REVEREND BEAT-MAN - Surreal Folk Blues Gospel Trash Vol. 2 

(Voodoo Rhythm Records VR-1241, 2007)

Reverend Beat-Man, den Schweizer Trash'n'Roll-Prediger, den man vor allem von The Monsters oder Zorro kennen, ist der unbestrittene König des Schweizer Garagenrocks, wobei dem Selfmademan auch Stile wie Trash, Folk, Country oder Blues nicht fremd sind. "Vol. 2" ist Teil 2 der Trilogie über seine Verwirrung bezüglich Glaube, Hoffnung und dem Pfad des Gerechten.

Der zweite Streich mit REVEREND BEAT-MAN's "Surreal Folk Blues Gospel Trash". Mal gibt er den verblendeten Fernsehprediger, mal einen besessenen Hausierer im Namen Gottes, und bei persönlicheren Stücken wie etwa "I'm Over With You" gibt er den rauhen Rock'n'Roll Helden. Musikalisch wirklich genial unterlegt, bewegen sich die Songs zwischen ursprünglichem Blues, Gospel, Country-Folk und Bluegrass. Nie zu viel aber immer effektiv instrumentiert, und das neben Gitarre und Schlagzeug auch mal mit verschiedenen Orgeln wie Farfisa oder Bontempi, sowie eher im Country beheimateten Instrumenten wie Banjo, Geige oder wimmernder Pedal Steel Slide.

Neben Nummern, die der Meister komplett selbst eingespielt hat, finden sich hier auch Songs mit Gastmusikern wie Delaney Davidson von den DEAD BROTHERS oder Robert Butler, ehemals MIRACLE WORKERS. Aufgenommen hat der Reverend in seinem Wohnzimmer, sowie in verschiedenen Studios, wobei die Songs insgesamt absolut makellos eingespielt sind.

Durch den Filter des Christentums erklärt uns Beat "Beat-Man" Zeller sein Leben, seinen Kampf. Im zweiten Song ringt er, unterlegt von rohen, flirrenden Gitarren, mit einer etwas verwirrenden Familiengeschichte und dem Teufel. Wer da wohl gewinnen mag ? Aus dieser Mühsal erholt er sich schleppend in Song 3, dem trash-folk-bluesigen "Lonesome And Sad". In der wohlvertrauten alten Schmonzette "Blue Moon Of Kentucky" gibt er authentisch den Bluegrass-Gospel. Das Leben geht weiter und es klingt optimistisch. Etwas später, bei "Another Day Another Life" hat ihn die Liebe gepackt, folkig in Szene gesetzt. Die Liebe geht, der Teufel kommt ("I’ve got the Devil inside" - gekleidet in rohen Trashblues). Kurz vor Schluss bekennt er seine Schuld und bittet: "Oh Jesus, Don't Let Me Die Alone".

Verwirrenderweise endet diese in jeder Hinsicht starken Platte mit dem aggressiven Gospelsong "The Swiss Army Knife". Sollte einem das zu denken geben? Nein. Das ist einfach purer, reinster Garagenrock made in Switzerland, präzise, langlebig und unkaputtbar wie ein Schweizer Armeemesser. Reverend Beat-Man lebt und atmet den Garagenrock.

Er ist Garagenrock - der Mann für Trash, wenn es authentisch sein soll. Fabelhafter Stoff!

JOBRIATH - Jobriath (Elektra Records EKS-75070, 1973)

Der englische Begriff 'epicene' ist ein Adjektiv, manchmal auch als Substantivum gebraucht und bezeichnet im eigentlichen Sinne das Fehlen jeglicher geschlechterspezifischen Merkmale, oder aber zumindest den Verlust der Männlichkeit im Sinne von: Ein Mann mit weiblichen Charakteristiken, Androgynität: Jemand mit sowohl weiblichen wie männlichen Merkmalen, oder auch Asexualität: Das Fehlen sowohl männlicher wie weiblicher Charakteristiken. Von dieser Warte aus betrachtet muss einem der leider sehr früh verstorbene amerikanische Schauspieler, Sänger -  ich nenne ihn eher: Das Gesamtkunstwerk Jobriath Boone wie ein Wesen von einem fremden Stern vorkommen.

Und das ist er vielleicht auch gewesen, wenn man all den sinnlos doofen Presseberichten glauben schenken will. Einer Presse, die mit dem künstlerischen Anspruch, dem äusserlichen Eigensinn und der bisweilen arg durchtriebenen Theatralik, gepaart mit den durchaus provokativen textlichen Aussagen von Jobriath Boone so gar nichts hatte anfangen können - letztlich wohl schlicht überfordert war, weil er in keine der gängigen stilistischen Schubladen passen wollte. Dabei war doch gerade die Zeit des Ziggy Stardust, Larry Lurex und überhaupt des ganzen Glamours, der in der Popmusik Einzug gehalten hatte. Jobriath war daher zumindest eine schrille Persönlichkeit, und er war auch genügend extrovertiert veranlagt, um das zu zeigen, auszuleben.

Er war aber sicherlich nicht schriller als beispielsweise auch Brian Eno von Roxy Music oder der Pseudo-Rock'n'Roller Gary Glitter. Jobriath hatte Stil, wirkte auf mich faszinierend auf seine ganz eigentümliche Art und Weise, verkörperte für mich wie kaum ein Anderer den Zeitgeist von Glitzer und Glamour. Vieles, was sich mir aufgrund seiner Ausstrahlung und Performance darstellte, würde ich auf seinen schauspielerischen Hintergrund zurückführen.

Geboren als Bruce Wayne Campbell am 14. Dezember 1946 legte er sich schon in Jugendjahren den Phantasienamen Jobriath Salisbury zu, und begann, Klavier zu spielen. Er wurde festes Casting Mitglied der originalen „Hair“ Theatertruppe (als „Woof“), und zeichnete für einige wichtige musikalische Beiträge arrangementmässig verantwortlich. Dafür ernetete er durchweg positive Kritiken. Zeitgleich formierte er die Band Pidgeon, ein Hippie Rock Ensemble, das auf Decca auch eine LP veröffentlichen konnte, welche aber floppte. Später wurde Jobriath zur Armee einberufen, leidete dort als Schwuler aber sehr und landete für sechs Monate in einer psychiatrischen Militäreinrichtung. Dort begann er Stücke zu schreiben, von denen man etliche später auf seiner ersten Solo-LP würde hören können.

Die entsprechenden Demo-Tapes landeten auf Umwegen auch bei Jack Holzman, welcher einen Plattenvertrag mit Elektra arrangieren konnte. Jobriath lag zu dieser Zeit als Amerikaner mit seinem ganzen Auftreten voll im Trend, denn gerade hatte der Engländer David Bowie mit seiner Ziggy Stardust Geschichte in den Staaten erste Erfolge verbuchen können. Auf diesen Trend wollte man aufspringen und schickte dazu also Jobriath ins Rennen. Damit das Ganze auch qualitativ auf höchstem Niveau stand, verpflichtete Jerry Brandt, der damalige Präsident von Elektra Records, hochkarätige Musiker zur Einspielung der Songs. So zum Beispiel Gitarrist Peter Frampton, oder Led Zeppelin Bassist John Paul Jones. Später dann wurden vielen Stücken auch noch Streicher beigemischt, und die wurden vom London Symphony Orchestra eingespielt. Protzen und klotzen pur also. Aufgenommen wurde in den Electric Ladyland Studios, Aufnahmeleiter war Eddie Kramer. Der Plan war, Jobriath als den ersten schwulen Rock’n’Roll Star gross zu machen, oder mit den Worten von damals: „The True Fairy of Rock’n’Roll“.

Erstaunlich war, wie sich Jerry Brandt die weltweite Vermarktung und das optische Erscheinungsbild seines neuen Stars vorstellte. Wenn man das heute nachliest, kriegt man schlicht das Grausen. Hier ein Auszug aus der damaligen Tour-Strategie:

„The Show’s Finale would feature Jobriath dressed as King Kong being projected upwards on a mini Empire State Building. This would turn into a giant spurting Penis with a doorway to a Piano for Jobriath, who by the time he got there, would have been transformed into Marlene Dietrich”.

Wenn man sich dieses Vorhaben vor Augen hält und dabei noch die Musik, die Jobriath gemacht hat in diesem Kontext sieht, dann merkt man sehr schnell, dass das alles überhaupt nicht zusammenpasste, und dass hier einmal mehr eine ebenso gigantische wie völlig absurde Kommerzmaschinerie losgetreten werden sollte, in welcher der Akteur unweigerlich scheitern musste. Denn die ganze fragile Persönlichkeit des Künstlers Jobriath Boone wurde von diesem total pervertierten Gigantismus hoffnungslos zusammengestaucht. Ein solch aufgeblasenes, absurdes Projekt sucht auch heute noch seinesgleichen.

Natürlich scheiterte Jobriath schon nach kurzer Zeit, da halfen auch promotionsträchtige Aktionen wie zum Beispiel ein Live-Auftritt in einem Flugzeug oder Brandt’s Statements („Elvis, The Beatles and Jobriath“) nichts. In England machte man sich lustig über den überkandidelten „Bowie-Wannabe“. Die schon nach sechs Monaten nachgereichte zweite LP „Creatures Of The Street“ wurde zum totalen Flop, obwohl sich darauf die eher rockigeren Titel aus der Electric Ladyland Session des Debutalbums befanden. Jobriath merkte sehr schnell, dass er der gigantischen Erwartungshaltung nicht würde standhalten können und zerfledderte zunehmends im Drogen- und Alkohol-Rausch.

Anfang 1975 war alles vorbei, Jobriath reüssierte im Film „Dog Day Afternoon“ als Al Pacino’s Lover, floppte aber auch da. Danach tingelte er als Cloe Berlin durch die Schwulen Clubs und gab Show Tunes aus den 20er und 30er Jahren zum besten, und wenn das nicht zum Leben reichte, ging er der Prostitution nach. 1981 verlor er extrem an Gewicht, erkrankte an Aids. Im November 1982 trat Jobriath ein letztes Mal live auf, anlässlich des 100. Geburtstages des legendären Chelsea Hotels, in welchem er sich vor einiger Zeit eingemietet hatte. Im Juli 1983 rief einer der Hotelmanager die Polizei, weil Jobriath schon mehrere Tage sein Zimmer nicht verlassen hatte. Jobriath war bereits seit mehreren Tagen tot.

Jobriath’s musikalisches Vermächtnis ist nicht gross, und es ist dem Musiker Morrissey zu verdanken -  einem bekennenden Jobriath Fan -  dass er es finanziell ermöglicht hat, die meisten der Songs aus Jobriath’s beiden Alben für Elektra Records wieder zugänglich zu machen. Er hat dabei sowohl bei der Songauswahl, wie auch bei der klanglichen Restauration grosse Sorgfalt walten lassen. So klingen Jobriath’s Songs heute so frisch wie ehedem, und die von Morrissey persönlich zusammengestellte Kompilation „Lonely Planet Boy“ lässt eigentlich keine Wünsche offen.

Dem Vinylfan empfehle ich, nach dem wunderschönen und fragilen Debutalbum Ausschau zu halten, denn es reflektiert den Künstler Jobriath am allerbesten.

Jobriath bleibt für mich eine der ganz grossen, leider völlig vergessenen Persönlichkeiten in der populären Musik. Man hätte diesem aussergewöhnlichen Menschen damals wohl jede erdenkliche Plattform bieten können, er wäre wahrscheinlich trotzdem gescheitert. Denn für so fragile Individuen wie ihn gab und gibt es, damals wie heute, kaum ein Platz in dieser kaputten Welt.

ANNO DOMINI - On This New Day (Deram SML R-1085, 1971)

Zu Beginn der 70er Jahre gab es etliche Stilvermischungen, die dann im sogenannten Progressive Rock-Schublädchen abgelegt wurden und der Tenor lautete damals so in etwa: Alles, was nicht absolut stilfest ist, wird progressiv genannt und kriegt dadurch einen Hauch von Exotik, Verschrobenheit oder gar Exklusivität. Dabei waren den musikalischen Phantasien der Musiker keine Grenzen gesetzt. Ob Hard Rock mit Psychedelik, Free Jazz mit Blues - da gab es keinerlei Scheuklappen, wenn man irgendwie anders sein wollte.

Solche Musiker wurden dann oft bekannt im Verhältnis zu ihrer Verschrobenheit : also praktisch gar nicht. Und da Vieles damals Produzierte eben schon sehr abseitig gewesen war, hat man auch kaum irgendwelche Bandnamen oder Namen von Musikern länger als einen Apfel essen behalten können. Meist versanken solche Interpreten schon kurze Zeit nach dem Veröffentlichen eines Werks wieder in der Versenkung.

Auch die Truppe Anno Domini hatte ein wahnwitziges musikalisches Konzept am Start, nämlich irische Folklore mit brachialem Hard Rock zu mischen. Der Hard Rock fand jedoch fast ausschliesslich dadurch statt, dass das feinfühlige Folk-Duo Kerry Scott und David Mercer aus Dublin in Tiger Taylor einen Berserker an der Stromgitarre in ihren Reihen hatte, der eigentlich alles Filigrane, das die beiden leisen Musiker noch liebevoll komponierten, quasi mit der Axt niederknüppelte.

Trotzdem fand das Konzept Anklang beim Decca-Unterlabel Deram, das für die Vermarktung von progressiven Bands und dem Erspähen und Fördern von "neuen" Künstlern, die sich abseits des musikalischen Mainstreams bewegten, zuständig war, und die Band erhielt einen Plattenvertrag. Im Tonstudio zähmte sich die Band dann aber selber und nahm gerade mal noch vier deftige Rocknummern auf. Der Rest war mehrheitlich typische Folkmusik in bester irischer Tradition, die erstaunlich reif wirkte und auch hervorragend eingespielt und gesungen wurde.

So gut die Platte am Ende dann aber geworden war: Es wollte sie niemand kaufen und so ging die Band schon bald in die Knie, als Tiger Taylor die übrigen Bandmitglieder verliess, um nach einer Solokarriere Ausschau zu halten, nach welcher er aber ebenfalls vergeblich suchte. Was bleibt, ist ein Album von toller Qualität, gespielt von musikalisch zwar sehr kompetenten Musikern, denen allerdings das selbst gestrickte Stil-Konzept einen dicken Knüppel zwischen die Beine legte.

CAPITAL CITY ROCKETS - Capital City Rockets (Elektra Records EKS-75059, 1973)

Diese weitgehend unbekannt gebliebene Band stammte aus Ohio und war eigentlich das Comeback-Projekt von Jamie Lyons, dem früheren Leadsänger der Band MUSIC EMPORIUM, die im Jahre 1967 mit "Little Bit O'Fun" einen grossen Hit in Amerika landen konnte. Ein weiteres Mitglied dieser neu formierten Truppe war der Bassist Eric Moore, der später bekannter werden würde als Musiker der Rock Band GODZ.

Ihr leider einziges Album erschien im Sommer 1973 auf Elektra Records und war eine ziemlich wirre Geschichte. Einerseits spielte hier eine Band eine Art College Rock (im positiven Sinne!), der eigentlich über alle Zutaten verfügte, um eine breite Fangemeinde erreichen zu können. Auf der anderen Seite stachen sie in ihrer optischen Aufmachung dermassen negativ ins Auge, dass die meisten nur müde lächelten. Keine Ahnung, warum sich diese hochkarätigen Musiker, die das eigentlich überhaupt nicht nötig hatten, als College Jungs in Schuluniformen gesteckt mit extrem schlechten Frisuren präsentierten. Da hatte Jemand vermutlich die falsche Vorstellung von Humor walten lassen.

Die Musik der Band war aber sehr hörenswert und hatte absoluten Party-Charakter. Jedes Stück tanzbar, mit prägnanten Hooklines zum mitsingen, griffigen Arrangements, untermalt von einer exakt auf den Punkt gebrachten knackigen Rhythmik. Titel wie "Ten Hole Dollar" oder "Still Kicking" lassen noch heute das Tanzbein jucken, wenn man sie sich anhört.

Stilistisch wanderte die Band auf mehreren Pfaden. So verband sie auf sehr unterhaltsame Weise den typischen, leicht angebluesten Westcoast Roots Rock à la Earthquake oder Greg Kihn ("Jeopardy") gekonnt mit der rauhen Härte beispielsweise der Stooges um Iggy Pop, bis hin zum funky Pop etwa von King Harvest. Dicke Empfehlung für alle Freunde von tanzbarem und melodieseligen Mid- bis Uptempo-Poprock.

GOV'T MULE - Sco-Mule 

(Evil Teen Records 0651-7511-22123, 2015, Originalaufnahmen von 1999)

Warren Haynes ist ein umtriebiger Musiker und er schafft es dank zahlloser Konzerte, die meistens auch aufgezeichnet werden, immer wieder, mich zu begeistern. 1999 holten er und seine Band Gov't Mule den Jazz-Gitarristen John Scofield, und jammten mit ihm. Heraus kam eine wundervolle Mixtur aus bluesigem Südstaaten-Rock und...Jazz!

Wobei nun die Musikstile total ineinander hineingreifen und man so eigentlich nicht sagen kann: Doch, das ist Jazz oder: doch, das ist Südstaaten-Sound. Nein, zusammen bringen die beiden hervorragenden und gefühlvollen Gitarristen vielmehr eine äusserst spannende, über einen ganzen Konzertabend sich ziehende Interaktion auf die Bühne, bei welcher die Songtitel bestenfalls noch als Eckdaten verstanden werden können, das Gespielte bisweilen aber äusserst frei und improvisiert klingt. Nie jedoch zerfällt das Ganze oder verfranst sich einer der Protagonisten - die Musik wirkt trotzdem immer kompakt, homogen und fast schon einstudiert, was angesichts der Tatsache, dass beide Gitarristen spontan ein enormes spielerisches Können abrufen können, nicht sonderlich erstaunt. Hier spüren sich zwei Musiker ganz wunderbar, lassen sich viele kreative Freiräume, um im nächsten Moment auch wieder perfekt miteinander zu harmonieren, als würden sie seit Jahren miteinander musizieren.

Zwei Auftritte am 22. September 1999 im Georgia Theater und am 23. September 1999 im Roxy, beide Hallen in Atlanta im Bundesstaat Georgia umfasste dieses Jam-Ereignis mit John Scofield , das am Schlagzeug noch den im Jahr 2000 verstorbenen Bassisten Allen Woody präsentiert, ausserdem Keyboarder Dr. Dan Matrazzo und Schlagzeuger Matt Abts. 11 Stücke spielten die Musiker gerade mal an diesen zwei Abenden. Daraus lässt sich erkennen, wie lange die gemeinsamen Jams jeweils gespielt wurden. Nun muss man aber durchaus keine Längen in den Titeln, respektive Langeweile befürchten. Nein, spielerisch hat der Hörer keineswegs irgendwann den Eindruck, hier werde endlos immer weitergespielt.

Die Stücke sind immer strukturiert, folgen einem Ablauf und leben von den beiden Gitarristen, die miteinander ein perfektes Spiel von Zusammenkommen und Loslassen zelebrieren, das immer spannend bleibt über die gesamte Spielzeit des Jams. Am spannendsten gelingt ihnen das bei den von John Scofield geschriebenen Stücken, allen voran bei "Hottentot" und "Tom Thumb", was aber eigentlich nicht erstaunt, da Scofield's Titel einfach die besseren Möglichkeiten zu spontaner Improvisation bieten. Allerdings zähle ich auch Mongo Santamaria's "Afro Blue" zu den Highlights. Dieses überlange Stück hatte Warren Haynes auch schon mit seinen Gov't Mule gespielt, ebenfalls in einer knapp 30 minütigen Jam-Version. Das war 1998 und damals spielte Warren Haynes das Stück mit dem Saxophonisten Randall Bramblett als Gastmusiker (nachzuhören auf der Platte "Live With A Little Help From Our Friends").

Erschienen sind die Aufnahmen dieser beiden phantastischen Auftritte vom September 1999 erst im Januar 2015 als Doppel-CD.

MICHELLE SHOCKED - Short Sharp Shocked (Mercury Records 834 924-2, 1988)

Die gebürtige Texanerin veröffentlichte ein frühes Spontan-Werk mit dem Titel "The Campfire Tapes", das in etwa so klang, als würden ein paar Studenten um ein Lagerfeuer sitzen, eine Kommilitonin spielt eine akustische Gitarre und trällert dazu. In diesem Falle aber war das Gebotene dermassen wunderbar, dass es nicht lange dauerte, dass die Plattenfirma Mercury einen Talentscout an eines ihrer Konzerte, die oft in der Aula irgendeiner Universität stattfanden, schickte. Der wiederum - in der Person von Pete Anderson - war so begeistert, dass er die Musikerin gleich um eine Audienz bat und ihr sofort einen Plattenvertrag anbot, welchen die Künstlerin erst einmal gar nicht ernst nahm und später auf Nachhaken sogar meinte, Pete Anderson sei ihr unsympathisch und sie traue ihm das Produzieren einer Platte mit ihr gar nicht zu. Schon diese frühe Einstellung liess ahnen, dass diese Künstlerin haargenau wusste, wohin sie wollte. Was ihr dazu noch fehlte, war ein sogenannter Masterplan.

Die Zusammenarbeit kam letztlich dann doch zustande, allerdings nur, unter einer Bedingung: Michelle Shocked wollte einen Mentor ihrer Wahl im Tonstudio während der gesamten Dauer der Aufnahmen an ihrer Seite haben, dem sie blind vertraute und der, falls angezeigt, intervenieren sollte, wenn die Aufnahmen in eine Richtung gehen könnten, welche der Künstlerin nicht genehm waren. Dieser Mentor kam von der amerikanischen Punkrock-Band The Mekons und ironischerweise war er ein grosser Fan der Aufnahmen, die Pete Anderson produziert hatte. Dies führte schliesslich dazu, dass dieses Meisterwerk genau das wurde, was es ist: Ein Meilenstein im Bereich der klassischen Troubadour-Musik, wie sie auch von Künstlern wie Phil Ochs, Tom Rush, Joni Mitchell oder Spider John Koerner gespielt wurde. Das Bemerkenswerte dabei ist, dass Produzent Pete Anderson gesagt hat, er habe in seiner ganzen Zeit als Produzent nie zuvor und nie danach mit Jemandem zusammengearbeitet, der im Tonstudio keinen einzigen Fehler gemacht hat: keine verpatzte Textstelle beim Gesang, kein falscher Ton auf der Gitarre gespielt und keinerlei falsche nicht perfekt getroffene Gesangslinien.

Die Platte warf damals den ersten und wohl auch ihren einzigen mittleren Hit ab, und zwar das Stück "Anchorage", das von einer Schulfreundin handelt, die von Texas nach Alaska gezogen ist. Die Musikerin schrieb ihrer damaligen Freundin nach vielen Jahren einen Brief, schickte ihn nach Dallas, und die Antwort kam aus Anchorage in Alaska.

Die 1988 mit einem recht provokanten Plattencover erschienene LP wurde 2003 von der Künstlerin selber als CD neu aufgelegt, perfekt remastered und mit einer kompletten zweiten CD als Beilage mit 21 unveröffentlichten Titeln, die eindrücklich bestätigen, über welch grosses Potential diese Musikerin als Songschreiberin und Sängerin verfügt.

FOREVER AMBER - The Love Cycle (Advance Records M ADV LP 001001, 1969)

Der Legende nach ist dieses Psychedelik-Album 1969 in einer Auflage von lediglich 99 Stück gepresst worden, was seinen Wert auf dem Sammlermarkt mittlerweile in vierstellige Höhen beflügelt hat. Ob die Musik solch einen utopischen Preis für eine LP rechtfertigt, muss nicht erörtert werden: Sammler sind eine eigene Spezies und handeln nicht immer wirklich realistisch. Ich kenne das nur zu gut. Im Falle von Forever Amber gibt es aber auch Neuauflagen, die natürlich zu einem ganz normalen Preis erstanden werden können.

Nur 99 Stück wurden von der LP deswegen gepresst, damit sich die Band um Steuerabgaben foutieren konnte. Ab einer Auflage von 100 Exemplaren hätte der britische Fiskus die hohle Hand gemacht, und dieses Geld hatte die Band offenbar nicht.

Das einzige Album dieser britischen Psychedelik-Progressive Rock Band ist ein Konzeptalbum reinsten Wassers, das am besten in einem Zug durchgehört werden sollte, damit es seinen besonderen Zauber entfalten kann. Dieser Zauber basiert zum einen auf den fein ausgearbeiteten, melodisch absolut hochwertigen Songs und zum anderen auf dem konsequent softrockigen Psychedelik-Sound, der stark an die britische Band The Zombies erinnert, aber auch Spuren der frühen Pink Floyd (Syd Barrett-Phase) und sogar der Beach Boys aufweist.

Der Sänger, Gitarrist und kreative Kopf John M. Hudson schrieb für das Album eine Ansammlung von insgesamt 16 Song-Preziosien, von denen sich jeweils zwei oder drei in einem eigenen Kapitel zusammenfassten und zusammengenommen ein einziges Konzept ergaben, welches unterschiedliche Gefühlsempfindungen von Freundschaft bis zu inniger Liebe abbilden sollten. Diese Kapitel hiessen etwa "The Meeting", "The Talking", "The Joy", "The Doubt" oder "The Sorrow" und waren musikalisch stringent unterlegt.

Es lohnt sich unbedingt, diese feine, leider völlig unbekannt gebliebene Perle der ausgehenden 60er Jahre zu entdecken. Die Band hatte sehr viel mehr künstlerisches Potential, als es die nur 99 gepressten Schallplatten einer Truppe ohne grosse finanzielle Mittel vielleicht denken liessen. Als CD ist dieses aussergewöhnliche Werk nachwievor problemlos erhältlich.

MORNING GLORY - Two Suns Worth (Fontana Records SRF 67573, 1968)

Das einzige Album, das diese kalifornische Band gemacht hat, war eine Antwort auf den damals durchaus angesagten Trend, sowohl weiblichen wie männlichen Gesang innerhalb einer Musikgruppe zu präsentieren. Dies hatten vor allem The Mamas & The Papas ("California Dreamin'") sehr erfolgreich umgesetzt. Die beiden Vokalisten bei Morning Glory hiessen Gini Graybeal und Bob Bohanna, wobei Gini Graybeal die deutlich leidenschaftlichere Stimme besass.

Musikalisch besetzte die Band die Lücke zwischen den Mamas & Papas, die den kalifornischen Sunshine Pop der Hippiejahre verkörperten, und Jefferson Airplane, die einen eher psychedelisch-rockigen Westcoast Sound spielten. Morning Glory waren aber wesentlich avantgardistischer als Cass Elliott und ihre Mamas & Papas und zudem experimentierfreudiger als Jefferson Airplane.

Auch kann man bei den gitarristischen Leistungen von Danny Nu Delman Einflüsse der Byrds und Moby Grape heraushören. All das verband der ausführende Produzent Abe "Voco" Kosh zu einem eigenständigen musikalischen Gebräu, das in dieser Art sonst von keiner anderen Gruppe gespielt wurde. Kosh selbst war als Produzent der amerikanischen Garage Rocker Blue Cheer bekannt und man muss sich natürlich schon fragen, warum denn ausgerechnet ein solcher Produzent von Morning Glory mit der Produktion ihrer LP beauftragt worden war. Der Grund liegt darin, dass Kosh sehr gerne musikalische Grenzen auslotete und eine Band natürlich als Herausforderung sah, die zwar einerseits gerne im kommerziellen Erfolg des damals so beliebten Doppelgesangs mitschwimmen wollte, auf der anderen Seite aber auch sehr offen war für experimentelle Sounds und leicht anpsychedelisierte Arrangements.

Die Platte ist natürlich nicht durchgehend leicht zu hören, landete deshalb damals auch zwischen den Stühlen und avancierte in der Folge zu so etwas wie einem Kultalbum. Vielleicht war die Band aber auch einfach ihrer Zeit um etwa zwei Jahre voraus, denn so um 1970 herum entwickelte sich aus dem amerikanischen Pop-Underground schliesslich der Progressive Rock, und in diesem Bereich hätten Morning Glory vielleicht sogar reüssieren können. Ansätze dazu lassen sich auf ihrem leider einzigen Werk "Two Suns Worth" durchaus erkennen.

ROBERT JOHNSON - Close Personal Friend (Ensign ENVY 4, 1978)

Es gibt Platten, die man mindestens einmal im Leben gehört haben müsste, um sie danach für immer im Hinterkopf platziert zu haben, denn sie können nachhaltig den zukünftigen Musikgeschmack prägen. Eine solche Platte hat 1978 ein amerikanischer Rock'n'Roll-Musiker aufgenommen mit Namen Robert Johnson. Etwas unglücklich ist dabei schon mal, dass er damit ein Namensvetter eines der berühmtesten Bluesmusiker aus Amerika ist.

Johnson war einer der hoffnungsvollsten Rock'n'Roll-Gitarristen in den 70er Jahren, bemühte sich um den Platz des zweiten Gitarristen bei den Rolling Stones und unterlag dann in der Ausscheidung Ronnie Wood, der den Zuschlag erhielt. Danach spielte er drei Jahre lang in der Band von John Entwistle, genannt OX, dem Side Project des Bassisten von THE WHO.

Auf seinem leider einzigen, 1978 eingespielten Soloalbum nahm er sehr energisch abgehenden Poprock auf, der in seiner Intensität und seiner Kraft sehr an Bands wie Dr. Feelgood oder Nine Below Zero erinnerte, was im Grunde nicht wirklich in die Mainstream orientierte Popwelt in Amerika passte. Johnson überzeugte durch eingängige, aber keineswegs glatte Songs, die allesamt weit aus dem Mittelmass hervorstachen, ebenso durch die knackigen Gitarrenläufe (die wiederum an Wilko Johnson's Spieltechnik von Dr. Feelgood erinnerten) und viel Power.

Die Aufnahmen, die er für das Album gemacht hatte, gefielen seiner Plattenfirma jedoch nicht und er nahm das Album noch einmal komplett neu auf - die Urversion, 1980 vom deutschen Plattenlabel Line Records veröffentlicht, klang im amerikanischen Original weniger energetisch. Es empfiehlt sich daher, wenn möglich nach der deutschen Ausgabe zu suchen, denn da klingen Johnson's Stücke noch wesentlich rauher und ungeschliffener, somit authentischer.

Robert Johnson kehrte wenig später dem Business desillusioniert den Rücken aufgrund anhaltender Probleme mit Plattenfirmen und Managern, was schade ist, denn er war ein Musiker mit unglaublichem Potential und einem grossen Talent, das man hätte fördern müssen.

Die Platte gibt es seit einigen Jahren auch als CD, und die ist auch empfehlenswert, weil man dort beide Ausgaben der Platte, die originale Einspielung und die zweite Einspielung der Stücke komplett erhält. So kann man beim Hören selber vergleichen, wieviel an Dynamik und Power bei den erneuten Einspielungen verlorenging und wieviel Kraft und Ausdruck in den rauhen und sehr viel ehrlicher und hemdsärmliger klingenden Erstaufnahmen lag.

ANYONE'S DAUGHTER - Piktor's Verwandlungen (Spiegelei INT 145.624, 1981)

Das dritte Album der deutschen Artrock-Band Anyone's Daughter markierte 1981 einen Wendepunkt in der Geschichte der süddeutschen Gruppe: Weg von englischsprachigen Texten, hin zu deutscher Lyrik. Dabei stammt das Stück, dessen Text auf dem gleichnamigen "Liebesmärchen" von Hermann Hesse beruht, bereits aus den Anfangstagen der Band - es war bis dato wegen mangelnden Interesses seitens der Plattenfirma lange unveröffentlicht geblieben.

Also nahm das Quartett die Sache selbst in die Hand und finanzierte eine Live-Aufnahme des knapp 40-minütigen Werks, das aus 13 Teilen bestand und ein zusammenhängendes Konzept bildete. Am 18. Januar 1981 wurde das Konzert realisiert und in Heidenheim aufgezeichnet.

Das Ergebnis kristallisierte sich schnell heraus: "Piktor's Verwandlungen" entwickelte sich zur bis dahin erfolgreichsten LP der Schwaben, da die Fans das Stück bereits seit Jahren aus den Konzerten der Gruppe kannten und liebten. Die Platte ist ein Paradebeispiel für guten deutschen Artrock, gepaart mit einer zeitlosen Botschaft, die jeden betrifft: Selbstverwirklichung.

Uwe Karpa, Matthias Ulmer, Harald Bareth und Kono Konopik haben mit dieser Hermann Hesse-Adaption eines der herausragenden deutschen Musikwerke geschaffen, das heute noch so zeitlos klingt wie damals, und das durch seine literarische Vorlage und die damit einhergehende Kernaussage ihre Aktualität nie verlieren wird.

GROBSCHNITT - Rockpommel's Land (Brain Records 60.041, 1977)

Schon immer eines der schönsten Alben, das ich jemals von einer deutschen Band gehört habe. Auch wenn ich lange Zeit mit der Band Grobschnitt so meine liebe Mühe hatte und manchmal auch immer noch habe (ich fand zum Beispiel den Gesang oft eher holperig): "Rockpommel's Land" ist ein wunderschönes Märchen, unterlegt mit märchenhafter Musik. Anders kann ich das gar nicht schreiben.

Die Idee zu diesem musikalischen Märchen, das vom kleinen Ernie und seinem Freund Maraboo, den bösen Blackshirts in Severity Town und dem weisen Mr. Glee handelt, stammt von Keyboarder Volker "Mist" Kahrs und war der Versuch einer Rock Oper, was damals, um 1975 durchaus ein beliebtes Konzept für ein Album darstellte. Kahrs, einem grossen Bewunderer von Bands wie Yes oder Genesis schwebte die musikalische Geschichte eines kleinen Jungen und seinen Abenteuern in einem Fantasie-Land (Rockpommel's Land) vor. Die Band begann 1976 mit dem Ausarbeiten des Projekts, was sich über viele Monate hinweg zog.

Was sehr interessant ist: Die Songtexte der vier Lieder auf dem späteren Album entstanden durch sogenannte "La la la"-Passagen innerhalb der instrumental eingespielten Teilstücke. Leadgitarrist Lupo setzte an die zu singenden Stellen seine "La la la" Einschübe, und Schlagzeuger Eroc verfasste danach Texte, die sich sowohl inhaltlich wie phrasierungstechnisch harmonisch und perfekt in die musikalischen Passagen einfügten. So entstand dann nach und nach zur Musik auch die Geschichte. Nach fast einem Jahr waren die Vorarbeiten an dem Album abgeschlossen und nun wurde das musikalische Märchen in Conny Plank's Tonstudio während vier Monaten eingespielt. Dabei überliess die Band nichts dem Zufall - die Einspielungen wurden seriös, engagiert und vor allem hoch konzentriert angegangen und selbst der berühmte Humor, den die Band seit jeher auszeichnet, blieb fast gänzlich aussen vor. Keine Frage: Hier hatte sich eine Band ganz hohe Ziele gesetzt. 

Das Ergebnis war umwerfend und in seiner Perfektion einzigartig. Die LP erschien im April 1977 und begeisterte alleine schon durch das wundervoll gemalte Plattencover von Heinz Dofflein, das den Hauptakteur Ernie auf seinem Maraboo zeigt, wie er über Severity Town fliegt. Erschienen damals auf Brain Records, gab es zwei Neuveröffentlichungen auf CD (und auch als LP), und nun gibt es diese wundervolle Platte auch komplett neu remastered von Eroc.

PERRO - The Planet Earth Rock And Roll Orchestra 

(Respect Recordings 60230 861661, 2014 / Originalaufnahmen von 1971)

Es hätte eine neue Supergroup entstehen können, damals 1971, als sich einige der brilliantesten Musiker der amerikanischen Westküste im Wally Heider Tonstudio in San Francisco zu gemeinsamen Sessions-Aufnahmen trafen. Mit von der Partie waren Jerry Garcia, Phil Lesh, Mickey Hart und Bill Kreutzmann von GRATEFUL DEAD, Paul Kantner, Grace Slick, Jorma Kaukonen, Jack Casady und David Freiberg von JEFFERSON AIRPLANE, sowie David Crosby und Graham Nash von Crosby, Stills, Nash & Young.

Nach über 40 Jahren sind diese Aufnahmen nun endlich ausgegraben worden, sauber klanglich neu aufbereitet und als Doppel-CD erschienen. Das Grundmotto der Aufnahmen lautete so in etwa "let's sit around and jam on something and see if it's any good". Was dabei herauskam, war schon wesentlich besser als was man hätte erwarten können, doch leider fand sich kein Plattenlabel, das diese Aufnahmen fertig bearbeiten und veröffentlichen wollte, was sicherlich auch daran lag, dass es eine Band im eigentlichen Sinne nicht gab, weil sämtliche involvierten Akteure anderweitige Verpflichtungen hatten und das Ganze wohl eher als Spass verstanden. Für einen Fan indes ist so eine Platte natürlich von unschätzbarem Wert, zeigt sie doch auch, was für kreative Möglichkeiten sich ihren Lieblingen boten, wenn sie mal einfach loslassen durften und ihren Säften freien Lauf lassen konnten. 

Und so klingen diese Songs, von denen einige in mehreren verschiedenen Varianten zu hören sind, oftmals frei von jedwelchen musikalischen Fesseln, zum Teil frei improvisiert, dann auch wieder klar strukturiert und aufgebaut (so etwa der wunderschöne "The Mountain Song") und es ist erstaunlich kreativ, was die beteiligten Musiker sich hier zusammen erarbeitet haben.

Die ersten paar Songs auf CD 1 beispielsweise reflektieren auf angenehme Weise den Stil der Band Crosby, Stills, Nash & Young, wenn sich David Crosby sehr frei und losgelöst, dabei ausnehmend sanft durch Songs wie "Is It Really Monday" oder "Under Anesthesia" singt. Bei einer weiteren von Crosby gesungenen Nummer gesellt sich dann Jerry Garcia dazu, und drückt dem herrlich hippiesken "Loser" seinen Stempel auf. Die Violine, gespielt von Papa John Creach, jenem Strassenmusiker, der von Jefferson Airplane Musikern entdeckt und gefördert, ja gar in ihre eigene Band integriert wurde, gibt weitere sehr schöne Nuancen in den Song. Der Titel erinnert auf angenehme Weise an Sachen von Grateful Dead, etwa an das Stück "Deal". "Over Jordan" dann ebenfalls ein Stück als Kollaboration zwischen Garcia und Crosby. Der schönste Song der Session ist für mich "The Mountain Song", der hier in mehreren "Arbeits"-Versionen zu hören ist. Jeweils mit Jefferson Airplane Sängerin Grace Slick am Klavier, Paul Kantner am Banjo (das er hervorragend spielen kann*), David Crosby, Jack Casady, Mickey Hart und wiederum Jerry Garcia sind sämtliche einzelnen Teile des Stücks hörenswert, weil sie sich zum Teil grundsätzlich voneinander unterscheiden, da einmal gesangsbezogen, dann wiederum rein instrumental ausgerichtet.

Die zweite CD beginnt mit einer grandiosen Jam Session mit dem Titel "Wild Turkey" mit einem tollen Zusammenspiel von Gitarrist Jorma Kaukonen und Bassist Jack Casady als treibende Instrumentalisten. Dieser Song fand später eine endgültige Fassung in einer weiteren Studioaufnahme und wurde auf dem Album "Bark" von Jefferson Airplane veröffentlicht. Eine weitere improvisierte Jam Session mit dem Titel "Jerry & Jorma Jam 1" wiederum zeigen Jerry Garcia und Jorma Kaukonen mit gefühlvollen Gitarren-Interaktionen. Das weitere Programm besteht aus angehängten weiteren Jam Sessions, die allesamt ziemlichen Grateful Dead Charakter haben und den Hippie-Zeitgeist auf schöne Weise einfangen, nur einmal unterbrochen durch einen weiteren Song-orientieten Titel von Graham Nash und David Crosby ("Wall Song"), der später von den beiden auch für ein gemeinsames Album berücksichtigt wurde.

Alles in allem ein ganz tolles musikalisches Projekt, das endlich auch offiziell erschienen ist und Gelegenheit bietet, einigen hochkarätigen Musikern aus der Hippie-Aera bei der Arbeit zuzuhören. Einer Arbeit, die wohl mehr Spass als Ernst gewesen ist, was sich in der Relaxtheit der Aufnahmen manifestiert und diese Relaxtheit kann man als Hörer in jedem Jam und jedem Song spüren und heraushören.

THE OZARK MOUNTAIN DAREDEVILS - It'll Shine When It Shines 

(A&M Records SP-3654, 1974)

Die Ozark Mountain Daredevils waren eine Country-Rock / Americana-Band aus Springfield, Missouri.Top-Produzent Glyn Johns, unterstützt von David Anderle spielte mit der Band 1974 dieses zweite Album ein. Dazu reiste er in den Heimatort der Band, stellte ausserhalb des Band-eigenen Proberaums ein mobiles Tonstudio auf Rädern auf und begann mit den Aufnahmen zum Album. Die Legende besagt, dass eines der Bandmitglieder, Pianist Larry Lee, damit beschäftigt war, am Rande der Aufnahmen stets ein kleines Liedchen vor sich hinzuspielen, das von einem seiner Freunde, der sich als Drogenhändler betätigt, handelte. Produzent Glyn Johns hörte da mal hin, fand die Melodie ganz nett und ermunterte Larry Lee, zu dem Song doch einen anderen Text zu schreiben, der von einem Mädchen handelt und das Drogen-Drumherum wegzulassen. Lee tat, wie ihm geheissen, schrieb zusammen mit Bandmitglied Steve Cash einen neuen Text und der Song wurde nach der Veröffentlichung als Single des Albums zu einem grossen Hit. Das Lied "Jackie Blue" erreichte in der Folge Platz 3 der amerikanischen Charts.

Das Album "It'll Shine When It Shines" erschien im Oktober 1974, als die Band bereits mit der ein Jahr zuvor veröffentlichten ersten LP und der daraus ausgekoppelten Single "If You Wanna Get To Heaven" einen beachtlichen Erfolg feiern konnte. Das Album verkaufte sich sehr gut, wie auch das nachfolgende "Men From Earth" 1976. Danach wurden die Plattenverkäufe schnell bescheidener und nach einem im Sound radikal geänderten selbstbetitelten Album 1980, das total floppte, gab die Band auf. 

Sie kam aber immer mal wieder für ein Comeback zurück, jedoch vor allem als lokale Grösse in Springfield und der weiteren Umgebung im Bundesstaat Missouri, wo sie bis heute als Legende gefeiert wird. Der Name Ozark Mountain Daredevils ist auch untrennbar mit dem Erfolg der Single "Jackie Blue" verbunden. Das Stück taucht regelmässig (auch heute noch) auf diversen Country-Rock Musikzusammenstellungen auf und unterstreicht damit wohl auch die Qualität des Songs an sich und der gesamten Band, die leider den ganz grossen Durchbruch nicht schaffte und heute ziemlich vergessen ist. Die originalen Alben der Band wurden nie offiziell veröffentlicht. Die Band selber kümmerte sich aber darum, ihr Werk auch im Zeitalter der CD noch einmal unter die Leute zu bringen und lieh sich die Rechte der Plattenfirma, die Platten klanglich restauriert unter dem Firmen-Logo New Era Productions zu veröffentlichen, sodass man heute noch problemlos an die Werke der Band herankommt, sei es als gebrauchte Vinylausgaben zu moderaten Preisen oder als remasterte CDs.

GALLAGHER & LYLE - Seeds (A&M Records AMLS 68207, 1973)

Gallagher & Lyle war ein britisches Singer/Songwriter-Duo, das aus Benny Gallagher (Gesang, Gitarre, Klavier, Bassgitarre, Piano Akkordeon, Mandoline, Okarina, Mundharmonika) und Graham Lyle (Gesang, Gitarre, Mandoline, Banjo, Violine) bestand. Bekannt wurden sie als Duo vor allem mit ihren Top-Ten-Hits "I Wanna Stay With You" und "Heart on My Sleeve". Beide Songs wurden 1976 veröffentlicht.

Bereits in den 60er Jahren legten die beiden den Grundstein ihrer Karriere, indem sie beispielsweise von Paul McCartney für das Beatles-eigene Plattenlabel Apple Records als Songschreiber für Mary Hopkin engagiert wurden. Hopkin's Hits "International" und "Sparrow" stammte aus der Feder der beiden schottischen Musiker. Den Titel "International" nahmen die beiden selber später ebenfalls auf, und zwar, als sie Mitglieder der Band McGuinness Flint wurden. Mit McGuinness Flint gelangten sie zu zwei eigenen grossen Hits, nämlich "When I'm Dead And Gone" und "Malt And Barley Blues", bevor sie 1972 als Duo zu musizieren begannen.

Inr drittes Album "Seeds" erschien 1973 unter den Fittichen des renommierten Produzenten Glyn Johns, der zu diesem Zeitpunkt bereits Alben von Weltruhm produziert hatte, wie beispielsweise die Debutalben von Led Zeppelin und Humble Pie, "Who's Next" der Gruppe The Who oder auch die ersten beiden Alben der Eagles. Er setzte dem Album ganz klar seinen Stempel auf und schuf aus relativ harmlosen folk/country-inspirierten Songs Perlen von erhabenem Glanz. Auch eine Single warf das Album ab: "I Believe In You", die zwar wunderschön arrangiert war, kommerziell jedoch kein Erfolg war, wie leider auch das Album selbst.

Erst im Jahre 1975 kam der künstlerische Erfolg. Art Garfunkel von Simon & Garfunkel coverte ihren Song "Breakaway" und später spielte dann das Erfolgsduo Simon & Garfunkel auch Gallagher & Lyle's Song "A Heart In New York" ein.

Der eigene Erfolg von Gallagher & Lyle legte sich jedoch, sodass sich das Duo 1980 trennte. Graham Lyle war später als Songschreiber äusserst erfolgreich, schrieb zum Beispiel Songs für Tina Turner ("What's Love Got To Do With It" und "We Don't Need Another Hero") und Michael Jackson ("Just Good Friends") oder auch für Jim Diamond ("I Should Have Known Better").

"Seeds" bleibt ein wundervolles Vermächtnis, hervorragend produziert, mit 12 erstklassigen Songs, eingespielt von zwei exzellenten Multi-Instrumentalisten, die für diese Aufnahmen unterstützt wurden unter anderem durch den Saxophonisten Jimmy Jewel (u.a. Keef Hartley Band, Fairport Convention) und den Schlagzeuger Bruce Rowland (u.a. Juicy Lucy, Fairport Convention).

RONIN - Ronin (Mercury Records SRM-1-3832, 1980)

1979 stand Linda Ronstadt auf dem Zenith ihrer Karriere. Zu dem Zeitpunkt hatte sie bereits etliche Alben in Edelmetall verwandelt, und durfte sich seit Jahren der Qualitäten von vor allem zwei Musiker gewiss sein: Waddy Wachtel und Rick Marotta. Waddy Wachtel war der Gitarrist, der, bevor er als festes Mitglied in Linda Ronstadt's Backing Band seine umwerfend schönen gitarristischen Akzente setzte, bereits ein alter Hase, und stand als Multi-Instrumentalist, Komponist, Musiker und Produzent in den Diensten so namhafter Künstler wie Keith Richards, James Taylor, Stevie Nicks, Warren Zevon und Jackson Browne. Ausserdem begleitete er als Musiker zahlreiche Grössen der amerikanischen Musikszene auf ausgedehnten Tourneen. So war er unterwegs unter anderen mit den Everly Brothers, Carole King, Stevie Nicks und Keith Richards, in dessen Band "The X-Pensive Winos" er auch als Songwirter und musikalischer Director agierte. Waddy Wachtel war auch auf allen Alben von Stevie Nicks als Leadgitarrist zu hören, deren Produzent er auch war. Als verantwortlicher Arrangeur und Produzent hat er auch wesentlichen Anteil zum grossen Erfolg von Linda Ronstadt beigetragen. Zum Zeitpunkt der Veröffentlichung des Albums RONIN war er schon einige Jahre auch als Gitarrist in der Band von Warren Zevon tätig, und auch für ihn zeichnete er für viele Arrangements verantwortlich. Im Jahre 2000 geründete er dann The Waddy Wachtel Band, in welcher immer wieder Gastbeiträge zu hören waren unter anderem von Keith Richards, Joe Walsh, Robert Plant, Jackson Browne, Neil Young, Roger Daltrey oder Billy Squier.

Rick Marotta wiederum ist ein renommierter Drummer und Perkussionist, der als Sessionmusiker auf zahlreichen Alben von Aretha Franklin, Carly Simon, Steely Dan, James Taylor, Paul Simon, John Lennon, Hall & Oates, Stevie Nicks, Wynonna, Roy Orbison, Todd Rundgren, Roberta Flack, Peter Frampton, Quincy Jones, Jackson Browne, Waylon Jennings, Randy Newman, Peter Gabriel, Kenny G., The Jacksons, Crosby, Stills & Nash und vielen anderen mitgespielt hat. Sein Bruder Jerry ist ebenfalls Drummer und Perkussionist und hat vor allem mit Peter Gabriel zusammengearbeitet. Rick Marotta war in den 70er Jahren Drummer der exzellenten Band Brethren, deren beide Alben heute extrem rar und sehr gesucht sind. Ich selber habe sie bis heute nicht gehört. Die Gruppe spielte einen sehr eigenständigen, aussergewöhnlichen Sound irgendwo zwischen Rock und Country, mit jazzigen Elementen und Einflüssen aus dem typischen New Orleans Swamp-Sound von beispielsweise Dr. John. Letzterer steuerte dann auch eine Komposition für's Debutalbum von Brethren bei ("Loop Garoo").

Waddy Wachtel und Rick Marotta formierten dann zusammen mit dem ebenfalls bestens bekannten Dan Dugmore die Band RONIN. Leider war der Band kein Erfolg beschieden, was allerdings auch viel zu tun hat mit den zahlreichen Engagements der beteiligten Musiker. Nach einer einzigen Tournee war schon wieder Schluss und die Protagonisten arbeiteten wieder als das, wofür sie schon seit vielen Jahren sehr geschätzt wurden: als erstklassige und hochdekorierte Studio-Musiker. Damit bleibt die Geschichte RONIN wohl eine der kürzesten in der Rockgeschichte. Was bleibt, ist ein wunderbares Album mit zeitlos schöner Rockmusik, in die viel kalifornische Sonne verpackt ist.

FUMBLE- Fumble (EMI Sovereign Records 1C 038 93 729, 1972)

 

Anfang der Siebziger Jahre fand ein Rock'n'Roll-Revival statt, an welches heute zwar fast niemand mehr denkt, das aber die Siebziger Jahre noch ziemlich stark prägen würde. Dave Edmunds machte den Anfang, es folgten Bands wie Flash Cadillac & The Continental Kids, Sha Na Na, The Wild Angels, Daddy Cool (aus Australien!) und viele weitere, und eigentlich hypte das Ganze mehr in England als sonstwo in der Welt - Glam Rock verdankt seinen Ursprung zu einem nicht unwesentlichen Teil dem Schaffen von Marc Bolan, David Bowie, Jobriath Boone, Gary Glitter etc., welche ja eigentlich ebenfalls im Rock'n'Roll zuhause waren. Und später folgte dann mit dem Pub Rock der Vorläufer zum Punk - trockener, tougher Rhythm'n'Blues à la Dr. Feelgood, Wilko Johnson, The Motors (gaaaaanz geile Combo!!!), Eddie & The Hot Rods oder The Saints (wieder Aussies). 

Rückblende: 

1965 gründeten zwei College-Freunde - Des Henly und Mario Ferrari - die Band "The Iveys", zusammen mit Remo Ferrari und John Watson. Die Band existierte bis 1967, dann formierten die beiden ihre nächste Combo mit Namen "Baloons", neu mit Barry Pike und Sean Mayes, welche von "The Soulbenders" kamen. Als "Baloons" hatte die Band ziemlichen Erfolg, tourte kreuz und quer durch Europa und spielte dabei auch im Star Club Hamburg oder im Cavern in Liverpool. 

1971 entschlossen sie sich zur Umbenennung in "Fumble". Ein Jahr später nahmen sie ihre erste LP auf ("Fumble") und tourten als Vorgruppe von Bill Haley durch Europa. Mit dem Plattenlabel Sovereign waren sie eigentlich am völlig falschen Platz untergekommen und so geschah es, dass die Band nicht allzuviel Airplay für das Album erhielt. Da blieb der Band nichts anderes übrig, als selbst für Werbung zu sorgen. 

1973 konnten sie für David Bowie - der in jener Zeit ja bekanntlich dem wahren Rock'n'Roll frönte - auf einer Europatournee das Vorprogramm bestreiten, sie spielten am imageträchtigen Reading-Festival 73 und 74 und waren 1974 sogar Headliner am Roskilde-Festival in Dänemark. Zeitgleich erschien auch ihr zweites Album "Poety in Lotion", das nun bei RCA erschien (hatte da vielleicht Bowie's MainMan Management die Finger drin ???) 

Leider konnte die Band jedoch nicht lange überdauern - Phillysound aus USA und Punk in England liessen traditionellen Rock'n'Roll ins Hintertreffen geraten. Es erschienen zwei weitere, völlig unbeachtete Alben, ein "Official Bootleg" mit Namen "Rumble with Fumble" (1979) und "It's Only a Rock'n'Roll Game" (1982). Obwohl mit EMI Electrola eigentlich ein mehrjähriger Deal vereinbart worden war, liess das Label die Band wieder fallen, nachdem die Platte nicht die gewünschten Verkaufszahlen einspielte. 

Mit Album 1 und 2 haben Fumble jedoch zwei heute ziemlich in Vergessenheit geratene Perlen eingespielt. An den ausgewählten Songs - Fumble war praktisch ausschliesslich eine Coverband! - kann's nicht gelegen haben, dass der Erfolg nur mässig war. Meines Erachtens gibt es bis heute von keiner echten Rock'n'Roll Band solch traumhaft schöne und knackige Versionen bekannter R&R-Standards! Kommt noch dazu, dass vor allem Album 1 "Fumble" ein klangtechnisch absolut brilliantes Album war, das man sich auch heute noch mit Genuss reinziehen kann. Produziert hatte das damals kein Geringerer als Shel Talmy (The Who, Kinks, The Creation, The Easybeats, Small Faces, Amen Corner und und und)!

Fumble - Fumble (Sovereign SVNA 7254, 1972)

Side A 
It Might as well Rain until September (Carol King's schöner Popsong) 
One Night (der Elvis-Heuler schlechthin) 
Rave On (einer von Buddy Holly's Hickser-Klassiker) 
Ebony Eyes (Edelsülzen-Ballade von Neil Sedaka) 
Oh Carol (und nochmals Neil Sedaka, diesmal DER Popsong von 1959) 
The Girl can't help it (Wer kennt das nicht ? - J.L. Lewis, Elvis etc. etc.) 

Side B 
Hello Mary Lou (die schönste aller Versionen des Gene Pitney-Klassikers - John Fogerty ist Quark dagegen!) 
Take good Care of my Baby (wieder Goffin/King at it's best!) 
Nut Rocker (Ebenfalls ein Killer-R'n'R, ultraschnelles Klavier-Gehämmer der Sorte 1A) 
Teddy Bear (Der Kuschel-woap-woap-schwu-bop, fein Elvis-like) 
Let it Rock (als Sahnehäubchen gibt's noch unwiderstehliche Chuck Berry-Riffs obendrauf) 
Breaking up is hard to Do (noch eine Neil Sedaka-Nummer). 

Neil Sedaka konnte übrigens auch noch einmal reüssieren in diesem Rock'n'Roll-Revival. Er chartete doch tatsächlich im Jahre 1973 noch einmal mit "That's when the Music takes me"!! 

Fumble - Poetry in Lotion (RCA SF 8403, 1974)

Side A 
Here We go Again (Eigenkomposition - hier begannen die Defizite) 
Not Fade Away (einer der besten Buddy Holly-Kompositionen!) 
Marilyn (der Monroe gewidmeter toller Schmuse-Song aus eigener Feder) 
Free The Kids (wieder eine Eigenkomposition, wieder ziemlich dröger R'n'R) 
Break my Mind (J.D. Loudermilk - perfekt interpretiert, sauschön!!) 

Side B 
Don't Take Love (Eigenkomposition, ziemlich überkitscht) 
Honey what a Feelin' (Eigenkomposition - na bitte: geht doch! 1A!!!) 
The Letter (Carson's Topballade im neuen Gewand - darin sind Fumble unschlagbar!) 
Gone is all my Love for You (Schöner Phil Cordell-Song, von ihm kennt man nur "I Will Return" als Springwater, gell ?) 
Runaround Sue (noch ein Klassiker - kompetent gespielt) 
Keep On Knockin' (zum Abschluss R'n'R-Feuer von Little Richard - Great!!!) 

Des Henly's Rock'n'Roll Circus gibt sich auch heute noch hin und wieder die Ehre, live abzurocken. Leider aber vorwiegend in England. 


Infos hier: www.fumbleontheweb.com

COLLIE RYAN - The Rainbow Recordings 
(Bella Terra BTR 0042, 2009) Originalaufnahmen von 1972

Collie Ryan ist ein Landmädchen, träumerisch und hippiesk. Und sie hat eine begnadete Stimme, irgendwo zwischen Joan Baez, Kate Bush und Vashti Bunyan. Fast sirenenhaft singt sie manchmal, und sie trägt einem auf wundersame Weise einfach weg. Alltag tschüss….

Das 3 Mini LP CDs umfassende Box-Set vereinigt 3 Langspielplatten, die Collie Ryan sämtlich 1972 in einem Studio eingespielt und auf dem Plattenlabel Rainbow Recordings veröffentlicht hat. Collie singt und spielt dabei akustische Gitarre, manchmal setzt sie sehr spärliche Gitarreneffekte ein und ziemlich viele natürliche Geräusche, jedoch wird sie nicht begleitet durch zusätzliche Musiker. Das verschafft allen Songs etwas Intimes auf der einen Seite, und auf der anderen Seite kommt dadurch natürlich Collie’s Stimme enorm zur Geltung. Selten habe ich sowas Schönes, sowas Märchenhaftes gehört wie diese Stimme.

Alle Songs auf den drei Platten, die hier einzeln auf 3 Mini LP CDs im Schuber erscheinen, versprühen einerseits 60er Jahre Hippie-Psychedelik, und trotzdem meint man auch immer ein bisschen Hope Sandoval-Flair zu hören, also leicht melancholischen, oftmals nicht ganz greifbaren Folk. Durch die Untermalung natürlicher Geräusche entsteht ausserdem so etwas wie ein New Age Charakter, dies jedoch nur ganz sanft und keineswegs esoterisch-abgehoben.

Die Musik schwebt genauso wie Collie Ryan’s Stimme, und über allem schwebt immer ein feiner Hauch von Mystik, etwa in Songs wie „On Out Over The North Star“, „Brother Sun Sister Moon“ oder „Starbright (Song Of Silence)“.

Zu Collie Ryan: Ende der 60er Jahren gehörte sie einer Hippie-Kommune an und sang vorwiegend Songs von Donovan, schrieb aber noch keine eigenen Songs. Stattdessen war sie bekannt für ihre Malerei. Sie malte Bilder von Buddhas und Hindu Gottheiten. Später begann sie dann, Lieder zu schreiben und hatte bis 1972 an die 700 mystische Songs komponiert.

Ihr Produzent erinnert sich an diese Zeit:  „She was sort of like „The Goose that laid Golden Eggs“. Her Songs were usually written after deep discussions of Philosophy between her an Larry, who was a student of Theosophy and an Associate of The United Lodge of Theosophists. The topics were of the Universal Brotherhood of Man, the Oneness of Life, the Journey of the Soul, and other universal concepts. They had become like Gypsies, Wanderers, Seekers of Truth”.

Collie komponierte nicht im eigentlichen Sinne, sondern ihre Songs entstanden sehr oft einfach spontan, zumeist entstammten sie den Ideen beispielsweise des Bhagavad Gitas oder den indischen Vedas. Manchmal nahm sie einfach ihre Gitarre in die Hand, spielte und sang ganz spontan einen zuvor nicht aufgeschriebenen Text und spielte dazu eine vorher nicht einstudierte Musik. Diese Spontaneität hört man auch auf vielen ihrer Songs dieser Box heraus. Und Collie Ryan schreibt am Ende der Liner Notes gleich auch, wie ihre Musik gehört werden sollte:

„I would like to thank all my listeners, for their efforts toward hearing with the inner ear…“