz, sehr eingängig und poppig. Ein Happy-Song.  Aber keine Sorge. Es gibt mit "Crawl" einen 11-minütigen tollen Abschluss mit phantastischen Gesangs-Sequenzen, sehr starken Melodien und instrumentaler Exzellenz.

"Third Degree" baut erneut auf der tief verwurzelten Verbindung, die während der letzten beiden Alben zwischen den Bandmitgliedern entstanden ist. "Zwischen uns herrscht eine ganz besondere Chemie", merkt Mike Portnoy an. "Je vertrauter wir einander werden, desto besser werden wir als Musiker und auch die Musik selbst reift dadurch immer weiter". Und Steve Morse fügt hinzu: "Einer meiner Favoriten, "Geronimo", bietet eine optimistisch-jazzige, aber gleichzeitig auch schwer-melancholische Stimmung. Wir spielen das, was sich gut für uns anhört und uns zum Lächeln bringt. Wir fragen uns nicht, ob es Kritikern oder Programmchefs gefallen könnte. Es geht uns nur um die Musik". Auf "Third Degree" kam zum ersten Mal die branchenführende HPAR-Technologie (Harmonic Phrase Analysis and Restoration) zum Einsatz. Entwickelt vom Produzenten Bill Evans (der die fantastischen Fünf einst dazu anstiftete, die Band zu gründen), sorgt diese für eine noch nie dagewesene Klangtreue. Rich Mouser (The Neal Morse Band, Transatlantic), der eigentliche Produzent der Band, mischte die Songs daraufhin in seinem unnachahmlichen Stil ab.