QUATERMASS - Quatermass (Harvest Records SHVL 775, 1970)

Es war die aufkeimende Zeit des progressiven Rocks, als mit Bands wie Emerson Lake & Palmer, Dr. Z oder Quatermass drei Gruppen in Erscheinung traten, deren auffälligstes Merkmal das Fehlen eines Gitarristen war. Alle drei Bands arbeiteten als Trio in der Besetzung Keyboards, Bass und Schlagzeug und sorgten so mit ihren jeweiligen Platten für erhöhte Aufmerksamkeit bei den Zuhörern. Während Emerson Lake & Palmer zur Weltkarriere ansetzten, Dr. Z ein Begriff unter Sammlern blieb, hallte der Name Quatermass immerhin noch eine lange Zeit nach, zumindest, was ihre Aktivitäten anbelangt. Denn ausser ihrer damals einzigen Platte, setzte die Band doch immerhin zu einem Comeback an, das zwar personell fast genauso interessant war wie ihre Anfangstage, doch letztlich ebenso erfolglos und musikalisch von eher bescheidener Qualität. Ihr Song "Black Sheep Of The Family" wurde einige Jahre später von Ritchie Blackmore für seine Band Rainbow gecovert und es halten sich hartnäckige Gerüchte, wonach der endgültige Abschied bei Deep Purple auch dem Umstand geschuldet war, dass Blackmore diesen Coversong nicht bei Deep Purple einbringen konnte - die anderen Musiker ihn ablehnten. Wer weiss...

Quatermass bestanden aus dem Keyboarder Pete Robinson, dem Bassisten John Gustafson und Schlagzeuger Mick Underwood. Alle drei waren zum Zeitpunkt dieser gemeinsamen Bandgründung längst bekannte Grössen im Musikgeschäft, die bereits lange Jahre in diversen bekannten und unbekannten Gruppen ihre Erfahrungen machen konnten. So spielte beispielsweise Keyboarder Pete Robinson zuvor im Orchester von Don Ellis, bei Mick Farren (The Deviants) und Chris Farlowe, während Bassist John Frederick Gustafson als "Little Johnny" Gustafson schon seit den frühen 60er Jahren bei The Big Three, den Merseybeats oder der Spencer Davis Group spielte. Schlagzeuger Mick Underwood wiederum war schon ab 1960 bei den Outlaws, einer Band, in welcher auch später erfolgreiche Musiker wie Ritchie Blackmore und Chas Hodges mitspielten. Aussredem gehörte Mick Underwood der Gruppe Episode Six an, die später zu Deep Purple mutierte und der Ian Gillan und Roger Glover angehörten.

Die Musik auf dem selbstbetitelten Album von Quatermass, auf dem englischen Progressive Label Harvest erschienen, war ein zeittypisches Abbild der sich verschmelzenden Musikstile der ausgehenden 60er Jahre und der sich abzeichnenden progressiven Aera, in welcher Jazz neben Blues, Rock und letzten Anteilen der psychedelischen Pop- und Beatmusik durchaus nebeneinander und miteinander harmonieren konnten. Schon der Opener "Black Sheep Of The Family" war zwar als Hammond-Rock ähnlich Deep Purple arrangiert, wies aber noch die typischen Stilelemente der Spätsechziger Beatmusik auf, wie sie zum Beispiel auch die Spencer Davis Group einige Jahre zuvor populär gemacht hatte. Das nachfolgende, extrem spannend aufgebaute und perfekt dem "leise/laut"-Prinzip folgende überlange Bluesstück "Post War Saturday Echo" wies indes eine unverkennbare Nähe zu den frühen Pink Floyd der Post Syd Barrett-Aera auf, was im Falle von Quatermass (übrigens bei all ihren Songs) noch an hör- und fühlbarer Dramatik gewann, weil kein Gitarrist für etwaige solistische Höhepunkte sorgte, sondern die Keyboards - allen voran die hervorragende Hammondorgel - zu Dynamikausbrüchen ansetzte, sobald die Gesangslinie ihren Part beendet. Diesem Muster folgten auch die weiteren Stücke des Albums, von denen etwa das im Tempo stark forcierte "Gemini" aus der Feder von Fat Mattress-Sänger Steve Hammond, der ausser diesem Titel auch die Songs "Black Sheep Of The Family" und "Make Up Your Mind" komponiert hatte, mit wuchtigen Hammond-Ausbrüchen zu gefallen wusste. 

Ausser dem Trio Robinson/Gustafson/Underwood spielten als Gäste auf diesem Album auch eine Cellisten-Gruppe unter der Leitung von Paul Buckmaster (Third Ear Band, Bee Gees) mit, ausserdem gleich drei vorwiegend im Jazz-Bereich tätige Bassisten (Arthur Watts, Frank Clarke und Joe Mudele), sowie die Streicher aus "Tony Gilbert's Sounds Orchestral", einem 21-köpfigen Orchester, das vor allem im Bereich Filmmusik (u.a. James Bond!) aktiv war. 

Bekannt ist die Platte Quatermass natürlich vor allem auch wegen ihres optisch hervorragend gelungenen Cover Artworks von Hipgnosis, einer ebenso surrealen wie visionären Abbildung von Moderne und Archäologie, mit mehreren Flugsauriern zwischen zwei bedrohlich wirkenden Häuserfronten.

Obgleich die Platte von Quatermass schon zum Zeitpunkt ihrer Veröffentlichung zu einer der Besten des Harvest Labels gezählt wurde, konnte sie nur mässig verkauft werden, was bestimmt auch daran lag, dass eine Singleveröffentlichung mit zwei Titeln, die nicht auf der LP vertreten waren, ebenfalls floppte ("One Blind Mice"/"Punting"). Ende 1971 trennte sich das Trio. Während Schlagzeuger Mick Underwood sich der britischen Rockband Strapps anschloss, die ebenfalls auf dem Harvest Label einige Platten veröffentlichte, spielte er später auch in der Band von Ian Gillan, als dieser Deep Purple verlassen hatte. In der Ian Gillan Band spielte dann auch Bassist John Gustafson mit, allerdings zu unterschiedlichen Zeiten. Die beiden Quatermass-Musiker trafen sich nicht mehr in einem gemeinsamen Musikprojekt. John Gustafson wurde dann später auch Mitglied von Roxy Music, spielte mit dieser Band auch drei LPs ein. Der Keyboarder Pete Robinson wiederum wurde zum gefragten und vielgebuchten Studiomusiker, der auf vielen hervorragenden Platten zu hören war, beispielsweise von Stomu Yamashta's Red Buddha Theatre, Sun Treader oder Al Jarreau. Ab Mitte der 80er Jahre schrieb er auch Filmmusik zu etlichen erfolgreichen Kinofilmen.

Unter dem Bandnamen Quatermass II lancierte Mick Underwood die Band 1994 noch einmal und versuchte ein Comeback, zusammen mit dem ehemaligen Deep Purple-Musiker Nick Simper. Bassist John Gustafsson spielte bei zwei Stücken auf dem im Jahre 1997 erschienenen Album "Long Road" mit, ebenso Don Airey, der Keyboarder von unter anderem Rainbow und später auch Deep Purple, plus den beiden Gitarristen Gary Davis und Bart Foley. Natürlich war die Musik auf diesem Comeback-Album anders als jene des Debutalbums. Es waren aber nicht nur die beiden Gitarren, die den Sound veränderten, es lag auch an den bisweilen ziemlich dürftigen Kompositionen, dass das Comeback nicht den erhofften Erfolg brachte. Folgerichtig war dieser Reunion-Band, der eigentlich nur der originale Schlagzeuger Mick Underwood angehörte, nur eine sehr überschaubare Zeit der Existenz beschieden, und 1999 war nach einigen Live-Auftritten Sense.

DOG SOLDIER - Dog Soldier (United Artists Records UAS 29769, 1975)

Dog Soldier war ein leider nur sehr kurzlebiges Bandprojekt des Schlagzeugers Keef (Keith) Hartley, der schon seit Anfang der 60er Jahre von seiner britischen Heimat Lancashire aus bereits als Jugendlicher in diversen Bands trommelte, bevor er mit den Thunderbeats einen Auftritt als Support Act für die Beatles bestreiten konnte. Da die Beatles zu der Zeit gerade einen neuen Schlagzeuger in der Person von Ringo Starr bekommen hatten, wurde der Posten in Ringo's ehemaliger Band Rory Storm & The Hurricanes frei. Keef Hartley nutzte diese Gelegenheit und stieg bei der Band ein, vor allem, weil ihn die 10 Pfund Wochengage reizten. Mit den Hurricanes zog Keef Hartley in der Folge auch bis nach Hamburg in den legendären Star Club. Das war Ende 1963. Dort schloss er sich einer weiteren kurzlebigen Band mit Namen Freddie Starr & The Starr Boys an, die aber bereits Mitte 1964 auseinander fiel. Hartley ging zurück nach London und meldete sich auf eine Anzeige in der Musikzeitschrift Melody Maker: "Drummer wanted for Rhythm'n'Blues Band". Ein gewisser Art Wood suchte für seine Band einen Schlagzeuger. Hartley bekam den Posten und wurde Mitglied der Band The Artwoods. Art Wood war übrigens der Bruder von Ronnie Wood (Faces, später Rolling Stones) und der Band gehörte auch der spätere Deep Purple-Keyboarder Jon Lord an. Mit den Artwoods spielte Hartley bis Mitte 1967, als er - wiederum als Bewerbung auf eine Anzeige - Schlagzeuger bei John Mayall wurde. Zu der Zeit wehte ein regelrechter personeller Tornado durch John Mayall's Band und so spielte Keef Hartley in der kurzen Zeit zwischen Mitte 1967 und Mitte 1968 unter anderem mit späteren Top-Musikern wie Mick Taylor, Andy Fraser, John McVie und Dick Heckstall-Smith zusammen, die alle später mit Bands wie den Rolling Stones, Free, Fleetwood Mac und Colosseum Karriere machten. So gesehen war John Maeef Hartley erhoffte.

Einen ersten Anlauf dazu unternahm Hartley noch im Jahr 1968, als er mit dem Bassisten Gary Thain, der später Mitglied von Uriah Heep wurde, sowie den zukünftigen FREE Musikern Paul Rodgers und Paul Kossoff einige Songs im Tonstudio einspielte und diese dem Besitzer des renommierten Blueslabels Chess Records vorlegte. Leider ergab sich daraus keine Möglichkeit einer Veröffentlichung, weshalb Hartley das Bandprojekt wieder fallen liess. 1969 unternahm er einen weiteren Versuch, eine eigene Band zu gründen, und diesmal waren seine Bemühungen von Erfolg gekrönt. Für seine Keef Hartley Band fand er in dem Bassisten Gary Thain, dem Gitarristen Spit James, dem Keyboarder Peter Dines und dem Sänger Owen Finnegan seine ersten musikalischen Bandpartner, mit denen er für das Deram-Label schon bald die erste LP "Halfbreed" einspielen sollte. Die Plattenfirma war allerdings der Meinung, dass der Gesang von Owen Finnegan nicht professionell genug sei, weshalb die Band nach einem anderen Sänger Ausschau hielt. Nachdem mit Sam Holland ein weiterer Sänger nicht zufriedenstellend agierte, trat als endgültiger Gesangskandidat Miller Anderson in die Band ein. Mit ihm wurde die LP dann aufgenommen und veröffentlicht.

Keef Hartley spielte zusammen mit dem Sänger Miller Anderson in nur etwas mehr als zwei Jahren beeindruckende 5 Langspielplatten ein, von denen keine qualitativ auch nur annähernd das Mittelmass streifte. Alle waren sie sehr professionell aufgenommen, musikalisch äusserst vielseitig, mal mehr bluesorientiert, dann wieder mit erhöhtem Jazz-Anteil, auch soulig und bisweilen recht funky, aber insgesamt auch immer nahe am progressiven Rock jener Zeit angelehnt. Nachdem ein insgesamt 13-köpfiges Ensemble das sehr jazzorientierte Album "Little Big Band" veröffentlichte und auch live erfolgreich aufführte, verliess Miller Anderson die Band, um eine Solokarriere einzuschlagen, die jedoch nach nur einem Album (ebenfalls für Deram Records) schon wieder beendet war. Miller Anderson stieg später bei Savoy Brown ein und sang und spielte Gitarre auf deren Album "Boogie Brothers". Seine weiteren musikalischen Stationen umfassten auch Prominenz wie beispielsweise T. Rex, Blood, Sweat & Tears, Mountain und die Spencer Davis Group, mit denen er vor allem live unterwegs war. Keef Hartley selber löste seine Band nach einem eigentlichen Soloalbum, das er 1973 veröffentlichte und das den Titel "Lancashire Hustler" trug, auf und arbeitete unter anderem für die Bluessängerin Dana Gillespie, den Singer/Songwriter Michael Chapman und die Gruppe Vinegar Joe um Robert Palmer und Elkie Brooks, bevor er Mitte 1974 wieder eine eigene Band am Start hatte: Dog Soldier.

Zusammen mit seinem früheren Bandkumpel Miller Anderson, sowie dem ehemaligen Artwoods-Gitarristen Derek Griffiths und zwei weitern Musikern - Paul Bliss am Bass und Mel Simpson an den Keyboards - startete die Band mit viel Hoffnung. Einen bemerkenswerten und überaus erfolgreicher Auftritt zusammen mit Jess Roden in der Reihe "BBC Radio 1 In Concert" nährte die Hoffnung, bald auch eine Plattenfirma zu finden, für die man ein Album einspielen könnte. Dies schien zunächst von Erfolg gekrönt zu sein, als nämlich United Artists grünes Licht für Aufnahmen gab. Doch noch während die neue Gruppe um Keef Hartley damit beschäftigt war, im legendären Island Aufnahmestudio in der Basing Street in London vom 18. November bis 15. Dezember 1974 neue Titel zu arrangieren und aufzunehmen, wurde seitens der Plattenfirma, der es nicht rosig ging und die ernsthaft ums Ueberleben kämpfte, regelrecht Druck auf die Musiker ausgeübt, ihre Aufnahmen müssten sehr kommerziell sein und das zu veröffentlichende Album müsste auf jeden Fall einen Hit abwerfen - das vorgeschossene Budget für die Aufnahmen müsste unter allen Umständen auch wieder eingespielt werden, ansonsten man die Band fallen liesse. Es geht daher das Gerücht, dass die Band unter diesem Druck von ihrem eigentlichen Sound ziemlich abwich und unter enormem Druck versuchte, einen einigermassen radiofreundlichen Rock einzuspielen, der hoffentlich den Massengeschmack treffen würde.

Der Schuss ging erwartungsgemäss nach hinten los. Während das Album trotz aller widrigen Umstände in der Entstehung ein perfekt klingendes, wohlarrangiertes und ausgeklügeltes Stück Rockmusik geworden war, liess es sich kaum verkaufen. Die Musiker wollten es allen recht machen und genau das war der entscheidende Punkt: Es klang beliebig, nicht mehr eigenständig genug und obwohl kompositorisch wie instrumental alle Stücke des Albums zu gefallen wussten, hörten Experten in fast jedem Song ein vermeintliches "Original". So wurde das Stück "Several People" etwa mit dem typischen Groove der Doobie Brothers verglichen, "Long And Lonely Night als eine Anbiederung an den klassischen Westcoast Sound verstanden, "You Are My Spark" die gewollt-ungewollte Nähe zum Sound der Gruppe Moby Grape angedichtet, das 11 Minuten lange "Looks Like Rain" als kläglicher Versuch, mit Pink Floyd-Elementen zu experimentieren  - alle natürlich mit einem jeweils negativen Beigeschmack, was den tollen Stücken jedoch überhaupt nicht gerecht wird.

Nichtsdestotrotz ist Dog Soldier ein hervorragendes und abwechslungsreiches Album geworden, das einer völlig verfehlten Politik eines vor dem finanziellen Abgrund stehenden Plattenlabels zum Opfer fiel. Auch die weitere Existenz der Band stand unter keinem günstigen Stern. Nachdem die Platte veröffentlicht wurde, sollte sie durch Konzerte auch promoted werden. Aufgrund einer Erkrankung des Sängers Miller Anderson mussten jedoch etliche Auftritte abgesagt werden. Die Gruppe spielte während Miller Anderson's Abwesenheit wiederum ausschliesslich ältere Keef Hartley Stücke ein und wollte diese auch live präsentieren. Darüber zerstritten sich alle Beteiligten jedoch und nachdem Miller Anderson sich in Richtung Savoy Brown verabschiedete, fiel die Gruppe auseinander, nachdem sie alles in allem nicht einmal ein Jahr existiert hatte.

Zurück bleibt ein extrem gut gespieltes, sehr vielseitiges und trotzdem leider fast gänzlich übersehenes Rock Album, das rückwirkend betrachtet wohl eines der Interessantesten des Jahres 1975 gewesen ist.

JOE FARRELL - Upon This Rock (CTI Records CTI 6042, 1974)

In den 60er Jahren begleitete der Saxophonist Joe Farrell (bürgerlicher Name Joseph Carl Firrantello) etliche Jazz-Grössen wie Maynard Ferguson, Charles Mingus, Jaki Byard, das Thad Jones / Mel Lewis Orchester sowie Elvin Jones, an dessen Seite Farrell vor allem als Solist viele Freiräume genoss, die ihn kontinuierlich bekannter machten. Es dauerte nicht allzu lange, und Joe Farrell war in ganz Amerika bekannt für sein hervorragendes Spiel am Saxophon und an der Flöte. Farrell wurde in der Folge auch stets von sehr bekannten Jazzmusikern für Studioaufnahmen gebucht, weshalb man ihn noch bevor er eigentlich Solowerke veröffentlichte, schon auf zahlreichen Platten unter anderem von Herbie Hancock, Jimmy Smith oder Stanley Turrentine hören konnte, wobei ihm auch die Rock Musik durchaus nicht suspekt war, wie Aufnahmen beispielsweise für Santana, die Rascals oder The Band beweisen.

Der legendäre Jazz-Produzent Creed Taylor, der schon Alben mit George Benson und Antonio Carlos Jobim produziert und Joe Farrell für die entsprechenden Aufnahmen aufgeboten hatte, muss wohl viel Talent und kreatives Können aus Farrell's Spiel herausgehört haben, weshalb er ihn für sein eigenes Label CTI Records kurzerhand auch als Solokünstler unter Vertrag nahm. Nun war er nicht mehr nur kompetenter Sideman für populäre Jazz-Musiker, sondern konnte eigene Platten einspielen und veröffentlichten. Creed Taylor produzierte Joe Farrell’s Debut Album "Joe Farrell Quartet" (auch bekannt unter der Bezeichnung "Song Of The Wind Supersession") für das CTI Label im Jahre 1970 und produzierte mit dem Album etwas Einzigartiges und extrem gut Konsumierbares, was das spätere "Fusion"-Etikett bereits vorwegnahm. Die Platte erschien ziemlich zeitgleich mit zwei weiteren typischen Fusion-Alben, und zwar Freddie Hubbard's "Red Clay" und Stanley Turrentine's "Sugar". Auf beiden spielten hervorragende Musiker mit, mit denen auch Joe Farrell bereits Aufnahmen getätigt hatte.

Bemerkenswert und ein eindrücklicher Beweis für das grosse Vertrauen, das Creed Taylor in die Qualitäten von Joe Farrell setzte war der Umstand, dass er für Farrell und dessen Debut Album vier ausgesuchte Topmusiker aufbot, und zwar den Pianisten Chick Corea, den Gitarristen John McLaughlin, Bassist Dave Holland und den Schlagzeuger Jack DeJohnette. Das Ergebnis war beeindruckend, spielerisch hervorragend und ein Paradebeispiel für geniale Jazzmusik. "Mr. Farrell", so schrieb der Musikkritiker John S. Wilson, "builds broiling, jabbing solos that flow in an essentially melodic fashion despite a steady interjection of startling turns and quirks. At times, his lines pile up in such quicksilver fashion that he sounds like an entire band in himself".

Während Joe Farrell trotz dieses bemerkenswerten Einstands nicht der Jazz-Star wurde, der er eigentlich hätte sein können - ja müssen, nahm der unter Musikerfreunden hochgeschätzte Künstler weitere Alben auf, die ihn auf der ganzen Welt populär machten: das 1971 erschienene Zweitwerk "Outback" mit unter anderem Elvin Jones, Chick Corea und Airto Moreira, "Moon Germs" 1972 mit Herbie Hancock, Stanley Clark und Jack DeJohnette, "Penny Arcade" 1974 mit dem Jazz-Gitarristen Joe Beck, Herbie Hancock, Herb Bushler und Steve Gadd und im selben Jahr auch die LP "Upon This Rock".

Hier spielte er zusammen mit Gitarrist Joe Beck, Bassist Herb Bushler und den Schlagzeugern Jim Madison und Steve Gadd, sowie dem Perkussionisten Don Alias und Herbie Hancock (auf dem Stück "I Won't Be Back") eine Platte ein, die zum allgemeinen Fusion-Touch auch noch eine besondere Gitarren-Note erhielt, die dank des beseelten Jammens von Joe Beck sogar kleinere Rock-Elemente aufwies. Insgesamt sind diese die Rockmusik streifenden Gitarren-Sprenkel jedoch eher minim - ich würde "Upon This Rock" trotzdem als klassische Fusion-Scheibe bezeichnen. Alle vier hier gespielten Stücke sind enorm einehmend gespielt, sie sind auch sehr abwechslungsreich und geprägt von den hervorragenden Soloarbeiten von Joe Farrell und Joe Beck.

Der legendäre Toningenieur Rudy Van Gelder, der etliche Platten von Joe Farrell und viele des Labels CTI Records aufgenommen hatte, sorgte auch hier bei diesem Album für einen glasklaren, offenen und sehr transparenten Gesamtsound, für den auch andere von ihm eingespielte Platten bekannt sind. Rudy Van Gelder war der langjährige Hausproduzent des Blue Note Labels und war in dieser Eigenschaft für fast alle Aufnahmen der späten 50er sowie der 60er Jahre auf diesem Label verantwortlich.

Joe Farrell zeigt sich hier in der Rolle des Solisten gleichwohl wie als Sideman, wenn er zum Beispiel Joe Beck's ausladenden Gitarrenausflüge dezent und wohldosiert unterstützt. Aber auch bei den Stücken, die von Farrell dominiert werden, kommen die perfekten und punktgenau platzierten Einlagen etwa von Herbie Hancock oder von Joe Beck treffsicher und jederzeit sehr elegant und durchdacht. Die in ihrer Grundstruktur recht funky ausgelegte Jazzplatte beweist eindrücklich, dass diese Art von Musik durchaus auch unterhaltsam, harmonisch und Jedermann zugänglich sein kann. Fast alles Attribute, denen von überzeugten Jazzmusikern bisweilen etwas argwöhnisch begegnet wird.

J.C. FLYER - Movin' On (JBS Records JBS3001, 2003)

Als J.C. Flyer im Jahre 2003 dieses leider einzige Album einspielte, war er bereits viele Jahre aktiv unterwegs. Der Country-Rock Musiker lebte seit 1978 in der Bay Aera und sog den typischen Bay Aera Sound förmlich auf. Ausserdem war er ein begeisterter Country-Fan, und das offensichtlich seit er zum erstenmal den Beatles-Song "I've Just Seen A Face" gehört hatte. J.C. Juanis, wie er mit bürgerlichem Namen heisst, arbeitete einige Jahre für das Relix Magazine des gleichnamigen Independent Plattenlabels, das bekannt ist für die Veröffentlichungen einiger Grateful Dead Side Projects. Während 16 Jahren unterhielt und pflegte er dort seine 'Bay Aera Bits' Kolumne, in welcher er Bands und Musiker der Bay Aera porträtierte. Dadurch wurde er für etliche Musiker aus dem Grossraum San Francisco eine wichtige Anlaufstelle, deren Bekanntheitsgrad zu fördern. Bevor J.C. dann selber aktiv Musik machte, kannte er dadurch bereits zahlreiche hervorragende und auch bekannte Musiker persönlich, was ihm später für seine eigene Platte mehr als dienlich sein würde. Er nutzte seine ganzen Kontakte und Connections, als er im Jahre 2003 seine erste eigene Platte "Movin' On" aufnahm.

J.C.'s Vater, ein passionierter Angler, übte seinen Sohn in Geduld: "Du musst geduldig sein, wenn sie nicht gleich anbeissen." Als J.C. nach geeigneten Musikern Ausschau hielt, bissen diese jedoch sofort an und waren Feuer und Flamme, mit J.C. eine Country Rock-, Americana- und Southern Rock-Scheibe aufzunehmen. Die Stücke der vorliegenden Platte wurden über einen grösseren Zeitraum aufgenommen, sodass am Ende 15 klassische Country Rock Titel verschiedener Couleur zusammen kamen.

Musiker, mit denen J.C. sein Album "Movin' On" einspielte, waren etwa The Dead und Phil Lesh & Friends Keyboarder Rob Barraco, der Pedal Steel Gitarrist Barry Sless aus der David Nelson Band, der frühere Bruce Springsteen And The E Street Band Schlagzeuger Ernest "Boom" Carter, die äusserst prominenten und sehr bekannten Rowan Brothers für die Backing Vocals, George Michalski am Piano und Kingfish Keyboarder Barry Flast, um nur die Wichtigsten zu nennen.

Auf dem brillianten und sehr abwechslungsreichen Album finden sich ausschliesslich Kompositionen aus der Feder von J.C. Flyer. Die Titel "Long Hard Road" und "Goin' Home" sind die ältesten Songs auf der Platte, die J.C. schon über ein Jahrzehnt lang immer wieder an Konzerten spielte und somit auch wusste, dass sie beim Publikum seit langer Zeit sehr gut ankommen. Das Kernstück des Albums, das überlange "Big Wheels" ist eine wundervolle Southern Country Rock Nummer, die vor allem von den Twin Guitar Solis lebt, und viel vom typischen lockeren Südstaaten-Rock der Allman Brothers oder der Marshall Tucker Band bietet. J.C. selber sieht seine Platte im nachhinein als eigentliches musikalisches Road Movie, eine grosse amerikanische Musikreise. Kein Wunder: Er hat ja auch jahrelang getingelt vom kleinsten Bar & Grill Restaurant bis zu den grösseren Hallen in ganz Nordamerika. Seine Songtexte erzählen die entsprechenden Anekdoten seiner Erlebnisse 'on the road', wie etwa in "Big Wheels", "Long Hard Road", "Drive All Night Long", "California" oder bei "Snowing In New England". In seinen Titeln widerspiegelt sich auch der unruhige Geist, der ewig Suchende, der immer auf der inneren Reise ist und nie ankommt. "Foreign Soils", "Goin' Home", "Towards The Sun" und "Alone In The Wind" zeigen teilweise auch recht melancholische Momente. "Memories Of You" und "Back To You" wiederum erzählen vom Abschied nehmen und von der grossen Sehnsucht, irgendwo ankommen zu wollen, wo 'zuhause' ist.

J.C. Flyer spielte in all den Jahren seit der Veröffentlichung dieses wunderbaren Albums unter anderem mit Little Feat, Willie Nelson, The Dead, Jerry Jeff Walker, Waylon Jennings, Gregg Allman oder mit Big Brother & The Holding Company.

Der Grateful Dead Musiker Robert Hunter urteilte über die Platte: "This album deserves to be heard." Das kann ich hundertprozentig unterschreiben. Ein unvergängliches Stück Musik mit sehr viel Feeling, das dermassen unbekannt blieb, dass es heute noch eine Freude ist, es zu entdecken.

CASEY JONES AND THE GOVERNORS - Don't Ha Ha 

(Golden 12 Records G12/LP106, 1964)

Casey Jones, die Frohnatur des Merseybeats, trat erstmals als Cass & The Casanovas in Erscheinung. Prominentes Mitglied in dieser Band, die 1959 bereits Konzerte gab, war Little Johnny Gustafson, der spätere Bassist unter anderem von Quatermass. Gustafson traf Brian Casser, wie Casey Jones mit bürgerlichem Namen heisst, in Liverpool, wo dieser im Rahmen des "Casanova Club" regelmässig Konzerte organisierte, bei denen auch namenlose Nachwuchsbands auftreten durften, die für ein paar Shillings gerne auf die Bretter steigen und ihre Musik zum besten geben wollten. Eine dieser Bands hiess zum Beispiel 'The Silver Beatles', die damals 30 Shillings (auf heutige Verhältnisse umgerechnet etwa 4,50 Euro) Gage erhielten (!) und dafür im Casanova Club auftraten. Casey Jones und seine neu in The Governors umbenannte Band war die allererste Gruppe, die den Sprung von Liverpool nach Hamburg hätte schaffen sollen und somit quasi als Pioniere den Weg für alle nachkommenden Merseybeat-Bands ebnen, die später zur Legendenbildung beitrugen und dem sogenannten "Hamburg Sound" grosse Popularität bescherten, der bald über die Landesgrenzen hinaus bekannt wurde. Allen voran waren natürlich die Beatles jene Band, die in Hamburg den Grundstein zu ihrer Weltkarriere legte. Doch aus dem Trip nach Hamburg wurde nichts, lediglich ein paar Demoaufnahmen schickte die Band nach Hamburg. Das war's dann auch.

Die erste Band fiel übrigens auseinander, weil keiner in der Gruppe mehr mit Casey Jones spielen wollte. John Gustafson sagte dazu einmal: "I do remember that we disbanded, in order to fire Cass!". Der Bassist formierte kurz darauf ein neues Trio zusammen mit Adrian Barber und Johnny Hutchinson, nannte es 'The Big Three' und ergatterte einen Management-Vertrag mit Brian Epstein, dem späteren Beatles-Mentor. Die Band war wesentlich erfolgreicher als Casey Jones' Casanovas, spielte unter anderem im legendären Cavern Club, arbeitete als Begleitcombo für die erfolgreiche Cilla Black und war auf gutem Weg.

Cass nahm nun definitiv seinen Künstlernamen Casey Jones an. Er zog um von Liverpool nach London, lernte dort im Oktober 1962 den Gitarristen Albert Lee kennen und bildete mit ihm zusammen eine Band namens 'The Nightsounds', die später nach dem Abgang Lee's in 'Casey Jones & The Engineers' umbenannt wurde. Zuvor konnte der Sänger 1963 einen Plattenvertrag mit Columbia ergattern und nahm die Single "One Way Ticket" auf. Casey's Schlagzeuger Ray Stock sprach in jenen Tagen im 'The Scene Club' in London's Stadtviertel Soho einen jungen Gitarristen an, der soeben eine Gruppe mit Namen 'The Roosters' verlassen hatte und daher verfügbar für etwas Neues war. Der Gitarrist hörte auf den Namen Eric Clapton. Ray Stock erklärte dem jungen Gitarristen, dass zwei versierte Gitarristen gesucht würden für eine neue Band des Sängers Casey Jones. Eric Clapton empfahl daraufhin einen Gitarristen namens Tom McGuinness, mit welchem Clapton bereits bei den Roosters gespielt hatte. Somit hatte Casey Jones nun eine tolle neue Band beisammen, die jedoch nicht lange zusammenhielt: Clapton wollte partout keine Popmusik spielen, sondern war viel mehr auf Blues fokussiert, weshalb er nach nur wenigen Monaten noch im Jahre 1963 die Band wieder verliess und zu den Yardbirds wechselte. Tom McGuinness mochte ebenfalls nicht weiter bei der Band bleiben, quittierte ebenfalls seinen Dienst und wanderte weiter als Gitarrist zu Manfred Mann.

Das nächste Kapitel war dann eine erneute Umbenennung der Band von 'Engineers' in 'Governors', und mit dieser neuen Combo spielte Casey Jones 14 Songs ein, nachdem er vom Label Golden 12 für eine LP-Aufnahme unter Vertrag genommen wurde. Es zahlte sich also am Ende doch aus, in den vielen Clubs Londons herumzutingeln. Als die Platte 1964 erschien, wurde sie recht gut verkauft und die Plattenfirma entschloss sich dazu, als Single den die LP eröffnenden Titel "Don't Ha Ha" zu veröffentlichen. Dies erwies sich als Volltreffer - die Single eroberte im Handumdrehen die Charts und machte Casey Jones kurzzeitig zu einem der gefragtesten Beatmusiker Londons. In Deutschland war der Song dann ebenfalls so populär, dass er sogar die Top Ten enterte.

Die nachfolgenden Singles, zwei davon aus diesem 'Golden 12' Album ausgekoppelt, waren zwar nicht ganz so erfolgreich wie "Don't Ha Ha", doch konnten auch sie sowohl in England, wie in Deutschland sehr gut verkauft werden: "Jack The Ripper" und "Little Girl". Eine ganze Reihe weiterer Singles - Stücke, die nicht auf der LP vertreten waren, schob Casey Jones hinterher, alle noch im Jahre 1965. Er war zu der Zeit extrem produktiv, obwohl er mit seinen Governors ständig irgendwo in einem Club oder einer Halle spielte. So erschienen nacheinander die Singles "Tall Girl", "Candy Man", das deutsch (!) gesungene "Bumble Bee" sowie "Yockomo".

In den folgenden Jahren nahm die Popularität Casey Jones' kontinuierlich ab. Da er hierzulande sehr viel länger von seinem Erfolg leben konnte, übersiedelte er schliesslich nach Deutschland, wo er bis Ende der 60er Jahre immer wieder auftrat, auch noch einige Singles veröffentlichte, die durchaus auch im Radio gespielt wurden, wie zum Beispiel "Keep A-Knockin'" 1968 und "Zebedy Zak" 1969.

Casey Jones' erste Single "Don't Ha Ha" indes wurde zum Evergreen, nachdem der Titel später sogar noch einmal als Single veröffentlicht wurde. Heute sind seine Governors eine der vielen Rock'n'Roll-Bands von damals, als der Beat von England nach Deutschland überschwappte und eine ganze Heerschaar junger deutscher Musiker mobilisierte, die Beatmusik auch hierzulande populär zu machen. Casey Jones war einer der wichtigsten von ihnen, mit Sicherhait aber der lustigste und fröhlichste. Ha Ha!

 

THE VERTIGO SWIRL LABEL - Worldwide Discography & Price Guide (Updated and expanded 2nd Edition) (CPG Books ISBN 978-3-9810109-3-0 CPG 005, Februar 2016)

Ulrich Klatte und Marcel Koopman haben nachgelegt. Nachdem die erste Ausgabe der Swirl-Bibel schon einige Zeit ausverkauft war, kommt jetzt die überarbeitete zweite Edition. Und die ist vor allem einmal umfangreicher geworden. Fast doppelt so dick ist das hochwertig verarbeitete gebundene Buch nun und bietet auf insgesamt 320 Seiten alles an nützlichen und interessanten Informationen rund um dieses begehrte Sammelgebiet. Auffallendste Veränderung an der neuen Ausgabe: Es gibt zu jeder auf Vertigo Swirl erschienenen Platte eine sehr gute und vor allem sehr objektive Plattenkritik der Herausgeber. Das gabs bei der ersten Ausgabe nicht. Und da kommen doch etliche Swirl Scheiben zum Teil richtig schlecht weg. Und das absolut zu recht, denn auf dem Label ist schon auch ziemlich viel qualitativ Fragwürdiges erschienen damals. Trotzdem haben sich die brettharten Sammler im Laufe der Jahrzehnte auf alles gestürzt, was unter dem Swirl Logo veröffentlicht worden ist. Gutes Beispiel ist die LP von Gordon Waller - "Gordon". Die Platte war dermassen misslungen, dass sie nahezu gar nicht verkauft werden konnte, weshalb es inzwischen natürlich auch auf dem Gebrauchtmarkt praktisch keine Exemplare mehr gibt. Wohl deshalb wird für das Original in Bestzustand bereits bis 1000 Euro gezahlt.

Die Top Ten der seltensten und teuersten Platten auf Vertigo Swirl sind auch gelistet im neuen Buch:

1. DR. Z - Three Parts To My Soul (3000 - 4000 Euro)...für meinen Gustus ein Inselalbum, von dem damals nur etwa 80 Exemplare verkauft wurden

2. CATAPILLA - Changes (2000 - 2500 Euro)...aus meiner Sicht ein gutes Jazzrock Album, mit zwei Longtracks, die sich absolut lohnen

3. TUDOR LODGE - Tudor Lodge (1800 - 2200 Euro)...Eines der musikalisch schönsten britischen Folk-Scheibchen aus jener Zeit

4. LINDA HOYLE - Pieces Of Me (1500 - 2000 Euro)...ein eher durchwachsenes, musikalisch nicht überzeugendes Werk der Affinity-Sängerin, das im Prinzip nur einen wirklich guten Song bietet: "Backlash Blues"

5. BEN - Ben (1400 - 1800 Euro)...angeblich nur 70 Exemplare verkauft damals...eher unverständlich für mich: Trotz allgemein eher schlechter Kritiken mag ich diese lockere und düdelige Jazz Platte sehr.

6. GRAVY TRAIN - A Ballad Of A Peaceful Man (1000 - 1200 Euro)...trotz gegenteiliger Kritiken: Mir gefällt das gleichnamige Debutalbum, das ebenfalls auf Vertigo Swirl veröffentlicht wurde besser, es rockt mehr als diese Zweite, die eher von leisen Klängen dominiert wurde

7. DR. STRANGELY STRANGE - Heavy Petting (800 - 1000 Euro)...ein hervorragendes Folkrock-Album mit einem grandiosen Gitarrensolo, gespielt vom später sehr erfolgreichen Gitarristen Gary Moore

8. CRESSIDA - Cressida (800 - 1000 Euro)...auch dieses Album ist eines der besten Werke des Labels, wobei die Zweite mit dem Titel "Asylum" noch einmal eine grosse Steigerung für die Band bedeutete - eines meiner Inselalben

9. GORDON WALLER - Gordon (800 - 1000 Euro)...angeblich praktisch 0 Verkäufe damals. Horrender Preis für eine Platte, die kaum hörenswert ist

10. APHRODITE'S CHILD - 666 (800 - 1000 Euro)...gerechtfertigter Preis, denke ich...das ist ein absolutes "Must Have" Meisterwerk der progressiven Rockmusik

In der neuen Ausgabe finden sich auch zahlreiche Hinweise und Erklärungen zu damals nicht oder dann auf anderen Labels veröffentlichten Platten, wie zum Beispiel der zweiten Solo LP von Ex-Manfred Mann Sänger Paul Jones, der bereits Stücke zu einem Album aufgenommen hatte, von der Plattenfirma auch schon eine Katalognummer zur LP reserviert erhielt (6360 075), die Platte dann aber im letzten Moment aus Gründen der offensichtlich zu erwartenden mangelnden Verkaufszahlen zurückgezogen wurde.

Ausserdem wird auf die bis anhin fehlende Katalognummer VO5 hingewiesen, welche für die Veröffentlichung der LP "Women And Children First" von ANCIENT GREASE reserviert war. Die LP sollte ursprünglich auf Vertigo Swirl mit dieser Katalognummer erscheinen, und zwar nicht unter dem neuen, inzwischen von der Band selber geänderten Namen ANCIENT GREASE, sondern noch unter dem alten Bandnamen STRAWBERRY DUST. Die LP wurde in der Folge als ANCIENT GREASE veröffentlicht bei Philips Records, es findet sich auf der Rückseite des Plattencovers noch der Hinweis "VO", was den damaligen Vertigo-Platten vorbehalten war.


Von sämtlichen Veröffentlichungen auf dem Vertigo Swirl Label sind die Plattencover abgebildet, ausserdem gibt es Abbildungen aller Variationen des Swirl Logos, Coverbilder der Vertigo Singles, sowie Auflistungen aller unter dem Swirl Etikett erschienenen Platten weltweit, säuberlich geordnet nach Katalognummern, inklusive rein regionaler Veröffentlichungen wie beispielsweise aus Indonesien, Japan, mehrerer südamerikanischer Länder und sogar aus Australien und Neuseeland. Zu allen Vertigo-Originalausgaben, insbesondere jenen, die in England und Deutschland veröffentlicht wurden, gibt es Wertangaben zur Ermittlung des ungefähren Marktpreises, wobei erfahrungsgemäss die Wert-Skala nach oben offen ist und bisweilen sogar wesentlich mehr für Exemplare in Bestzustand hingeblättert werden.
 
Dann kommt in dem Buch auch die Designerin Linda Nicol zu Wort. Sie ist die Graphikerin, welche damals das originale Vertigo Swirl Logo designed hatte. Ihre Geschichte rund um ihre Beschäftigung im Philips Mutterkonzern und die damit verbundene Gestaltung nicht nur des Vertigo Swirl Logos ist interessant nachzulesen.

Das Buch ist ein dicker Kauftipp für alle, die gerne in Lexika schmökern.
Für den Vertigo Swirl-O-Holic ist es quasi eine Neuauflage der Bibel :-)

SIMO - Let Love Show The Way (Provogue Records PRD 7476 2, 2016)

Kann man bei einem sogenannten 'Trend' überhaupt noch von einem solchen sprechen, wenn er fünf, sieben oder möglicherweise gar schon zehn Jahre anhält ? Die Rede ist vom sogenannten "Retro Rock", der spätestens seit dem Debutalbum der australischen Band WOLFMOTHER im Jahre 2005 in aller Munde ist, und seither als Etikett an Hunderte von Bands und deren Platten angeheftet worden ist. Ich persönlich halte diesen Begriff für ziemlich abgedroschen und auch kreuzfalsch, denn er suggeriert, dass da Musik präsentiert ist, die völlig out of fashion zu sein scheint. Ewiggestriges, Nostalgisches, Gewesenes, das nunmehr bestenfalls noch als billiger Abklatsch, als aufgeblasene Kopie eines längst vergangenen Originals reproduziert wird von Musikern, die "die gute alte Zeit" gar nicht miterlebt haben. Herrje, dabei ist doch genau das Gegenteil der Fall. Wie tot muss denn Rockmusik in den Augen dieser Kritiker gewesen sein, dass sie jetzt diesen Begriff "Retro Rock" erfinden müssen ? Die Rockmusik, wie ihn die Ü50 Generation erlebt hat, ist doch gar nicht tot. Sie war es nie. Der bluesig gefärbte Hard Rock der jüngeren Zeit ist lediglich ein bisschen näher an die Originale herangekommen, doch man kann sie trotzdem kaum mit ihnen vergleichen. Hier spielen junge Musiker das, was die heute Alten damals ebenfalls gespielt haben: Das, was sie in ihrem Rockerherz fühlen.

Es gab mal eine Zeit, da es Väter mit Stolz erfüllte, wenn ihre Söhne musikalisch auf den Spuren der elterlichen Jugend wandelten. Ich halte das für wenig schmeichelhaft, oder hättet Ihr damals die Musik Eurer Eltern anhören wollen ? Was in dem Zusammenhang vielleicht festgestellt werden kann ist, dass sich die Rockmusik, wie sie sie unsere Ü50 Generation noch erlebt hat, einfach bis heute gehalten hat, was uns eigentlich Freude bereiten müsste. Wenn eine Musikrichtung sich über eine so lange Zeit behaupten kann, ist dies vor allem ein Zeichen dafür, dass sie so gut und vor allem zeitlos ist, dass sich sogar noch eine nachfolgende Generation mit ihr identifizieren kann. Oder aber es hat sich wenig bis gar nichts getan in all den Jahrzehnten. Doch neuere musikalische Ausdrucksformen, stilistische Verschmelzungen und damit verbunden neue kreative Wege, die beschritten wurden, beweisen eher ein sehr innovatives Gegenteil.

Ich stelle hier natürlich vor allem Platten vor, die mich seit langer Zeit begleiten, allerdings bedeutet das nicht zwangsläufig, dass ich im Gestern verhaftet bin und Neuem gegenüber Scheuklappen aufsetze. Kritisch war ich in musikalischer Hinsicht nie, denn das bringt eigentlich gar nichts. Musik ist nicht gut oder schlecht - Musik spürt man, oder man spürt sie nicht. Auch die vermeintliche "Qualität" von Musik kann nicht diskutiert werden. Dem einen jubiliert das Herz bei einer Bach-Kantate, der andere erlebt die absolute Glückseligkeit bei einem Punk-Ausbruch der Sex Pistols. So what ? Das Leben wird jeden Tag immer wieder von neuem gelebt, und damit kommen auch täglich neue Klänge an unsere Ohren. Dass davon ungefähr 90 % als Störgeräusche wahrgenommen werden, war früher schon so, nicht erst heute. Wenn man sich aber die heutige Musikszene etwas genauer betrachtet, so stellt man fest, dass heute eine Zeit der Vielfältigkeit dominiert, die früher kaum möglich war. Die ganzen musikalischen Schubladen, in welche Bands und Musiker früher reingepröfft wurden, sind heute modernen leichtlaufenden klanglichen Rolladenschränken gewichen. Heute kann Jeder Alles machen, es herrscht die ultimative künstlerische Freiheit. Das reicht bis zur Veröffentlichung eines Tonträgers auf eigene (überschaubare) Kosten. Keine Spur mehr vom Diktat einer gnadenlosen Plattenfirma, dem man sich früher unterwerfen musste, keine überheblichen Produzenten mehr, die einem massregelten und gleichzeitig finanziell ausbeuteten. Heute kann Jeder sein eigener Produzent sein. Was dabei herauskommt, wird nachwievor ein kritisches Publikum beurteilen, wie das früher auch der Fall war. Die Guten geht man am Konzert besuchen, die Schlechten ignoriert man. So, nun genug philosophiert über "Retro Rock". Ich mag lieber von einer tollen Neuerscheinung sprechen, der Allerersten in diesem Musik Blog.

SIMO, das sind drei ausgefuchste Musiker, angeführt vom 1985 geborenen und in Chicago aufgewachsenen Sänger und Gitarristen J.D. Simo, der schon im Alter von gerade mal 15 Jahren in Phoenix Arizona eine hervorragende Live-EP produziert und von dieser immerhin 5000 Stück abgesetzt hatte. Sein Musikstil wusste einer breiten Hörerschaft zu gefallen und in den folgenden Jahren verbrachte er die meiste Zeit seines Erwachsenwerdens auf Tour, entweder als Solomusiker, oder aber mit diversen Bands, für die er  sein grosses Talent zur Verfügung stellte. Ab 2010 spielte er in seinem neuen Domizil Nashville Tennessee in einer fixen Trio-Besetzung zusammen mit Bassist Frank Swart und Schlagzeuger Adam Abrashoff zusammen. In dieser Besetzung konnte das Trio ihre erste Platte mit dem Titel "Simo" einspielen. Unter diesem Namen ist die Band seither auch aktiv. Nach einer Single ("Shake It", 2011) und einer weiteren Live EP ("Love Nr. 1", 2015) folgte im Januar diesen Jahres der zweite Longplayer "Let Love Show The Way", und damit eine erste, globusumspannende Veröffentlichung. Zur Band neu gekommen war in der Zwischenzeit Bassist Elad Shapiro als Ersatz für dessen Vorgänger Frank Swart.

Die Entstehung dieser CD ist eine Geschichte für sich und beweist sehr eindrücklich, mit welch hochkarätigen Musikern wir es hier zu tun haben. Simo hatten eigentlich alle Titel ihres zweiten Albums bereits eingespielt und fertig gemixt, als ihre Plattenfirma die Band noch einmal ins Tonstudio schickte, um ein oder zwei weitere Titel als eventuelle "Bonustracks" aufzunehmen. Stattdessen warf das Trio sämtliche bis dato aufgenommenen und zur Veröffentlichung vorgesehenen Songs über Bord und spielte innert weniger Tage eine komplett neue Platte ein. Diese Platte wurde in der Folge veröffentlicht. Dieser spontane Entscheid hat sich ausgezahlt: Die drei Musiker präsentieren hier ein Werk von spröder und schroffer Schönheit, gleichzeitig von enormer Wucht und unbändiger Kraft und die Spontaneität hört man aus jeder Note förmlich heraus. Die CD klingt, als hätte sich das Trio im Studio vorher kurz abgesprochen, was für Akkorde gespielt werden sollen und ist dann einfach aus dem Stegreif heraus vorwärts galoppiert. Das zu den Aufnahmen verwendete Vintage Equipment lässt die Platte denn auch ordentlich krachen. Hier wurden keine digitalen Klangerzeuger verwendet, um irgendeinen Pseudo-Druck aufzubauen, der von einer kalten Festplatte kommt. Nein, hier ist alles echt: Altes, edles Instrumentarium und genauso alte Verstärker und Lautsprecher wurden eingesetzt. Es rückkoppelt, es quietscht und pfeift, dass es eine Freude ist. Da schlägt jedes Rockerherz höher.

Auch die weitestgehend in ihrem Rohzustand belassenen Kompositionen sind erstklassig, es gibt keinen einzigen Durchhänger zu hören hier. Und das ist es, was die Klasse dieses Trios für mich definitiv ausmacht: Das sind keine strategisch aufgebauten Stücke, die in monatelanger Filigranarbeit ausgearbeitet wurden, das sind klobige und ungehobelte Rock-Klötze mit urgewaltigem Bizeps. Einige alte Meister sind ja immer noch musikalisch aktiv, und so drängen sich Vergleiche natürlich trotzdem auch auf. Womit kann man den Sound von Simo vergleichen ? Es fällt mir schwer, die alten Beispiele hervorzuholen, aber vielleicht Black Sabbath, Humble Pie, Mountain oder Cream ? Ausserdem eine Hardrock Variante von Duane Allman, mit dessen ehemaliger Gitarre J.D. Simo übrigens hier spielt ? Diese Beispiele können jedoch lediglich als Eckpunkte dienen, wenn es darum geht, diesen kraftvollen Rock mit Eiern zu umschreiben. Kompositorisch gibt es bei SIMO am Ende nämlich eher Songs, die von den zuvor Genannten nicht zugunsten eines allfälligen kommerziellen Gedankens teilweise kaputtarrangiert worden sind. Also wenn solche Vergleiche, dann vielleicht eher so: SIMO klingen, als hätten die genannten Meister ihre Songs in einem ersten Proberaum-Entwurf belassen und so in ihrem ursprünglich rohen und ungeschliffenen Zustand im Tonstudio eingespielt.

Zu den Tracks: Sie sind allesamt auf sehr hohem Grund-Niveau und liessen einen weiteren Ausbau ohne weiteres zu. Darauf verzichtet das Trio, lässt die Grundthemen weitgehend unbearbeitet und versteht Arrangements bestenfalls in den Variationen der konstruierten Soli. Das klingt alles extrem archaisch und ungehobelt, trotzdem phantastisch und fesselnd vom ersten bis zum letzten Ton. Die Platte wird eröffnet durch einen Blues Rock Knaller, dem SIMO ein groovendes Höllengewand verpassen: Den "Stranger Blues", ursprünglich einmal von Elmore James in abgewandelter Form erstmals in den 50er Jahren komponiert und gespielt, 1975 auch von Savoy Brown auf deren Album "Wire Fire" präsentiert. Ausser dem letzten Song, einem aus der Feder von den Duane Allman Protégees Scott Boyer & Tommy Talton unter dem Band-Banner COWBOY komponierten und 1971 veröffentlichten Song mit dem Titel "Please Be With Me" finden sich auf diesem herrlich vintage und dreckig klingenden Rockbrett ausschliesslich eigene Songs, die bis auf zwei Ausnahmen ("Please" und "I'll Always Be Around" von J.D. Simo) im Kollektiv komponiert worden sind. Die beiden überlangen Jams, in welchen die Band sich herrlich im anpsychedelisierten Rock verliert, sind am besten gelungen ("I'd Rather Die In Vain" und "Ain't Doin' Nothin'"), die über 10, respektive fast 14 Minuten gnadenlose Feedback-Orgien und variantenreiche instrumentale Improvisationen auf den Zuhörer loslassen.

Noch was zum Instrumentarium des Trios: Im Booklet der CD ist das gesamte Band-Equipment aufgelistet, das im Studio verwendet wurde. Zumindest diesbezüglich kann festgehalten werden: Mehr Retro geht wohl wirklich nicht. Und wenn man diese Sachen dann auch noch kennt, weiss man auch, wie die klingen...

J.D. Simo uses:

1960 Gibson Les Paul Custom
1958 Gibson Flying V
1959 Gibson Les Paul Standard
1957 Gibson Les Paul Goldtop formerly owned by Duane Allman
1959 Fender Stratocaster
1969 Marshall 4x12 Cab
1969 Marshall Super Lead 100 Watt Head
1974 Traynor YGM 1x12 Combo
1968 Vox Wah Wah

Elad Shapiro uses:

1973 Fender Jazz Bass
1973 Acoustic 370 Head
2 x Acoustic 402 Cabs with Original JBL Speakers
plus D'Addario Half Round Strings

Adam Abrashoff uses:

1978 Green Sparkle Ludwig Drum Kit with Pearl Snare & Zildjian Becken

Die Musikzeitschrift "Rolling Stone" meint zur Band: "SIMO spins soulful Psychedelic Blues Rock with an improvisational bent reminiscent of The Grateful Dead and Stevie Ray Vaughan". Naja, Grateful Dead halte ich für etwas sehr weit hergeholt. Was das Jammen angeht: Einverstanden. Aber die Musik ist dann doch von anderem Kaliber. Und Stevie Ray Vaughan ? Auch nicht: simo sind wesentlich härtere Rocker. Was mir persönlich noch in den Sinn kommt: Vanilla Fudge ohne Orgel. Das hat was. Jedenfalls bringen SIMO den rüpelhaften, bluesgetränkten Rock in seiner ursprünglichen, archaischen Form in unsere Gehörgänge zurück. Wenn die jetzt schon so lange zitierte Bezeichnung "Retro Rock" der Band hilft, noch viele weitere solcher musikalischen Highlights herauszuhauen, dann soll's mir recht sein. Dann kann ich mit diesem Etikett durchaus gut leben. Bin ich halt ein ewiggestriger SIMO-Fan. Mir doch egal.

MARK-ALMOND - To The Heart (ABC Records ABCD-945, 1976)

Der klassische Gitarrist Jon Mark und der Jazz-Saxophonist Johnny Almond spielten schon Ende der 60er Jahre bei John Mayall mit. Sie verhalfen mit ihren Darbietungen dem grossen Blues-Mentor zu einer insgesamt jazzigeren musikalischen Ausrichtung und steuerten mit ihren Arrangements nicht Unerhebliches zum Erfolg von John Mayall's Platten "The Turning Point", "Empty Rooms" und "Room To Move" (alle 1969) bei, auf welchen Jon Mark und Johnny Almond mitspielten.

Als Jon Mark mit Nicky Hopkins nach einem Album als SWEET THURSDAY nicht nennenswert erfolgreich war, tat er sich erneut mit Johnny Almond zusammen, um mit ihm das Duo, resp. die Band MARK-ALMOND ins Leben zu rufen. Der Saxophonist und Flötist Almond seinerseits hatte bis dahin zwei Soloplatten veröffentlicht, die er unter dem Namen THE JOHNNY ALMOND MUSIC MACHINE herausgebracht hatte. Mit ihrer gemeinsamen Band begann eine aussergewöhnliche Zusammenarbeit, die musikalisch eine wundervolle Ausgangsbasis bot: Klassischer Gitarrist mit eindeutig romantischem Faible und entsprechend säuselnd-warmer Stimme trifft auf Jazz-affinen Saxophonisten. Die beiden Musiker konnten stets hervorragende Mitmusiker um sich scharen, und ihre Alben sind allesamt hörenswert, weil sie alle denselben wunderbaren Stil-Mix bieten: Jazzig ausgerichtete Musik, die mal mehr mal weniger in Richtung progressiven Rock steuert und genauso viel Anteil an Folk Music beinhaltet. Den Folkanteil steuerte insbesondere Jon Mark bei, wenn er mit der akustischen Gitarre spielte. Ueberhaupt dominieren in der gemeinsamen Musik der Beiden oft jazzig klingende Keyboards und akustische Gitarren, und selbstverständlich auch immer wieder das Saxophon von Johnny Almond in all seinen Variationen.

1976 veröffentlichte das Duo die Platte "To The Heart". Zu den Musikern auf dem Album gehörten auch der Schlagzeuger Billy Cobham, Keyboarder Tommy Eyre, Greg Bloch (Geige); Gary Barone (Trompete und Flügelhorn); Jock Ellis (Trombone), Milt Holland und Jim Gordon (Perkussion). Auf dieser LP, welche von anspruchsvollen Jazz-Stücken bis hin zu verträumten und Pop-affinen Akustik-Balladen ein extrem breites musikalisches Spektrum bot, offenbarte sich die spielerische Vielfalt des Duos. Besonders Johnny Almond steuert hier zu jedem Stück das exakt passende Blasintrument bei, sei es die Alt Flöte oder eine der zahlreichen Saxophone wie Tenor-, Alt- oder Sopran Saxophon.

Mit dem zweiteiligen Medley "New York State Of Mind / Return To The City" eröffnen Mark-Almond diese Platte mit dem Stück "New York State Of Mind aus der Feder von Billy Joel, einem inzwischen zum Evergreen gewordenen Titel, der von zahlreichen Popmusikern gecovert wurde, so beispielsweise von Barbara Streisand, Elton John, Shirley Bassey und Tony Bennett und im Jahre 2001 zu trauriger Berühmtheit gelangte, als es Billy Joel im Gedenken an die Opfer des 11. September 2001 anlässlich des "Concert For New York City" spielte. Der zweite Teil "Return To The City" ist eine jammige Adaption eines ihrer Stücke mit dem Titel "The City", das sie Band einige Jahre zuvor veröffentlicht hatten.

Das ebenfalls zweiteilige "Here Comes The Rain" ist dem Contemporary Jazz gewidmet, ist leichtfüssig und im Uptempo-Bereich angesiedelt. Geschmeidig und sehr jazzig dominiert hier der weiche Gesang von Jon Mark und ein Songarrangement, das vor allem von den luftigen Piano-Sounds lebt, die viel lockeres Feeling verströmen. Ganz anders dann "Trade Winds": Das ist eine der typischen Jon Mark-Kompositionen von umwerfend schöner Eleganz. An sich ein rein akustisches Stück, gespielt mit der klassischen Akustik-Gitarre bietet das recht melancholisch ausgelegte Stück einen fröhlichen Mittelteil, der typisches Karibik-Flair einschiebt, bevor das Stück wieder in sich zusammenbricht und sehnsuchtsvoll zurückreduziert auf die akustische Gitarre ausblendet. Das die B-Seite der LP eröffnende "One More For The Road" zeigt folkige Klänge dank der von Johnny Almond gespielten Flöte. Bei diesem Titel kommt es zu einer sehr schönen Interaktion zwischen Flöte, dem Klavier und später der akustischen Gitarre von Jon Mark. Insgesamt erinnert dieses Stück sehr an vergleichbare Stücke aus früheren Alben. Es ist vielleicht jenes Stück auf der "To The Heart" LP, das Mark-Almond auf fast jeder ihrer Platten einmal in dieser Form präsentieren und vielleicht eines der typischen Stücke der Beiden bedeutet.

Hektischer Jazz in Reinkultur dann in "Busy On The Line", bei welchem Schlagzeuger Billy Cobham das Tempo forciert. Trotzdem bleibt auch dieses Stück total unterhaltsam, wirkt weder stressig noch anstrengend. Sogar in ihren anspruchsvollsten Momenten klingen Mark-Almond immer einnehmend und verlangen vom Zuhörer nichts ab, sonder nlassen ihn einfach mitschwimmen. Das abschliessende "Everybody Needs A Friend" kommt dann als gefühlvolle Klavier-Ballade daher, untermalt von einem ergreifend schönen Saxophone-Solo. Hier denkt man dann wieder daran, wie einfach es einem diese beiden hochkarätigen Musiker machen, in ihre Welt einzutauchen und perfekt unterhalten zu werden. Ihre Art von Musik wirkt nie streng, fordernd oder gar überfordernd, trotz anspruchsvoller, manchmal recht jazziger Grundausrichtung.

"To The Heart" ist von allen Mark-Almond Alben wahrscheinlich das Perfekteste. Für mich jedenfalls ist es seit jeher ein sogenanntes Insel-Album, also eine Platte, die ich auf eine einsame Insel mitnehmen würde.

WIPERS - Youth Of America (Park Avenue Records PA 82802, 1981)

Greg Sage vorzustellen ist vielleicht ein bisschen schwierig, denn bei allem, was der Gitarrist in vielen Jahren gespielt hat, steht dieses 1981 erschienene Album ziemlich einsam da, denn es bietet nicht den trockenen und ruppigen American Punk Rock, den der Musiker auf seinen anderen Platten üblicherweise abfeierte. Hier spielt er eine Art Progressive Punk Rock, treibende Rock-Salven, die recht anspruchsvoll und aussergewöhnlich ins Szene gesetzt sind und den üblichen 2- oder 3-Minuten Rahmen auch immer wieder sprengen. Man kann allgemein lesen, dass Greg Sage grundsätzlich zur typischen US-Punk Rock Gemeinde gehört, zu denen vor allem die bekannten Protagonisten Black Flag, Minutemen, Saint Vitus oder die Screaming Trees gezählt werden, doch Greg Sage ist um einiges vielseitiger interessiert. Er sprengt oft das enge Korsett des Punks, sucht nach neuen Ausdrucksmöglichkeiten, lässts seine Gitarre manchmal ein Eigenleben entwickeln, das stilistisch nicht eindeutig zuzuordnen ist, weshalb man den Mann bis heute nicht grundsätzlich auf den typischen Vertreter der Punk Musik reduzieren kann.

Sicher: Er hat viel Punkiges gemacht, er lärmte schon mal derart, dass man auch nicht mehr hinhören mochte. Und doch hat er im Jahre 1981 diesen einen sensationellen Meilenstein "Youth of America" hingelegt, der nicht mit seinen anderen Platten verglichen werden kann. Diese Platte dürfte meiner Meinung nach in keiner gut rockenden Plattensammlung fehlen, weil sie klar Grenzen überwindet, experimentell und trotzdem kompakt wirkt, klanglich die Räudigkeit des archaischen Punks mit dem grossen Pomp des progressiven Rocks verbindet und dadurch ziemlich alleine für sich steht.

"Youth of America" unterscheidet sich ziemlich vom sonstigen Platten-Ausstoss seiner Wipers. Die Platte klingt wesentlich differenzierter als andere Post-Punk Produktionen aus jener Zeit. New Wave entstand ja letztlich aus dem britischen Punk heraus, und Greg Sage ist ja ein Amerikaner. Die Amis konnten in jenen Tagen Bands wie "Television" oder "Talking Heads" ihr eigen nennen. Hier passt das Album "Youth of America" stilistisch auch sehr gut dazwischen, wenngleich es hier eher härter und schneller zu Werke geht - eine Art Ramones mit Anleihen beim progressiven Rock vielleicht.

Zum Zeitpunkt der Aufnahmen zu diesem genialen Album war es üblich, möglichst kurze Riffs zu spielen und dabei hart, laut und schnell zu agieren ("Discharge" ist da noch immer Spitzenreiter mit einem 13-sekündigen Song!!!). Ganz anders Greg Sage, der beispielsweise im über 10 Minuten langen, äusserst spannend aufgebauten "When It's Over" eine Art Boléro (Ravel) in Punk Rock präsentierte. Damit erntete er in Amerika zwar keinen üppigen Beifall, dafür aber in Europa. Hierzulande war man fasziniert von den Wipers, und ich frage mich noch heute, warum der Mann diesen einmal eingeschlagenen Weg später nicht konsequent weiterverfolgte. Greg Sage verkaufte in den Staaten jeweils nur mässig Platten. Auch "Youth of America" war alles andere als ein Kassenschlager. Heute jedoch höre ich oft, wie herausragend dieses Album damals doch gewesen sei. Viele Fans auch der anspruchsvolleren Klänge bezeichnen "Youth Of America" als einen der ganz grossen Geheimtipps schlechthin.

Das hat was für sich: Wenn man sich heute diese Platte wieder anhört, dann kommt es einem manchmal so vor, als hätte 25 Jahre lang kaum eine Band mehr eine gute Punk Rock Platte gemacht, oder zumindest nicht mehr auf so einem hohen kompositorischen Niveau. Wayne Kramer, der ehemalige Kopf der Gruppe MC5 vielleicht: Der bringt auch heute noch diesen unwiderstehlichen Groove, der einem immer wieder fesselt - dieses Rohe und Kernige, das trotzdem sauber durchkomponiert ist und nicht dem blossen Herunterdreschen von zwei Akkorden folgt.

"When It's Over" ist das herausragende Stück auf diesem phantastischen Album. 10 Minuten Geradeaus-Rock pur. Aufgebaut auf einem sich immer wiederholenden, völlig hypnotischen Gitarrenriff zeigt es einige Parallelen zum "Boléro"-Thema von Maurice Ravel. Quasi ein Ravel-Punk. "Taking Too Long" ist hypnotischer Rock, eigentlich ein richtiger Jam-Rock, der völlig losgelöst wirkt, dabei aber trotzdem immer straff strukturiert bleibt. Greg's Leadgitarre spielt hier - wie auf etlichen anderen Stücken des Albums auch -  eine äusserst prägnante Linie, die in den Gehörgängen kleben bleibt. "Pushing The Extreme" ist ein ultraschneller Punk Rock, fett gespielt und mit einem derart scharfen, schneidenden Flying V-Solo, dass es Dir die Zahnplomben aus der Knabberleiste sägt.

"Youth Of America": Der Titel-Track entstammt angeblich einem Traum von Greg Sage, in welchem er sich die Zukunft einer zunehmend orientierungslosen, von Kommerz zerfressenen Jugend vorstellt. Wie man heute sehen kann, zeigte er sich hier schon fast als sowas wie ein Visionär.

"Youth Of America" ist eines der leider ziemlich unbeachtet gebliebenen Alben eines Musikers, der Grenzen überwand innerhalb eines Musikstils, der sich sonst nur in sehr engen Grenzen bewegt. Leider erfuhr diese innovative Platte keine Fortsetzung, weshalb dieses Album sein musikalischer Geniestreich darstellt. Die Platte gibt es in zwei Coverausführungen, im Original bot sie ein Bild der Band im klassischen Black & White Look. Mir persönlich etwas zu rock and rollig und/oder waveig, was nicht unbedingt den Inhalt der LP reflektiert.