SARACEN - Heroes, Saints & Fools (Nucleus Records MPRGR 492, 1981)

Die dem progressiven New Wave of British Heavy Metal zugeordnete Band Saracen bestand aus Steve Bettney (Gesang), Robert Bendelow (Gitarre), Richard Lowe (Keyboards und Gesang), Barry Yates (Bass) und John Thorne (Schlagzeug). Musikalisch würde ich sagen, hatte die Band auf ihrem ersten Album jedoch eher den typischen Hard Rock beispielsweise von Magnum gespielt. Auch waren Saracen nicht wirklich typische Vertreter des aufkeimenden Metal Sounds der damaligen Zeit. Progressiver Hard Rock ist vielleicht die passendste Bezeichnung für ihren Stil. Diese musikalische Richtung indes wurde erst einige Zeit später salonfähig, weshalb man der Band Saracen durchaus ein Pioniergeist-Etikett verpassen kann.

Richard Lowe, Barry Yates und Robert Bendelow spielten schon Mitte der 70er Jahre zusammen in der Band LAMMERGIER einen symphonischen Rock, der sich erst gegen Ende der 70er Jahre veränderte, vor allem, als Sänger Steve Bettney zur Band stiess, zusammen mit John Thorne am Schlagzeug. Zu diesem Zeitpunkt änderte die Band ihren Namen um in SARACEN. Die Musik blieb weitgehend dieselbe, jedoch erhielten die Songs der Gruppe vor allem durch den neuen Gesang von Steve Bettney eine hörbare Annäherung an den aufkeimenden britischen Metal, zumal er mit seiner extrem hohen und glasklaren Stimme in die Nähe beispielsweise von Rob Halford, dem Judas Priest Sänger, rückte. Musikalisch allerdings fühlte sich die Band weiterhin dem progressiv gefärbten Hard Rock verpflichtet.

Nach einiger Zeit des intensiven Tourens begab sich die Band in ihrer neuen und inzwischen perfekt eingespielten Besetzung ins Studio, um ihre erste Langspielplatte aufzunehmen. Im Sommer 1981 spielte die Band die Aufnahmen in den Fairview Studios in Beverley (England) ein, welche im Oktober gemixt wurden. Die Platte erschien noch im selben Monat auf dem kleinen Independent Label Nucleus Records, es dauerte aber nicht lange, und die Gruppe erhielt einen Plattenvertrag mit dem renommierten Polygram Label. Die Single "No More Lonely Nights" erschien und die Band begann erneut zu touren, was der Werbung für das Album "Heroes, Saints & Fools" durchaus zugute kam: Es erreichte die Top 50 in England - für ein Debutalbum in diesem musikalischen Bereich ein absoluter Achtungserfolg!

Leider musste der Bassist Barry Yates schon kurz nach der Veröffentlichung der Platte die Band gesundheitsbedingt verlassen. Er wurde ersetzt durch den neuen Bassisten Jason Gardner, der ihn adäquat ersetzen konnte. Saracen wurden Dauergast in der populären "Friday Night Rock Show" von Tommy Vance, was der Band auch die Live-Aufnahme einer Radio Session im Januar 1982 einbrachte.

Das Album "Heroes, Saints & Fools" präsentiert eine Handvoll ganz toller Rock Songs, von denen vor allem die Longtracks "Crusader", das Titelstück und "Ready To Fly" wohl die Herausragendsten sind. Hier finden sich etliche Passagen, die klar aus dem progressiven Rock stammen, die Stücke wirken stellenweise sehr episch, aber auch etwas Pomp Rock schimmert ab und zu durch, der dann beispielsweise an Bands wie Aviary erinnert. Insgesamt sind die Stücke lebendig aufgenommen, verströmen viel Live-Charakter, was nicht erstaunlich ist, denn die ganze Platte wurde in nur vier Tagen eingespielt und in lediglich fünf Stunden abgemischt, weshalb nicht nur die Stücke selber, sondern auch der Mixdown recht spontan und live-mässig klingt, was der Platte sehr gut getan hat, da sie dadurch sehr packend und direkt auf den Zuhörer wirkt.

Eine zweite Single wurde veröffentlicht. "We Have Arrived" erreichte jedoch nicht den gewünschten Erfolg und nachdem im Winter 1983 Schlagzeuger John Thorne und - vor allem entscheidend - der stilbestimmende Gitarrist Rob Bendelow die Band verliessen, gelang der Gruppe kein ebenbürtiger Nachfolger mehr, als sie diesen beim neuen Plattenlabel Neat Records veröffentlichen konnte: "Change Of Heart" bedeutete auch stilistisch eine Veränderung, leider nicht im positiven Sinne und markierte einen grossen Rückschritt gegenüber dem Debutalbum. Noch zwei Jahre lang versuchte die Band, den Erfolg halten zu können, was jedoch nicht gelang und sie sich Mitte 1985 folgerichtig trennte. Erst fast 20 Jahre später, im Jahre 2003, kamen die Musiker wieder zusammen und spielten ein Reunion-Album mit dem Titel "Red Sky" ein. Musikalisch hatte das Album sein Haupt-Augenmerk auf den Stil des Debutalbums gelegt: Es wurden einige Stücke nochmals neu eingespielt und einige andere Stücke neu dazugenommen. Der Erfolg blieb sehr überschaubar, nennenswerter Erfolg stellte sich jedoch nicht ein.

"Heroes, Saints & Fools" allerdings ist ein stiller Klassiker geblieben. Ein Album für den echten Rock-Connoisseur, bei dem eigentlich alles stimmte: die Qualität der Musik, ein starker Sänger mit hohem Wiedererkennungswert und eine Handvoll kompetenter Musiker, denen leider das Glück nicht beschieden war, mehr als nur ein Album auf so einem hohen Niveau abzuliefern.

ANDY FAIRWEATHER-LOW - La Booga Rooga (A&M Records 68328, 1975)

Im musikalischen Leben des Andy Fairweather-Low war irgendwie immer eine Wand, gegen die der hervorragende Sänger, Gitarrist und Komponist lief. Egal, was er machte, und egal, wie gut es herauskam: Ein grösserer Erfolg wollte sich einfach nie einstellen. Folgerichtig wurde er irgendwann zum "Sideman", also zum Begleiter eines wirklich grossen Musikers: Eric Clapton. Als Gitarrist in dessen Band durchlebte er seine erfolgreichsten Musikerjahre. Vor einigen Jahren dann öffnete er ein weiteres eigenes Kapitel in seiner Musiker-Biographie, war wieder selbständig unterwegs und wieder setzte das ein, was zuvor bei ihm üblich war: Hervorragende Musik, die keiner kauft. Schade.

Dabei hatte doch alles so gut angefangen damals in den 60er Jahren, als Andy Fairweather-Low in der Rolle des hochgefeierten Teenie Idols mit seiner Band "Amen Corner" quasi Hit an Hit reihen konnte, die noch heute fast Jeder kennt: Der "Gin House Blues", "Half As Nice" oder "Hello Susie" zum Beispiel. Einige Jahre galten Amen Corner neben den Hollies und den Fab Four als eine der führenden Poprock-Bands in England. Als gegen Ende der Dekade jedoch progressivere Klänge angesagt waren, teilte sich die Band Amen Corner 1969 in zwei Hälften: Die eine Hälfte, vor allem die Bläser-Sektion gründete die Gruppe "Judas Jump", spielte ein hochgelobtes Album ein und verschwand in der Versenkung. Die andere Hälfte blieb der Melodieseligkeit treu und nannte sich schlicht "Fairweather". Beim progressiven RCA-Unterlabel Neon Records waren sie der erste Act, der ein Album veröffentlichen konnte ("Beginning From An End", Neon Records NE1) und damit schon alleine dadurch zum Scheitern verurteilt, weil Fairweather alles andere als progressiv waren. Das war ein klarer, wenn auch ungewollter Schuss hintenraus, obwohl sich mit der als Single ausgekoppelten Nummer "Natural Sinner" sogar erneut ein Top 10 Hit ergab. Leider war Andy Fairweather-Low mit seiner neu formierten Band aber offensichtlich zu vielseitig ausgerichtet, als dass sich da noch ein Nachfolger für diese Single finden liess, die in eine ähnlich melodieverliebte Richtung gehen würde, weshalb die Plattenfirma die Band nach einigen weiteren Aufnahmen, die letztlich unveröffentlicht blieben (Jahrzehnte später allerdings auch einmal offiziell nachgereicht wurden), in die Wüste schickte. Ein Auf Hansa Records im Jahre 1972 in Deutschland veröffentlichtes zweites Album mit dem Titel "Let Your Mind Roll On" blieb völlig unbekannt. Es wurde ausser in Deutschland nur noch in Italien aufgelegt.

In der Folge komponierte Andy Fairweather-Low eifrig neue Songs, war in die ersten Aufnahmen der Band Foghat involviert und half deren damaligem Produzenten Dave Edmunds dabei, Songs zu veredeln und mitzugestalten. Da sich sowohl im Falle von Foghat, als auch bei Dave Edmunds schon bald zählbare Erfolge ergaben, wurde man wieder auf Andy Fairweather-Low aufmerksam und die Plattenfirma A&M Records nahm den Künstler unter Vertrag. Der Musiker ging nach Nashville, nahm dort mit dem Titel "Spider Jiving" ein Country Rock Album auf, das in seiner Vielseitigkeit exakt dem entsprach, was Andy Fairweather-Low schon seit Jahren praktizierte - und wurde von den Kritikern verrissen als ein zusammenhangsloses Werk ohne jeglichen roten Faden. Das ist natürlich besonders deswegen enttäuschend, weil das Album extrem gut ist, aufgrund der negativen Kritiken aber natürlich kaum verkauft werden konnte. Der unermüdliche Songschreiber liess sich durch diesen erneuten Misserfolg indes nicht entmutigen und begann kurze Zeit darauf mit den Arbeiten am nächsten Album "La Booga Rooga". Diesmal setzte er auf den Top-Produzenten Glyn Johns (The Who, Rolling Stones, Eagles) und scharte eine handverlesene Mannschaft aus absoluten Top-Musikern um sich, um mit ihnen 10 hervorragende Titel einzuspielen, die zwar noch immer relativ vielseitig waren, aber als Ganzes auf jeden Fall besser funktionierten, zusammenhängender wirkten als noch auf dem Vorgänger "Spider Jiving". 

Der Song "My Bucket's Got A Hold In It", ein Remake eines Titels aus den 30er Jahren, der von Cole Porter zum Hit und später zum Evergreen wurde, eröffnete in allerfeinster Country-Manier dieses Album und schon dieser Titel geriet zu absoluter Perfektion dank der kompetenten Musiker wie dem Pedal Steel Gitarristen B.J. Cole, den Gastsängern Joe Egan und Gerry Rafferty (Stealer's Wheel) und des herrlichen old fashionned Klaviers von John "Rabbit" Bundrick. Eine von Saxophonist Jimmy Jewell angeführte Bläser-Gruppe dominierte das nachfolgende "Jump Up And Turn Around" und für das herzzerreissende Liebeslied "Halfway To Everything" im Walzer-Rhythmus sorgten die ehemaligen McGuinness Flint-Musiker Benny Gallagher und Graham Lyle mit Akkordeon und Mandoline und dem Klavier von Georgie Fame für romantische Schunkelstimmung.

Im Titelstück "La Booga Rooga" wurde Reggae-Rhythmus eingebaut, den der Musiker Rabbit mit seiner Hammond Orgel zu einem der musikalischen Highlights des Albums machte und die beiden wiederum dem Country Rock frönenden Stücke "If That's What It Takes" und "8 Ton Crazy" erhielten ihren Glanz durch die fröhlich klingenden Instrumental-Arrangements von Gallagher & Lyle. Mit "Wide-Eyed And Legless" folgte dann auch noch ein Song, bei welchem Bernie Leadon mitspielte. Der Song erschien auch als Single und spielte sich ebenso wie der noch vom Vorgänger-Album "Spider Jiving" ausgekoppelte Track "Reggae Tune" in die Top 10. Zwar verkaufte sich die LP "La Booga Rooga" nicht so gut wie erhofft, aber die beiden Singles ermöglichten Andy Fairweather-Low immerhin eine kontinuierliche Weiterarbeit und die entsprechende Finanzierung seitens der Plattenfirma, die nachwievor auf den grossen Hit wartete und diesbezüglich durchaus optimistisch war.

"Be Bop N'Holla" erwies sich allerdings ein Jahr später als Flop, obwohl auch dieses Album wieder dieselbe äusserst angenehme und vielfältige Mixtur aus Pop, Country Rock, afro-kubanischen Rhythmen und Reggae-Flair bot. Wiederum schrieben die Kritiker eher durchwachsene Kritiken, was zur Folge hatte, dass die Verkaufszahlen unter den Erwartungen blieben. Danach verlor Andy Fairweather-Low seinen Plattenvertrag, spielte die nächsten paar Jahre hauptsächlich als Studio- und Gastmusiker für und bei Gerry Rafferty, Julie Covington, die Albion Band, The Who und Roy Wood, bevor er nach einem weiteren LP-Debakel mit dem Titel "Mega Shebang", das die Reihe hochkarätiger, aber schlecht verkäuflicher Alben fortsetzte, seinen festen Platz in Eric Clapton's Band als dessen Rhythmus-Gitarrist fand.

SHAPE OF THE RAIN - Riley, Riley, Wood & Waggett 

(RCA Neon Records NE7, 1971)

Ein höchst schlichtes, bräunliches Cover - die vier Bandmitglieder lümmeln vor einer altertümlich-düsteren Häuserfassade rum - passt zwar irgendwie gut zum Titel, aber nicht unbedingt zum Inhalt, beherbergt es doch eine der schönsten Gitarrenrockscheiben, die man sich anhören kann. Das originale Bild stammt von Keef, einem der legendären Plattenhüllen-Designer der 70er Jahre. Die Platte erschien auf dem RCA Unterlabel Neon Records, elches gerade mal 11 Alben veröffentlichte und danach gleich wieder eingestellt wurde. Dabei gerieten die 11 auf dem Label veröffentlichten Platten durchaus sehr unterschiedlich. Shape Of The Rain dürfte wohl eine der Besten gewesen sein.

Besetzung

Keith Riley: 6 & 12 String Guitars, Vocals
Len Riley: Bass, Maracas
Brian Wood: 6 & 12 String Guitars, Steel Guitar, Vocals
Tag Waggett: Drums, Maracas, Tambourine
Eric Hine: Electric Piano

Im Original 1971 auf Neon erscheinen bietet diese Platte wunderbaren lebendigen und gänzlich unverbraucht wirkenden, perlenden Gitarrenrock, randvoll mit hitverdächtigen Melodien. Das Quartett stammte aus dem britischen Chesterfield und die Musiker waren miteinander verwandt.

Die Band stammte aus Sheffield, wurde 1964 gegründet von Keith Riley, seinem Bruder Len Riley, Brian Wood und Ian Waggett. Sie nannte sich erst The Gear und danach The Reaction. Die Band spielte einige professionelle Aufnahmen in Nottingham im Jahre 1966 ein. Aber erst das Album "Riley Riley Wood and Waggett" 1971 machte sie bekannter. Ihre darauf präsentierte Musik war ein wunderschöner Mix aus typisch amerikanischem Westcoast und britischem Progressive Folk(-Rock), den sie auf ihre ganz eigene Art spielte. vor allem durch den Einsatz von 12-saitiger Gitrarre und der bluesigen Slide Guitar hob sie sich von anderen Bands aus diesem musikalischen Bereich ab, was sie insgesamt sehr attraktiv machte und was den Songs diese einzigartige Note gab.

Die Band war live vor allem als Vorgruppe gerne und oft gebucht, spielte in den grossen Häusern der damaligen Zeit, wie dem Marquee Club in London, dem Cavern in Liverpool und in Manchesters' Hard Rock und Magic Village. Dabei traten sie als Support Act unter anderem für Pink Floyd, Jethro Tull, Free, Fleetwood Mac, Love und Joe Cocker auf.

Es ist bemerkenswert, wie zeitlos das leider einzige musikalische Werk der Gruppe selbst nach 4 1/2 Jahrzehnten noch immer wirkt. Das ist zeitlose Musik im wahrsten Sinne.

Sämtliche Stücke sind von einer derartigen Klarheit und manche von einer genialen Einfachheit, dass man sie kaum mehr aus dem Kopf kriegt (wenn man das überhaupt will…) und den ganzen Tag vor sich hinsummen könnte (besonders das zauberhafte "Patterns" krallt sich in den Gehörgängen fest). Andere Titel, wie z. B. das etwas rockigere "Yes" bringen irgendwie auf eine zunächst sanfte, aber dann stetig sich steigernde Art alles zum schwingen. Pure Magie. Teils blitzt hier und da etwas Westcoast-Feeling auf, etwa wenn die Steel Guitar zum Einsatz kommt, andererseits kommt aber auch typisches britisches Folkrock-Flair zum Tragen, beispielsweise beim Stück "Woman" oder bei "Broken Man", einer riffigen, perlend rockenden Nummer. Alles jedoch stets total unaufdringlich und vollkommen natürlich fliessend, mit einer Lockerkeit gespielt, die man nur schwer beschreiben kann.

Bis auf das etwas verspielte "Rockfield Roll", das mittendrin abreisst, und wohl auch eher als kleiner musikalischer Gag gedacht war, sind alle Stücke kompositorische Leckerbissen und bieten insgesamt mehr Rock als Folk-Anteil, weshalb man sie meiner Meinung nach weder mit typischen Folkbands, noch mit Rockbands vergleichen kann. Shape Of The Rain hatten ihren ganz eigenen Sound.

Aufgenommen wurden die Stücke in den legendären Rockfield Studios in Monmouth vom exzentrischen Kingsley Ward und produziert hatte die Platte Eric Hine, der ehemalige Mellotron-Spieler der britischen Psychedelik Rockband Simon Dupree & The Big Sound ("Kites").

Leider wars das dann auch gewesen für Shape Of The Rain: Die Band existierte wohl noch eine Weile, ohne dass sie jedoch weitere Plattenaufnahmen einspielte und verschwand danach auf Nimmerwiedersehn.

ROBERT RANDOLPH & THE FAMILY BAND - Live At The Wetlands 

(Dare Records DR001, 2002)

Robert Randolph. Diesen Namen hatte ich noch nie gehört, bevor ich mich in meinem Urlaub 2002 in Florida im schönen St. Petersburg in einen kleinen Plattenladen verirrte. Wie ich da so in den Regalen kramte, ohne nach etwas Bestimmtem Ausschau zu halten, lief im Laden diese Live-CD, und je länger die lief, umso mehr dachte ich so für mich: Hm, das klingt interessant. Das klingt vor allem nach Musik, die ich in dieser Form noch nie gehört habe. Das ist eindeutig eine Pedal Steel Guitar, aber da wimmert ansonsten rein gar nichts wie mir vertraute Countrymusik. Vielmehr kracht hier eine Band einen knalligen Jam-Sound, der extrem vorwärts peitscht und irgendwo im Blues-, resp. im schnellen Boogie-Bereich angesiedelt ist.

Wie ich dann die CD in den Händen hielt, fiel mir als Erstes das Band Line-Up auf: Da waren Bass, ein Keyboard, ein Schlagzeug und der Bandleader Robert Randolph - nein, nicht an der Gitarre, sondern an der Pedal Steel. Und dann das Foto: Ein Schwarzer an der Pedal Steel. Das war schon mal ziemlich aussergewöhnlich. Wer nun aufgrund der Instrumentierung eine Mischung aus Kuhfladen und Na$hville erwartete, lag wie ich völlig falsch. Was Robert Randolph aus seiner Pedal Steel herausholte, hatte mit Country gar nichts zu tun und haute mich ziemlich aus den Socken.

Die Presse schrieb damals über diesen aussergewöhnlichen Musiker und seinen auf CD gebannten Auftritt Folgendes: "Robert Randolph - Winner of the 2002 Newcomer Award - is an artist who has received some of the greatest critical acclaim in memory. on his new live album recorded at the fabled new york club "wetlands", the 24-years-old resurrects the spiritual fervor of gospel, gutbucket soul of the blues, earthy power of R&B and raucous energy of rock to create a foot-stomping roof-raising rave-up that has fans begging for more."

Robert Randolph zog zuvor schon seit geraumer Zeit im Umfeld von Widespread Panic, Gov't Mule und Ween herum, kam jedoch bei Performances nie über das Etikett "Achtungserfolg" hinaus. Dies änderte sich schon kurze Zeit nach der Veröffentlichung dieser Live-CD, denn die Plattenfirma Warner Brothers hatte sich Randolph und seine Familie bald unter den Nagel gerissen, und es war nur eine Frage der Zeit, bis die erste Studio-Scheibe erschien, und nach ihr einige weitere. Eine Tournee zusammen mit Eric Clapton verhalfen ihm schliesslich zum internationalen Durchbruch und er ist inzwischen ein Garant für klasse Live-Konzerte und gern gesehener Gast an vielen Open Airs. Seine Auftritte sind ganz spezielle Attraktionen, weil er stets mit einer unglaublichen Dynamik und Energie zu Werke geht, sein Publikum stets stark einbindet und so wahre Happenings abfeiert.

Sein Debutalbum, das ungewöhnlicherweise eine Live-Platte ist, bietet 6 Songs mit über 70 Minuten Spielzeit und sprüht vor Energie und Spielfreude, und dies auf musikalischem Top-Niveau. Sie zieht mich bis heute in ihren Bann, jedesmal, wenn ich sie mir auflege. 

"Ted's Jam", erster Song - 13 Minuten engagiert jammender "Phish"-Groove. Nein, nicht Grateful Dead-gemütlich, sondern rhythmisch packend und immer wieder wild und peitschend, dabei immer mit satter Bodenhaftung. "Shake Your Hips" - der bekannte Klassiker im 10 Minuten-Stretching. Der Grundgroove nimmt dich sofort, du erinnerst dich gleich an "La Grange" von Z.Z. Top, und all die geilen vermeintlichen "Gitarren"-Solis schletzt Robert Randolph auf seiner Pedal Steel hin. Das ist wirklich einmalig. "I Don't Know What You Come To Do" - Robert erklärt dem Publikum, wie man richtig "footstompen" tut. Das ist Party pur, Fun mit der Präzision eines Schweizer Uhrwerks und einer unglaublichen Power. Schliesslich: "Tears Of Joy" - Robert und seine Family Band verabschieden sich in bester Soul-Tradition, ein bisschen Donny Hathaway, etwas Stuff, trotzdem bluesig, und natürlich auch endlich einmal richtig weinerlich, diese Pedal Steel, so, wie man sie sonst ja vomn all den wimmernden Country-Schnulzen kennt. Zum Abschluss nach all dem Highway also auch noch ein bisschen Prärie.

Da Robert Randolph auf den nachfolgenden Platten immer einen starken Bezug zum Funk zeigte, muss auf jeden Fall erwähnt werden, dass "Live At The Wetlands" keine Funk-Gruppe präsentiert. Das Trio rockt hier das Haus mit wahrhaftiger "Footstomping Music".

JANUS - Gravedigger 

(EMI Music Germany 50999 9 75455 2 1, 2013 / Originalaufnahmen von 1972 & 2012)

Immer schon eines meiner Alben für die einsame Insel, und auch eines, an das ich mich schon was den Kauf der originalen Langspielplatte angeht, immer erinnern werde. Das Original auf Harvest Records Germany (1 C 062-29 433, 1972) war schon vor über 35 Jahren kaum bezahlbar. Nachdem mich mein langjähriger Musikkumpel Randy Monk damals schon mit einer Tonbandaufnahme des Albums verführt hatte, gab es bei mir nur noch die Hoffnung, diese Platte eines Tages mal zu besitzen. Dann fand ich mich irgendwann im Plattenladen von Randy Monk wieder, wo gerade sein Geschäftspartner Yves mit einer frischen Ladung Platten-Raritäten von einer deutschen Plattenbörse zurückgekommen war. Als Stammgast und Freund durfte ich natürlich gucken, und dann packte Yves diese LP aus seinem alternativen "Atomkraft - Nein Danke" Stoffbeutel raus. An den Beutel kann ich mich noch genau erinnern, mit solchen Dingern lief damals ja bald jeder rum. Mir fiel buchstäblich das Herz in die Hose.

Das Original auf EMI Harvest Records Deutschland (1C 062-29 433), in perfektem neuwertigen Zustand - Hülle wie LP, samt Innersleeve ohne nennenswerten Abnutzungen, als wäre sie neu und praktisch unangetastet jahrelang in einem Schrank versteckt gewesen. Ich durfte sie in meinen Händen halten und Yves legte sie dann auch im Laden auf - für alle Kunden zum Mithören, und zwar nicht die A-Seite, wie sich das gehört, sondern gleich die B-Seite mit dem gleichnamigen über 20 Minuten langen Titelstück, das mich seit dem ersten Hören nicht mehr losgelassen hat. Ich war hin und weg. Und als nach einer gefühlten Ewigkeit endlich der Sänger anstimmte, sang ich gleich mit..."Gravediggers Arm is waiting for you"...dabei lag die LP-Hülle auf dem Verkaufstresen und daneben das in der LP enthaltene schwarz/weiss Faltposter der Band, heute wohl auch bei Ebay-Angeboten des Originals stets fehlend.

Letztlich leierte ich Yves die LP aus dem Kreuz, nachdem ich gefühlte Stunden lang wie ein Süchtiger, der nach seinem Stoff hechelt, darum gebettelt hatte und es ist bis heute die LP, für die ich am meisten habe bezahlen müssen: Auf heutige Verhältnisse umgerechnete 100 Euros wollte er dafür. Natürlich ein totaler "Freundschaftspreis", das versteht sich doch von selbst. Seit 1981 steht das Original jetzt bei mir, hat einen unstaubbaren Ehrenplatz in einem dicken Hüllen-Panzer aus Kunststoff und wird schon lange nicht mehr aufgelegt, sondern nur noch ab und zu herausgezogen und bekuckt, beschnuppert und begutachtet.

Ein paar Jahre später kam die LP dann endlich auch mal als CD heraus, und zwar auf dem für seine teils unsäglich schlechten LP-Ueberspielungen bekannten Berliner SPM Label, eigentlich einem Bootleg-Label, welches das Album aber trotzdem gar nicht mal schlecht erklingen liess, da es doch als vielleicht einzige CD dieses Labels von irgendwelchen Tonbändern überspielt worden war (CDF 670362, erschienen 1988). Diese CD besass ich mangels offiziellem CD-Release und besserer Ueberspielung drei Jahre lang. Dann kam - ebenfalls wieder aus dem Hause SPM, diesmal unter der Flagge WWR (World Wide Records), was letztlich dasselbe Bootleg-Label war - eine neuerliche CD-Variante heraus, dieses Mal angereichert durch zusätzliche, auf dem originalen Album nicht enthaltene Bonustracks. Diese CD-Variante besitze ich bis heute, und erstaunlicherweise hört sich die auch richtig gut an (SPM WWR-CD-0035). Das Bestmögliche, was zu kriegen war halt. Und obschon ein Bootleg, musste ich das Ding einfach haben - ich konnte nicht anders. Ich kaufe sonst eigentlich grundsätzlich nie Bootlegs oder nicht koschere Platten, bei denen man schon fast dran tippen kann, dass die Rechteinhaber - allen voran die Musiker und Komponisten der Werke - keine Entschädigung erhalten.

Das ist vielleicht, wie wenn ein Whiskeykenner seinen geliebten Single Malt nicht kriegt, und darum notgedrungen auf einen Bourbon zurückgreifen muss...nicht wegen des Geschmacks, sondern wegen der Sucht....Diese CD Version wurde wie gesagt erstmals angereichert mit Bonus Tracks, und zwar mit Einspielungen, die vielleicht nicht grad erstklassig waren, ausser dem Track "Yesterday Has Turned To Shapeless Life" vielleicht, von dem es da zwei Versionen zu hören gab: Eine gesungene und eine instrumentale. Diese in den 80er Jahren entstandenen Titel passten denn auch nicht wirklich zum Gesamtbild der auf der originalen LP enthaltenen Tracks. Diese Version der CD muss man aber wohl trotzdem behalten, denn auf dem hier nun vorgestellten neuerlichen Remaster von 2013 sind diese Stücke nicht enthalten.

Das im Titel referenzierte 2013er Remaster nun: Das ist schlicht ein Meilenstein guter Musik. Erstmals kriegt man auf einer Doppel-CD die ganze LP remastered, von wirklich aussergewöhnlichem Klang, der vor allem im 20 Minuten langen Titelstück zum tragen kommt, weil das Stück fast ausschliesslich aus ruhigen, spärlich instrumentierten Passagen besteht. Der originalen CD folgt auf der dem Package beigelegten Bonus CD die gesamte originale Platte noch zusätzlich in neuen "Remixen". Mache ich sonst um solche nachträglich veränderten Songs einen weiten Bogen, komme ich hier aus dem Staunen nicht mehr heraus. Da wurden Streicher dazugenommen, die bei der ursprünglichen Fassung zwar schon geplant, aber nicht realisiert werden konnten, weil dies zeitlich nicht umsetzbar war damals, und weil vermutlich auch das Budget dafür letztlich nicht ausreichte. Man muss wissen, dass die gesamte originale LP damals in rasanten 16 Stunden im EMI Electrola Tonstudio Maarweg in Köln aufgenommen wurde. Das alleine ist zwar noch kein gesichertes Indiz für eine hohe Qualität sowohl der Musiker wie der Songs. Es zeugt eher vom schmalen Budget einer Band, der damals oft nur wenige Stunden oder bestenfalls einige Tage Studiozeit zur Verfügung standen, um sämtliche Aufnahmen für eine Platte einzuspielen. Im Falle von Janus jedoch brachte das einen relativ grossen Live-Charakter in die Stücke, manches wurde auch nur wenige Male gespielt, bevor es auf Band verewigt worden war. Dadurch wirkt die Musik auf "Gravedigger" jederzeit recht spontan und von "live"-artigem Charakter.

Alleine die neue (alte) Remix-Version des Titelsongs lohnt den Kauf dieser bislang aktuellsten Variante des Album als hochoffizielle Doppel-CD Edition, dies auch deshalb, weil diese Remixe nicht von irgendeinem technikgeilen Neuzeit-Freak gebastelt wurden, sondern von den originalen Bandmitgliedern, allen voran dem Gitarristen Colin Orr, der die Gelegenheit nutzte, die Stücke so zu arrangieren, wie sie damals eigentlich für die Endfassungvorgesehen gewesen wären, hätte die Band genügend Zeit und Budget gehabt.

Zusätzlich zum originalen Album in den zwei Varianten "Remaster" und "Remix)" enthält diese Doppel-CD noch die saurare 1972er Single "I´m Moving On" samt B-Seite "I Don´t Believe You", sowie zwei Tracks, von denen die ursprünglichen Master-Tapes verlorengegangen waren: "Suma Manatilly" und "Sinful Sally". Diese beiden Titel hat die Band 2012 deshalb noch einmal neu eingespielt, auch, weil sie damals Bestandteil ihrer Live-Shows waren. Zur Neuaufnahme des Stücks "Sinful Sally" gesellte sich an den Keyboards auch noch Hans Jürgen Fritz (besser bekannt als "Porky" von der Gruppe Triumvirat).

"Gravedigger" ist für mich ein Album für die Ewigkeit.

 

GONG - Radio Gnome Invisible Trilogy 

(Charly/BYG Records E 178, 2015 - Originalaufnahmen von 1970-1974)

Diese Trilogie der Gong Alben aus der Radio Gnome Invisible Reihe ist nicht neu. Es gab bereits früher alle drei Alben als zusammengefasstes Set zu kaufen. Allerdings gibt es in der im November 2015 noch einmal aufgelegten Variante nebst der ansprechenden Sammler-Aufmachung alle drei Platten klanglich neu bearbeitet, wodurch die Original-Aufnahmen soundtechnisch eine merkliche Verbesserung erfahren haben. Ausserdem gibt es zu dem Set eine vierte CD mit Alternativ-Versionen, wenig bis nie gehörten Stücken, sowie eine restaurierte Fassung der sehr seltenen und äusserst gesuchten Debut Single-Veröffentlichung der Gruppe um Daevid Allen mit dem Titel "Est-Ce Que Je Suis ?" und der B-Seite "Hip Hypnotise You", welche im Jahre 1970 lediglich in Frankreich auf dem BYG-Label erschienen war.

Die Alben "Flying Teapot" (Mai 1973), "Angel's Egg" (Dezember 1973) und "You" (Oktober 1974) zählen zu den besten Alben von Gong, einer Gruppe um den Mastermind Daevid Allen, der, 1938 in Melbourne geboren, Ende der 50er Jahre, inspiriert durch damals zeittypische Beatnik-Literatur nach Europa übersiedelte. Ueber Griechenland fand er den Weg nach Frankreich, wo er sich in Paris auf den Spuren seiner Lieblingsautoren in deren Hotelzimmer einquartierte - einem Zimmer, das zuvor von Allen Ginsberg und Peter Orlovsky bewohnt worden war, zweier herausragender Schriftsteller der sogenannten Beat Generation. Allen begann schon während seines Aufenthaltes in Frankreich zu musizieren, denn er lernte dort den später sehr erfolgreichen Musiker Terry Riley kennen, tüftelte mit ihm erste experimentelle Gehversuche aus, bevor er nach England reiste, wo er sich ab 1961 als Sänger und Gitarrist nach Mitmusiker umsah. Mit dem Sohn seiner Vermieter gründete er seine erste Band. Es handelte sich um den Schlagzeuger Robert Wyatt und den Bassisten Hugh Hopper, welche das Daevid Allen Trio bildeten, aus welchem später die Formation Soft Machine hervorging.

Unter der Verantwortung von Produzent Giorgio Gomelsky absolvierte die Gruppe Soft Machine im Jahre 1967, ein Jahr nach ihrer Gründung, zahlreiche Auftritte in Europa, so etwa in Deutschland, Holland und Frankreich. Als Daevid Allen bei der Rückkehr von dieser Tournee die Einreise in England infolge eines abgelaufenen Visums verweigert wurde, blieb er in Frankreich, kehrte nach Paris zurück und nahm politisch aktiv geworden an den Studenten-Demonstrationen teil, die überall auf der Welt um 1968 ihren Höhepunkt erreichten. Danach siedelte Allen erneut um. Zusammen mit seiner Freundin Gilli Smyth zog er auf die Insel Mallorca, wo er in Literatenkreisen wohnte und verkehrte. Dort lernte er den Saxophonisten Didier Malherbe kennen, mit welchem er die Band Gong gründete. In der Folge produzierte Daevid Allen sowohl ein erstes Band-Album, als auch ein Soloalbum plus Soundtrack-Musik für zwei Filme, ehe er mit "Camembert Electrique", dem zweiten Gong-Album den typischen Gong-Sound definiert hatte. Zuvor war Allen sehr experimentell und oft fragmentarisch zu Werke gegangen, und hob sich mit seiner Musik, für die es damals noch kaum eine geeignete Bezeichnung gab, deutlich ab vom bisweilen recht angefreakten Jazz-Rock der Formation Soft Machine, die sich in der Folge eher dem Jazzrock und Fusionsound öffneten, wohingegen Daevid Allen mit seiner Gruppe Gong eher avantgardistisch und sehr experimentell arbeitete, aber irgendwie mit der Zeit trotzdem "greifbarer" wurde. Es folgten erneute Umsiedlungen nach Frankreich und wieder zurück nach Mallorca, um dann, nach einer Babypause, erneut nach Frankreich zurückzukehren, wo sich inzwischen eine veränderte und musikalisch auch etwas neu ausgerichtete Formation gebildet hatte, der unter anderem der Gitarrist Steve Hillage, der Keyboarder Tim Blake und der Schlagzeuger Pierre Moerlen angehörte und die musikalisch ein bisschen in die Nähe des sogenannten Zeuhl-Sounds und somit in Richtung der Musik von Christian Vander's Magma näherten, ohne jedoch deren abstrakten Stil zu kopieren. Vielmehr zeichnete sich die neue Gong-Formation durch eine hervorragende Synthese aus Hippiemusik, Jazzmustern und Improvisation aus, die zeitweise auch leichte Space Rock Muster aufwies. Die Gruppe war musikalisch enorm vielseitig ausgerichtet, was vor allem der recht unterschiedlichen Charakteren der Beteiligten zugrunde lag.

Bis 1974 entstanden mit Gong in rascher Folge fünf Alben und ein längerer Filmsoundtrack. Vor allem in der 1973/74 entstandenen "Radio Gnome Trilogie", bestehend aus den drei Alben "Flying Teapot", "Angel's Egg" und "You" schuf Allen textlich und mit den von ihm graphisch gestalteten Plattencovern eine humorvolle und mit Anspielungen auf Drogenkonsum gespickte Mythologie um fliegende Teekannen, freundliche Hexen und Ausserirdische, die zum klassischen Motiv von Gong wurden. Allen war Komponist und Texter der meisten Stücke, die auf der Basis von bodenständigem Jazzrock durch Didier Malherbes orientalisch inspiriertes Saxophon- und Flötenspiel, Lebenspartnerin Gilli Smyths "Space Whisper" und Tim Blakes futuristische Synthesizer-Klänge auch akustisch exzentrisch ausgemalt wurden. Ihre Musik beschrieb das Magazin "Spiegel" als Kunstrock der besonders freigeistigen Art, der zwar die Kritiker begeisterte, mit dem Allen aber auch bewusst kommerziellem Erfolg aus dem Weg ging.

Die nun neu vorliegende sogenannte "Earbook"-Variante der "Radio Gnome Trilogie" klingt hervorragend restauriert, nachdem schon im Sommer 2015 das 1971er Album "Camembert Electrique" ebenso aufwändig aufbereitet worden war. Sehr schön aufgemacht ist das im Format eines Hardcover-Buches erscheinenden, vier CDs (respektive als 3 LPs in der Vinylausgabe) umfassendes Set, das auf 72 Seiten selten gesehene Illustrationen von Daevid Allen abbildet, eine umfassende Geschichte zu allen drei Platten bietet und sehr ansprechend und qualitativ hochwertig gefertigt worden ist. Die 4 CDs befinden sich in 4 Kartontaschen, die in das Buch eingearbeitet sind. Die Plattenfirma Charly Records hat in der Vergangenheit etliche Trouvaillen der Rockmusik in diesem "Earbook"-Format veröffentlicht, so etwa den gesamten Back-Katalog des legendären amerikanischen Psychedelik-Plattenlabels "International Artists" mit Interpreten wie den 13th Floor Elevators, Bubble Puppy oder Golden Dawn. Von der Haptik her sind diese Earbooks sowohl echte Hingucker, als auch Ausdruck eines hohen Qualitätsbewusstseins der Designer.

Der einzige Makel, der dieser hervorragend aufgemachten Trilogie mit der äusserst interessanten Bonus CD mit seltenen Aufnahmen (die qualitativ bis auf wenige Ausnahmen genauso hohen klanglichen Ansprüchen genügen) anhaftet ist der Umstand, dass wohl die Autoren der Musik keine Entschädigungszahlungen erhalten (Urheberrechts-Entschädigungen). Die rechtliche Situation hierzu ist aber letztlich nicht ganz klar, denn BYG Records wurde in der damaligen Zeit die alleinigen Veröffentlichungsrechte ausserhalb Englands zugesprochen, nur in England blieben die Rechte bei Virgin Records. Ob und inwieweit hier Virgin Records sich mit der damaligen BYG und dem nun rechteverwertenden Charly Records Label geeinigt hat oder nicht, ist daher nicht hundertprozentig klar. Einige der damals beteiligten Musiker jedenfalls haben sich über diese in ihren Augen nicht authorisierte Veröffentrlichung gewehrt. Der Musikfan muss letztlich selber entscheiden, wie stark er eine solche, rechtlich umstrittene Situation durch seinen Kauf gewichten mag.

NO DICE - No Dice (EMI Records 1C 064-60 006, 1977)

Jeder Musikliebhaber hat so seine ganz eigenen paar Scheiben in der Sammlung, die ihm so sehr ans Herz gewachsen sind, dass er mitunter nicht einmal genau sagen kann, warum. Vielleicht ist es ein Plattencover, das einem sofort anspricht und einen bleibenden Eindruck hinterlässt, oder ein bevorzugter Musikstil, der auf dieser einen ganz bestimmten Platte einfach am perfektesten herüberkommt. Oder es sind ganz einfach Platten, bei denen man sofort einen Zugang findet, den man sich nicht erklären kann. Musik, die scho n beim allerersten Anhören direkt ins Herz trifft, ohne dass man genau sagen könnte, warum. Vielleicht, weil man sich spontan in die gehörte Musik verliebt ? Das erste von zwei Alben der britischen Formation No Dice ist für mich so eine Liebe. Kein Song darauf hat sich für mich bis heute in irgendeiner Form abgenutzt, nichts klingt irgendwie verschlissen - noch immer kann ich mir diese Platte hingebungsvoll anhören und mich wie beim ersten Hördurchgang drüber freuen.

No Dice war eine britische Power Pop Formation, die im Jahre 1977 eindeutig zur falschen Zeit am falschen Ort war. Sie fiel, wie so viele andere hervorragenden Bands auch, dem im Pop/Rock-Mainstream fast alles verdrängenden Punk zum Opfer. Da nützten weder perfektes Songwriting, noch instrumentale Kompetenz oder eine charismatische Ausstrahlung der Protagonisten etwas. War es nicht Rotz, war es nicht hip, so lautete damals leider das Credo in der Musikszene (von damals schon längst etablierten Superstars einmal abgesehen). Was gab es da nicht an tollen unentdeckt gebliebenen Bands aus allen Ecken der Welt...Liar zum Beispiel, Arrogance, Nantucket, Nutz auch, oder eben No Dice. Erst einmal fiel einem natürlich das gelungene, im verblichenen Vintage-Style gehaltene Cover-Artwork auf dem strukturierten Karton auf, das in einer sieben Bilder umfassenden visuellen Darstellung eine Möglichkeit zurr Selbstverteidigung für eine Dame zeigt - eine hochoriginelle Idee, die der Graphik-Designer Geoff Halpin in Szene setzte. Halpin hat auch andere namhafte Künstler bei der Umsetzung der graphischen Arbeiten an ihren Produkten unterstützt, zum Beispiel Ozzy Osbourne. 

Musikalisch bot das Quintett um Sänger Roger Ferris, Gitarrist Dave Martin, Keyboarder Dave Moore, Bassist Gary Strange und Schlagzeuger Chris Wyles eine süffige Mixtur aus vorwärtstreibendem Rock, der in seiner Kernigkeit streckenweise an die Rolling Stones in der Zeit mit Mick Taylor erinnerte auf der einen Seite, und andererseits aber auch eingängie und absolut hitverdächtige Pop-Schmachtfetzen, die auf jeden Fall hätten punkten müssen. Mit "Silly Girl" spielte die Band zum Beispiel einen Song, der aufgrund seiner eingängigen Melodie schon fast ein Hit hätte sein müssen. Der Opener "Why Sugar" wiederum war ein waschechter Stones-Rocker mit einem schon fast sexy verschleppten Rhythmus.

Als Gastmusiker wirkte der legendäre Saxophonist Jimmy Jewell mit - eine legendäre Figur in England's Studiomusiker-Szene, der zu enorm vielen erfolgreichen Platten seine Saxophon-Klänge beisteuerte, unter anderem für die Keef Hartley Band, für McGuinness Flint, Gallagher & Lyle, Roger Daltrey, Don Cherry und gar für die Blueslegende Lonnie Brooks.

No Dice veröffentlichten im darauffolgenden Jahr noch eine zweite LP mit dem Titel "Two Faced", koppelten daraus eine Single aus und ernteten damit immerhin ein gewisses Radio-Airplay. Der Titel hiess "Come Dancing", war um einiges Dancefloor-tauglicher als noch der Power-Pop/Rock auf dem Debutalbum und wurde in der 12" Maxi-Variante in den Diskotheken rege gespielt. Danach war Schluss. 

Gitarrist Dave Martin tauchte nach einer wenig beachteten Zwischenstation bei der christlichen Pop-Band Nutshell im Jahre 1984 wieder auf bei den Box Of Frogs, jener ebenfalls nur kurzlebigen Bluesrock-Band um ehemalige Mitglieder der Yardbirds, der mit Ray Majors, Jeff Beck, Rory Gallagher und dem Medicine Head Sänger John Fiddler auch weitere prominente Musiker angehörten. Dort nannte er sich "Dzal". Keyboarder Dave Moore tauchte erst Jahre später bei den reformierten Spooky Tooth wieder auf, und wirkte im Jahre 2006 auch bei der Progressive Rock Band Mostly Autumn mit.

MANASSAS - Manassas (Atlantic Records SD 2-903, 1972)

Stephen Stills gründete die Band Manassas, nachdem er mit einigen der auf dem späteren Doppelalbum zu hörenden Musikern bereits auf seinem Soloalbum "2" (1971) und der dazugehörigen Tournee zusammengearbeitet hatte. Als Rhythmus Gitarristen gewann Stills Chris Hillman, der zuvor bei den Byrds den Der Schlagzeuger Dallas Taylor hatte seit 1969 sowohl mit Stills, als auch mit Crosby Stills Nash & Young gespielt. Stills benannte seine Band nach der Stadt Manassas in Virginia, als er und seine Mitmusiker sich für ein Foto auf dem alten Bahnhof von Manassas fotografieren liessen. Das Foto ist auch das Cover ihres gleichnamigen ersten Albums, dessen Songs mehrheitlich aus der Feder von Stephen Stills stammten.

Das dritte Studioalbum des Musikers und das erste Album mit seiner neuformierten Band gilt vielen Fans und Kritikern als Höhepunkt im Schaffen von Stephen Stills.  Beflügelt durch den Erfolg seiner ersten beiden Soloalben und zunehmend frustriert von seinen Mitspielern bei Crosby Stills Nash & Young begann Stills nach einer Tournee mit der Arbeit an seinem dritten Solo-Werk. Wie schon für die beiden Vorgänger-Alben konnte er erneut zahlreiche hervorragende Musiker zur Mitarbeit bewegen. Daneben erwies sich Stills auch im Band-Kontext als ausgesprochener Multi-Instrumentalist.

Die intensiven Aufnahme-Sessions, die oft bis mitten in die Nacht hinein dauerten, schweissten die einzelnen Musiker zu einer wirklichen Band zusammen. Innerhalb kürzester Zeit entstanden so die 21 überwiegend von Stills geschriebenen Titel des Albums, die in vier thematischen Gruppen (entsprechend den vier Seiten der originalen Doppel LP-Veröffentlichung) angeordnet sind. Das Album beginnt mit dem Kapitel "The Raven", das vornehmlich aus einer Kombination von Rock- und Latin-Stücken besteht und daher ganz Stephen Stills' Vorliebe für lateinamerikanische Musik zur Geltung bringt. Aus diesem Kapitel stammt der Titel "Rock & Roll Crazies / Cuban Bluegrass", der auch als Single veröffentlicht wurde, sich jedoch nicht unter den ersten 100 der US-Charts platzieren konnte. Das zweite Kapitel, betitelt "The Wilderness", setzt den Akzent auf traditionelle amerikanische Country- und vor allem Bluegrass-Klänge, bei denen die musikalischen Fähigkeiten der Gitarristen Chris Hillman und Al Perkins in den Vordergrund rücken. Höhepunkt des Kapitels ist der Titel "So Begins The Task", geschrieben von Stephen Stills, der sich zu einem Stills-Klassiker entwickelte und später unter anderem von Judy Collins gecovert wurde. Der dritte, "Consider" genannte Teil bietet vor allem Folk und Folkrock. In diesem Kapitel finden sich auch zwei der bekanntesten Lieder des Albums: das herrlich swingende "It Doesn't Matter", stilistisch und vor allem rhythmisch ein bisschen an Steely Dan's "Do It Again" angelehnt, das als weitere Single-Auskopplung einen respektablen Platz 61 der amerikanischen Hitparade erreichte, sowie "Johnny's Garden", eine Hommage von Stephen Stills an den schrulligen Gärtner seines englischen Landhauses, die Stills noch heute bei Konzerten spielt (nachzuhören etwa auf seinem Album "Live At Shepherd's Bush" aus dem Jahre 2009). Das Kapitel enthält ausserdem den Song "The Love Gangster", den Stills gemeinsam mit Bill Wyman von den Rolling Stones geschrieben hatte. Wyman ist hier auch am Bass zu hören. "Rock & Roll is Here To Stay" heisst das vierte und letzte Kapitel des Albums. Es besteht aus Rock und Bluesrock-Stücken, von denen besonders das acht-minütige Werk "The Treasure" herausragt.

Das Album wurde schon kurz nach seinem Erscheinen ein grosser Erfolg: Es erreichte Platz 4 der Billboard Charts und trug zum weiteren Ruhm aller Mitmusiker bei, die schliesslich auf eine ausgedehnte Tournee gingen. Doch nicht nur Kritiker und Fans betrachteten "Manassas" als ein Highlight in der Karriere von Stephen Stills. Auch Stills selbst bezeichnet das Doppelalbum als eine seiner besten Arbeiten. Bill Wyman hat angeblich einmal gesagt, er hätte die Rolling Stones verlassen, um bei Manassas spielen zu können.

THE DAVE PIKE SET - Live At The Philharmonie (MPS Records MPS 15257, 1970)

Als dieses hervorragende Konzert-Dokument des Dave Pike Set Anfang 1970 erschien, was der Vibraphonspieler Pike auf dem Höhepunkt seines Schaffens angelangt. Zusammen mit dem Gitarristen Volker Kriegel, Johann Anton Rettenbacher am Bass und Peter Baumeister am Schlagzeug spielte Pike in der Berliner Philharmonie am 7. November 1969 ein herausragendes Live-Konzert, das mitgeschnitten und veröffentlicht wurde. Das Konzert fand im Rahmen der Berliner Jazztage 1969 statt und Dave Pike sorgte dabei für einen der akustischen Höhepunkte.

Was das Quartett besonders auszeichnete war die Tatsache, dass es ausschliesslich eigene Kompositionen spielte, entweder aus der alleinigen Feder von Dave Pike oder in Kollaboration mit Volker Kriegel, der wiederum ebenfalls eigenes Material beisteuerte. Dabei ergab sich zwangsläufig eine extrem interessante und vielschichtige stilistische Mixtur, denn Volker Kriegel arrangierte beispielsweise seine eigenen Songs in erster Linie für die klassische Gitarre, wohingegen Pike zwar im Jazz verwurzelt, jedoch auch ein grosser Fan beispielsweise der Beatles oder Frank Zappa war, weshalb er oft und gerne kundtat, dass diese beiden in seinen Augen äusserst innovativen und ständig nach Neuem suchenden Interpreten eine grosse Wirkung auf ihn ausübten und ihn zu seinen eigenen Kompositionen in nicht unerheblichem Masse inspirierten. So war seiner Meinung nach letztlich auch der Erfolg ein stückweit auf diese beiden Komponenten in der gemeinsamen Musik zurückzuführen, die für ihn eine Art Jazz-Pop Fusion darstellte, oder wie es John O'Brien-Docker formulierte, als er die Band am Konzert ansagte: "Eine interessante Mischung aus Erfahrung und Erfindung". 

Und in der Tat wusste das vierköpfige Set, wie man ein breites Publikum, das nicht nur jazz-affin war, zu begeistern vermochte: Mit einem substanziellen, durchdachten und niveauvollen Konzept, das weder vor traditionellen Jazzmustern, noch vor innovativen Einflüssen der damals jüngeren Zeit zurückschreckte, spielte das Quartett einen bis dato selten gehörten exotischen Mix aus freiem und straightem Jazz, progressivem Rock, orientalischen Sounds und eindeutig popmusikalischen Elementen, wie sie beispielsweise auch die Beatles in ihrer experimentellen Phase ab 1966 in ihre Stücke einbauten und die sich vom einfachen Lala der früheren Jahre abhoben.

Die gefühlt und erlebt viel zu kurze halbe Stunde dieses ausgezeichneten Konzertmitschnitts beginnt mit der von Pike und Kriegel komponierten Hommage "Hey Duke", welche sich aus drei einzelnen Teilen zusammensetzt, und die dem Musiker Duke Ellington gewidmet ist. Das nachfolgende "Mambo Jack The Scoffer" präsentiert Volker Kriegel an der Konzertgitarre. Kriegel zeigt in dem Stück verschiedene, recht abwechslungsreiche musikalische Motive auf überaus anmachende Art und Weise, indem er sich beispielsweise gar klarer Elemente aus der Countrymusik bedient. Ausgangspunkt zu dieser Komposition war laut Kriegel die Erinnerung an den legendären New Yorker Tanzlehrer Mambo Jack, der ihn zu diesem Stück anregte. "Riff For Rent", das die erste Seite der LP beschliessende Kriegel-Stück ist ein herrlich swingender Blues in Achtel-Rhythmik. Der Titel lebt vor allem von der bärenstarken Rhythmik-Unterstützung des Bassisten und des Schlagzeugers, über welchem Dave Pike und Volker Kriegel abwechslungsweise solieren und gemeinsame Interaktionen präsentieren.

Die zweite Seite der LP beginnt mit dem länngeren Titel "Nobody's Afraid Of Howard Monster" aus der Feder des Bassisten Johann Anton Rettenbacher, das eine vertrackte Rhythmik präsentiert, die äusserst anspruchsvoll ist: Ein Thema, in dem das Metrum von Takt zu Takt wechselt: Beginnend mit 4/4, über 5/4, 6/4, 7/4, 6/4, 5/4 und 2/4. Dave Pike's Solo im 4/4, Volker Kriegel's im 7/4-Takt. Dach einem integrierten Schlagzeug-Solo wechselt Bassist Rettenbacher zum Cello, präsentiert ein Bluesmuster, abwechselnd 11- und 12-taktig, danach folgt noch einmal ein Schlagzeug-Solo und die Tour De Force des Anfangsteils wird noch einmal zum Besten gegeben. Schliesslich folgt die von Volker Kriegel geschriebene Nummer "The Secret Mystery Of Hench" und mit ihr ein Hauch indischer Musik - fremdartig und sehr friedlich, das pure Gegenteil zur davor präsentierten Hektik des Rettenbacher-Stücks. Diese Vielfalt in der Musik ist das Geheimnis des Dave Pike Set, ganz klar. Anfangs lieblich und einlullend, steigert sich diese letzte Nummer zum musikalischen Inferno, einem freien kollektiven Chaos, inmitten dessen Rettenbacher ein brilliantes Flageolett vorführt.

Das Plattencover entsprang einer Idee von Dave Pike, der auf der Frontseite die spielende Band und auf der Rückseite das Publikum des Konzertes in der Berliner Philharmonie abbilden sollte. Diese einmalige Performance von vier hochkarätigen Künstlern stellt noch heute eines meiner Lieblingswerke aus dem Bereich Jazz dar.

BRIAN PROTHEROE - Pinball (Chrysalis Records CHR 1065, 1974)

Brian Protheroe war auf ganz eigentümliche Weise zu einem mittleren Hit gekommen: Einerseits mit viel Glück und andererseits über einen Umweg ausserhalb der Musikszene. Protheroe, im Jahre 1944 geborener Sänger, Songschreiber und Schauspieler, fasste erstmals Fuss in der Musik in der Mitte der 60er Jahre, als er einer Band mit dem witzigen Namen FBI angehörte, was als Abkürzung stand für FOLK BLUES INCORPORATED. Mit dieser Band tingelte er durch die Clubs, meist in London oder rund um die Hauptstadt Englands. Daneben arbeitete er aber auch immer als Theater-Schauspieler, und 1973 schrieb er einen Song für ein Theaterstück, an welchem er gerade arbeitete. Das Stück hiess "Death On Demand" und Protheroe spielte darin einen Pop Sänger. Hierzu schrieb er den Song "Pinball".

Das Theaterstück "Death On Demand" wurde in der Folge einige Male aufgeführt und in einer dieser Aufführungen sass auch ein Mitarbeiter der Plattenfirma Chrysalis Records im Publikum, der den Song sofort liebte, Brian Protheroe einen Kontakt zum Plattenlabel besorgte und so erreichte, dass dieser Song als Single veröffentlicht werden konnte, da der Talentscout von der hohen Qualität des Songs und der Möglichkeit, ihn einem breiten Publikum zugänglich zu machen, überzeugt war. So war es denn auch: Als die Single "Pinball" im August 1974 erschienen war, kletterte sie in den englischen Charts hoch bis auf Rang 22. Die Single wurde musikalisch verfeinert durch ein herrliches Saxophon-Solo des Jazzmusikers Tony Coe und bescherte Protheroe einen mehrjährigen Plattenvertrag. Die gleichnamige LP erschien schon wenige Wochen später, nachdem die Single "Pinball" im Radio einen festen Sendeplatz erobert hatte. Die LP enthielt ausschliesslich Eigenkompositionen, Kollaborationen mit dem Texter Martin Duncan und zwei Stücke aus der alleinigen Feder von Martin Duncan.

Die kurze Zeit später veröffentliche LP selben Namens war leider kein Verkaufsschlager, wohl auch deshalb, weil kein adäquater Nachfolger der ersten Single darauf zu finden war. Die zweite Single, das aus dem Album ausgekoppelte "Fly Now" blieb in den Regalen der Plattenläden hängen. Trotzdem veröffentlichte Protheroe in den folgenden Jahren drei weitere Alben für Chrysalis Records, und zwar das 1975 erschienene "Pick-Up" und die beiden 1976 erschienenen LP's "I/You" und "Leave Him To Heaven". Eine Reihe bekannter Musiker waren auf seinen Folgealben zu hören, die aber leider nicht dabei helfen konnten, den Popularitätsgrad des Soft Rock Sängers mit der gefühlvollen Stimme, der beispielweise an Peter Sarstedt, Gilbert O'Sullivan oder die Gruppe Blue erinnerte, merklich zu steigern. So spielten etwa beim 1975er Werk "Pick-Up" der Steel Gitarrist B.J. Cole sowie Pianist John "Rabbit" Bundrick mit, auf "I/You" gar Barry DeSouza, Ian Anderson, Barriemore Barlow (beide von Jethro Tull) und Schlagzeuger Simon Phillips.

Das erste Album "Pinball" indes ist von seiner Schlichtheit her wohl doch am Ende Brian Protheroe's Bestes gewesen, weil es auf schlichte, schnörkelloe und äusserst angenehme Art eine Sammlung von hochkarätigen Poprock-Kompositionen präsentierte, die typisch waren für die damalige Zeit und leider weitgehend unbekannt blieben, ausser dem Titelstück, das immerhin oft und gerne im Radio gespielt wurde.

Protheroe wandte sich einige Jahre später hauptberuflich ausschliesslich der Schauspielerei zu und wirkte in zahlreichen Theaterstücken, TV-Produktionen und Musicals mit.

THY WIZARDS O'MOURN - Noblesse Sauvage (Earborn Records ER101, 1983)

In den 80er Jahren hatte es auf's instrumentale Minimum reduzierter britischer Folk relativ schwer. Die Zeiten waren einfach nicht populär genug, mit fast schon intim anmutenden Songs, die lieblich, zurückhaltend und bisweilen etwas sperrig, immer aber sehr traditionell aufgebaut waren, ein breiteres Publikum zu erreichen.

Die Gruppe um das Komponisten-Duo Grahame Finch und Elefteria Barker bietet auf ihrem leider einzigen Album eine stimmige und einnehmende Sammlung von 13 gefühlvollen Titeln, die sowohl schottischen, wie irischen Bezug haben und ihre musikalischen Roots vor allem bei traditionellen Musikern wie John Renbourn oder der Gruppen Dando Shaft und Pentangle haben, allerdings ohne deren zeitweiligem Rock-Anteil. Die Besetzung verspricht alleine schon authentische Folklore: Bagpipes, Uillean Pipes, Fiddle, Flute, Bodhran, Pennywhistle oder die geläufigen Saiteninstrumente Mandoline und Banjo. Auch eine Harfe kommt zum Einsatz, die dann vor allem die entsprechenden Songs sehr verträumt arrangiert, nachzuhören etwa in den Titeln "At The Old Wardrobe" oder dem traditionellen Sea Shantie "Put Yer Shoulder Next To Mine".

Die Band wurde komplettiert durch Lloyd Shepherd, Allen Humes, Katherine Yarwood und Sioban McAllister. Aufgenommen in London, stammte die Band aus den Midlands und war wohl in den grossen Städten Englands oft auf kleineren und grösseren Folkfestivals zu hören. Das Album "Noblesse Sauvage" wurde auf einem kleinen Independent Label veröffentlicht, über das sich leider keine weitergehenden Informationen finden lässt, ausser, dass es in London beheimatet war.

Die musikalischen Highlights dieses schönen und sehr ruhigen und unspektakulären Albums sind neben den bereits erwähnten "At The Old Wardrobe" und "Put Yer Shoulder Next To Mine" sicherlich das sich über 8 Minuten ausdehnende "The Cliffs of Old Tynemouth", aber auch das traditionelle schottische Volkslied "Lord Saltoun And Auchanachie" aus dem 19. Jahrhundert, das es auch in bekannten Interpretationen von Sinead O'Connor und June Tabor gibt, sowie "Get Up And Bar The Door", von dem es auch eine neu bearbeitete Version von Martin Carthy (auf dessen LP "Shearwater") gibt.

FLASHBACK REMNANTS - Garden Of Pain (Stuck Inside Records SIR1, 1970)

Von all den obskuren, psychedelisch angehauchten Progressive Rock Platten dürfte die einzige LP der Flashback Remnants die wohl Unbekannteste geblieben sein. Das Quartett aus Wisconsin bestand aus dem Sänger und Gitarristen Andy Kingrel, dem Keyboarder Derek Winestone, dem Bassisten Brett Sunkov und dem Schlagzeuger Harold Palmblatt, und es ist so gut wie unmöglich, an Informationen an diese tolle Band zu kommen, die wohl auch nur kurze Zeit existiert hat. 

Die musikalische Grundausrichtung der Band war am typischen US-Rock der ausgehenden 60er Jahre angelehnt, mit einigen hörbaren stilistischen Reminiszenzen etwa an The Ultimate Spinach, die ebenfalls einen Schuss Psychedelik in ihrem Sound aufwiesen. Die Flashback Remnants waren allerdings klar progressiver ausgerichtet, und einige Stellen auf der Platte, welche die Band im Eigenvertrieb aufgelegt hatte, klangen schon wie später erfolgreiche Bands aus dem entsprechenden Bereich, etwa wie die frühen Yes, aber auch versponnen und mit Folk-Anteilen, ähnlich etwa wie Dr. Strangely Strange.

Die A-Seite bietet mit dem Titeltrack "Garden Of Pain", der sich über 19 Minuten erstreckt, eine seitenfüllende Suite, die sehr abwechslungsreich klingt, angefangen von rein psychedelischen Soundcollagen, über loses Jammen bis hin zu brachialen Ausbrüchen, die wiederum vor allem von der stark verzerrten Gitarre dominiert werden, wie sie etwa bei der Band Frijid Pink prägnant war, allerdings klar ohne deren bluesigen Background. Die B-Seite der LP ist ein Sammelsurium aus 5 sehr unterschiedlichen Stücken, die stilistisch zwar weitgehend unzusammenhängend wirken, jeder für sich allein genommen allerdings extrem gut durchkomponiert und detailfreudig arrangiert ist.

Etwa der Opener der B-Seite mit dem Titel "Hangman's Call", ein waschechter Hard Rock, der stark an den bleischweren Black Sabbath-Arrangements angelehnt ist, allerdings dank seiner stark verzerrten Hammond Orgel auch in Richtung Vanilla Fudge oder Deep Purple schielt. Der zweite Titel dann etwas völlig anderes: In "What's The Matter Here" spielt die Band schon fast lieblichen, eher britisch angelehnten Soft Psychedelik Pop der ziemlich abgedrehten Art mit effektreich verfremdeten Chorstimmen. Im nachfolgenden "Air Blast" erklingt früher Pink Floyd-Sound der Syd Barrett Phase, ein freies psychedelisches Jam-Stück mit ständig im Hintergrund wahrnehmbaren Windgeräuschen. Song 4 dann wieder eine Rock Nummer mit einer vertrackten Rhythmik, die den Song leider eher holperig als irgendwie anspruchsvoll macht, vielleicht so eine Art King Crimson, gespielt von Amateuren. Trotzdem hat auch dieses "Modeerf Liart" (Freedom Trail rückwärts geschrieben!) seinen ganz besonderen Reiz, weil es ziemlich abseitig klingt und eine weitere recht seltsame Farbe in diese Platte bringt. Beim abschliessenden "Garden Of Pain Reprise" erklingt dann ein Mischmasch aus einzelnen Passagen des langen Titelstücks, unterlegt mit einem pulsierenden Psychedelik-Rhythmus, der noch einmal richtig interessant ist, stark an Sky Saxon & The Seeds erinnert und - zumindest hier wieder - alles andere als amateurhaft klingt.

Der Umstand, dass es sich beim LP-seitenfüllenden Titelstück um eine Band-Komposition handelt, wohingegen die ersten vier Stücke der B-Seite jeweils von je einem Bandmitglied einzeln komponiert wurden, lässt darauf schliessen, dass jeder Musiker der Flashback Remnants die Möglichkeit hatte, sich individuell auszudrücken, was ein Jahr später zum Beispiel auf Pink Floyd's "Atom Heart Mother" ebenso arrangiert war. Auch dort gab es mit dem seitenfüllenden "Atom Heart Mother" ein Gemeinschaftswerk der gesamten Band und auf der B-Seite je ein Stück eines jeden Bandmitglieds.

Ueber die Musiker ist nichts bekannt, ob sie später allenfalls weiter im Musikbusiness unterwegs waren, weshalb diese sehr obskure, aber äusserst interessante LP ihr einziges Werk war, das wohl auch nur in geringer Stückzahl gefertigt und vermutlich lediglich lokal vertrieben wurde. Im Netz finden sich keinerlei Informationen - weder zur Band, noch zu deren Protagonisten.

THE FARM BAND - The Farm Band (Mantra Records 777, 1972)

Philip Schweitzer und Thomas Dotzler, zwei Hippies, die auf diesem Album alle Songs, beziehungsweise alle Jams, komponiert haben, lebten Anfang der 70er Jahre in einer Hippiekommune in Tennessee, die sich schlicht "The Farm" nannte und in Stephen Gaskin, einem Professor des San Francisco State College und dessen Podiumsdiskussionen um das erleuchtende Thema psychedelischer Erfahrungen in Bezug auf die Weltreligionen (!) seinen Ursprung fand. Ab 1970 starteten etliche Schulbusse, VW Bullis, Trucks und Campers und zogen quer durch die vereinigten Staaten als erleuchtender Konvoi, der immer mehr Hippies anzog, die sich zu einer alternativen Lebensweise stärker hingezogen fühlten als zu den engen Strukturen eines bürgerlichen Lebens. Der Konvoi besuchte Colleges, Kirchen und andere Jugend-Institutionen, um ihre Message eines freien, selbstbestimmten Lebens zu verbreiten. Als die Hippie-Gemeinschaft 1971 von einer dieser Missionen zurückkehrte nach Kalifornien und erneut um viele Anhänger gewachsen war, entschloss man sich, alles Geld der mittlerweile über 300 Anhänger in einen gemeinsamen Pool zu legen, damit ein grosses Stück Land zu kaufen und als Selbstversorger-Kommune gemeinsam zu leben. Noch im selben Jahr fand sich die Community in Tennessee wieder, wo sie in der Folge die Martin Farm in Summertown erwarb, später die Black Swan Ranch mit ihren 1050 Hektaren Land und schliesslich noch einmal ein paar Tausend Hektaren bewirtschaftbares Land südlich von Nashville. Damit war "Die Farm" lanciert.

1972 entstand auch die Homegrown Rock'n'Roll Band, die keinen Namen hatte, und die aus Mitgliedern der Kommune bestand, die jedoch als "The Farm Band" eine Reihe "Coast-to-Coast" Tourneen bestritt, um an Open Air- oder Campus-Happenings an Universitäten gratis Konzerte zu bestreiten und dabei Werbung für ihre alternative Lebensweise auf der Farm zu machen, was zur Folge hatte, dass sich immer mehr junge Menschen dazu entschlossen, sich der Community anzuschliessen, ihre Existenzen aufzugeben und der Gemeinschaft nach Tennessee auf deren Lebens-Oasen zu folgen. 1972 wurde auch die seriöse Bevölkerung immer aufmerksamer auf die mittlerweile auf fast 500 Mitglieder angewachsene Gemeinschaft. Al Gore, der spätere Präsidentschaftskandidat, damals jedoch noch junger Zeitungsjournalist, schrieb einen ersten grösseren Bericht über die Community, die in der Zeitung The Nashville Tennessean veröffentlicht wurde - und natürlich weitere Mitglieder anzog. Noch einmal kaufte die Community Land dazu, diesmal 700 Hektaren in Hickory Hill. Nun wurden auch die "Farm Clinic" und die "Farm School" eröffnet, damit sowohl die medizinische Versorgung, als auch die Einschulung für die kleinen Kinder, die inzwischen das Schulalter erreicht hatten, gewährleistet war. Aus dem intensiven Anbau von Gemüse, Salaten und Früchten entstand die "Good Tasting Nutritional Yeast Mail Order Company", welche bis ins Kleinste perfekt organisiert war und der Community eine solide und dauerhafte Einnahmequelle sicherte, die sie wiederum ausschliesslich für die Gemeinschaft einsetzte und nicht gewinnorientiert anlegte.

Stephen Gaskin's Buch "Hey Beatnik!" folgte im Jahr darauf, stiess auf immenses Interesse und fand grossen Absatz. Das Buch öffnete die Tore zur Farm-Gemeinschaft, erklärte Philosophie und Gedanken hinter der Kommune und konnte als ernstgemeinte Absage zum bürgerlichen Leben verstanden werden. Der eigene Radiosender erhielt den Namen "Ham" und auch die amerikanische Justiz hatte sich bald mit der Community zu tun, etwa, als es darum ging, den Anbau und Konsum von Gras einem religiösen Sakrament gleichzusetzen. 1974 gründete die Kommune die Interessengemeinschaft "Plenty USA". Inzwischen lebten mehr als 750 Menschen innerhalb der verschiedenen Farm-Betriebe, unter anderem schon 160 verheiratete Paare und 250 Kinder. Ueber die folgenden paar Jahre werden Plenty Centers vielerorts in Amerika, in der Karibik, in Guatemala und Zentralamerika, in Afrika und in Bangladesh eröffnet. Alle mit dem Ziel, einem gemeinsamen alternativen Farmleben zu folgen, das sich vor allem auf die natürliche und unabhängige Produktion von Nahrungsmitteln konzentrieren sollte und sich dadurch Unabhängigkeit gegenüber der grossen Konzerne zu schaffen, was nicht immer gelang. Es folgten weitere Buchveröffentlichungen, die komplette finanzielle Unabhängigkeit gegen Ende der 70er Jahre und eine kontinuierliche Weiterentwicklung, die erst eine dramatische Wende erfuhr, als aus der Gemeinschaft verschiedene kleinere Kooperationen gegründet wurden, was zu wesentlich mehr Eigenverantwortung für viele Bereiche des Alltags führte. Diese Organisationsänderung hatte eine ziemlich grosse Abwanderung zur Folge, sodass die Farm-Community zwar auch heute noch besteht, jedoch nur noch über rund 300 Mitglieder verfügt, die jedoch noch immer im Grundsatz dem Lebens-Credo ihres geistigen Vaters Stephen Gaskin folgt.

1972 wie gesagt, entstand auch Musik der Farm-Mitglieder. Die erste Platte, welche nicht in Shops oder Mail Orders, sondern ausschliesslich an Konzerten der Farm Band erworben werden konnte, war das selbstproduzierte und herausgegebene Doppelalbum "The Farm Band", das manchmal auch unter dem Namen "OM" bekannt ist, jedoch diesen Begriff nur in den Inner Sleeves als Untertitel in der Ueberschrift trug. Darauf finden sich wundervolle Hippiethemen, musikalisch alles andere als laienhaft vorgetragen, sondern von versierten Musikern gespielt, die allerdings allesamt keine Profis waren. Zwar wird der Platte alles Mögliche an stilistischen Elementen nachgesagt, wie zum Beispiel Psychedelik Rock, Country Rock oder Folk Rock. Ich bin indes der Meinung, es handelt sich um saugemütliches Jam-Gekiffe mit Hippie-Approach, das seine Inspirationen sowohl aus den indischen Mantras, als auch beim anpsychedelisierten amerikanischen 60's-Folk holt. Es gibt hier so viele wundervolle Momente, in denen man sich auf einer perfekte Zeitreise in die Hippie-Aera zurückversetzt wähnt, und kann dazu wundervoll entspannen - am besten mit Räucherstäbchen und einem ganz speziellen Kräutertee. Wahlweise auch mit einem wohlschmeckenden Tütchen. Das 12 minütige "Being Here With You", das ebenfalls 12 Minuten lange "Keep Your Head Up High" sowie das auf 17 Minuten ausgelegte missionarische "I Believe It" sind die Glanzlichter dieses wundervoll spinnerten Doppelalbums, dem in den Jahren darauf drei weitere folgen sollten, nämlich "Up In Your Thing" (1973), "On The Rim Of The Nashville Basin" (1975) und "Communion" (1977). Hauptsongschreiber Thomas Dotzler veröffentlichte 1980 schliesslich auch noch ein weiteres Album unter dem Bandnamen The Nuclear Regulatory Commission mit dem Titel "Reactor", ebenfalls mit Mitgliedern aus der Community und einem völlig veränderten Musikstil, nämlich modern arrangiertem New Wave und einem kleinen Häppchen Art Rock. Diese Mischung entsprach aber so gar nicht dem Spirit der Farm-Bewegung und wurde auch kaum nennenswert verkauft (wiederum ausschliesslich bei Auftritten).